Cinexcusas - Reseñas, premieres y lo que se acumule!

Bourne vs Bond o la antítesis del héroe americano

2007-09-11T00:21:00.000-07:00

El chico americano promedio, con una güereja ídem, convertido en asunto
de seguridad nacional. © Universal Pictures
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Aparentemente, la trilogía iniciada en 2002 basada en la novela de Robert Ludlum, llega a un buen final en pantalla, un lustro más tarde. Atando muchos cabos que eximen -casi- la necesidad de exponerse a las dos cintas que le preceden, Bourne: Ultimatum remata y no sólo se supera a sí misma, sino a las versiones más recientes de agentes secretos asalariados.
Dirigida nuevamente por Paul Greengrass, un experto en temas bélicos, de guerrillas y en convertir en dramones las historias de personajes equis (recuérdese el estrés recreado en pantalla logrado en United 93), la tercera cinta torna aún más vertiginosa, palpitante. Al grado que, me atrevo a decirlo literal: la historia de Jason Bourne, con menos presupuesto y más historia, creo que le ha arrebatado al James Bond de Ian Fleming, un lugar privilegiado.
Aquí mis 10 razones:

1. Jason Bourne (Matt Damon) es, por la naturaleza de "El Programa", un chico aún más malo. Entrenado para matar, aprende a contenerse y recurre a la estocada final sí y solo si es necesario. Además, se rebela a sus jefes. Los reta y encara.

2. Jason Bourne es muchísimo menos hi-tech que Bond, pero igualmente eficiente. Con un celular prepagado es capaz de poner en jaque a todo el sistema GPS de la CIA durante una memorable corretiza en una estación de tren... precisamente en Waterloo, Inglaterra.

3. Se acabó el agente gigoló, seductor, mátalas callando... Bourne ha tenido un sólo amor (Marie Kreutz, interpretada por Franka Potente, vista en The Bourne Supremacy) capaz de llevar en su recuerdo (dentro de las vaguedades del mismo, pues cabe recordar que no tiene memoria) y en los recuentos de sus venganzas. Bourne es un tipo promedio, sin poses de cualquier índole.

4. También sabe matar, pero a puñetazo limpio. No armas. 100% asalto físico (como Los Ángeles de Charlie, pues!)

5. Cero autos de lujo a su servicio (y de paso mayordomos ñoños-freaks). Lo mismo puede atracar y desplazarse con gran habilidad en una motoneta, que un Mini Cooper o mejor aún, una patrulla neoyorkina. Domina correr en reversa como pocos y tanto su cuello como integridad no tienen empacho en volar de un piso a otro con el acelerador de fondo. ¡Maestro!

6. ¡Es americano! (bueno, norteamericano). Cero arrogancia británica ni espacio para las modas. No es un chico trendy vestido para matar ni mucho menos, socializar.

7. Siente, ama: se duele. Si se preguntan por qué en Casino Royale (Campbell, 06) el actor Daniel Craig debió soportar tormento chino justo en la entrepierna, fue precisamente un intento por hacer más humano al personaje. Bourne ya lo era. Le había comido el mandado. El hecho de saber que no es quien dicen que es, lo atormenta. Si la trilogía despeja dudas sobre su origen ¿vendrá acaso la precuela?

8. Su mera existencia es un asunto de seguridad nacional (gringa). Jason Bourne se eleva al mismísimo rango de Osama Bin Laden o del Chapo Guzmán (si lo tropicalizamos). Con todo y que la CIA puede predecir su ubicación en cualquier punto del planeta, es inteligentemente escurridizo. Se da el lujo de aparecer a cuadro en circuitos cerrados de TV y desaparecer en nanosegundos.

9. No usa caretas. Jason Bourne es en realidad un tal David Webb que, en el mejor estilo del Capitán América se inscribe en un programa que pretende generar super agentes secretos, capaces de salvar a su pueblo de la escoria multiversal (oh sí!). Nada de nicknames ni códigos alfanuméricos para identificarlo.

10. Bourne es capaz de regresar a sus orígenes y meter en singular cintura a sus perseguidores, de uno en uno. Y ya con eso, pudo darle la vuelta a la moneda a cualquier historia de agentes secretos. Es entonces, la antítesis del héroe americano enfundado en asalariado de la CIA. Este señor sí amerita un "¡eres mi antihéroe, papá!"

Oscura torna la red; rubia es la discordia

2007-05-04T19:59:00.000-07:00

Cuando más mejor iba la relación entre Mary Jane y el "Tigre", llega esta güerita
para meterle giribilla al asunto... © Columbia Pictures
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Spider-Man 3, la cinta con la que arrancan los esperados blockbusters de verano, ya está aquí. Disfrutarla con mis amigos en el primer minuto del 4 de mayo, día de su estreno mundial, en pantalla IMAX, no tuvo precio. Y, al igual que en los dos episodios anteriores, la emoción por ver los desfiguros que Sam Raimi haría de la historia, nos mantuvieron despiertos por más de dos horas y media apoltronados en el cine.
Como cada una de las cintas donde los efectos especiales se convierten en un protagonista más, cabe destacar que la pausa de tres años entre el segundo (2004) y tercer episodio logran madurar no sólo a los derroches tecnológicos (con un presupuesto superior al cuarto del billón de dólares no era para esperar menos), sino también a los actores y, por qué no, al director.
Apartando entonces mi lado puritano, el mismo que me hizo relinchar por los desvaríos de la trama, con respecto al cómic original, a estas alturas de la vida ya me valían fregaderas como que un tal Flint Marko (Thomas Haden Church) era en realidad el asesino del tío Ben... y que a la postre se convertiría en El Areneno. O mejor aún, la inclusión vaya-usted-a-saber-por-qué, de la peliteñida Bryce Dallas Howard en el rol de la súper ñoña Gwen Stacy, el único, verdadero y fallido amor de Peter Parker (cuando desde el inicio nos "hicieron" creer que nel, la chica next door fue Mary Jane Watson). Nótese el peso específico de las mujeres en la vida del fotoperiodista/superhéroe. ¿Acaso no hay un momento en la vida del hombre donde todo, absolutamente todo, se reduce a mujeres?
Si en la primera parte MJ no muere a manos de El Duende Verde (el único personaje constante, aunque sea en la memoria, durante las tres películas) en pleno puente de Brooklyn, como a Gwen le ocurrió, ¿qué se puede esperar de esta mescolanza de personajes/subtramas y largos etcéteras? Un alto grado de sorpresas. Y sí, muertes inesperadas.
En la segunda entrega a Parker le llovieron catorrazos y zapes de quien menos se lo esperaba y la vida parecía no componérsele, con la llegada de este ser simbiótico denominado Venom (ojo, muy al estilo del Terminator Schwarzeneggueriano) salido, literalmente, de la nada, imagine qué pasa a la hora de sacar su lado oscuro, el tan mentado plot point que venimos escuchando desde los primeros trailers de la cinta.
¡Agárrense viuditas! Puesto que Parker, en su alter ego de las mallas rojas-próximas a oscurecerse, se convierte en toda una celebridad cuya fama rebasa la marquesina donde Mary Jane empezaba a brillar en Broadway (¡tómela! a la peliroja también le toca morder el polvo, gacho) y para acabarla de amolar, deberá sacarse al mismísimo demonio de las entrañas. Rencor, venganza, humillación al enemigo. ¿Así o más tormento?
Peleas en el aire mejor logradas, más vertiginosas y completamente neoyorkinas; una dupla de súper villanos de quienes se agradece la caracterización (la mole de arena y granito capaz de cobrar vida, en mancuerna con la viscosa gelatina negra que es Venom, no tienen nombre), una embarradita de dilemas éticos en torno a la amistad, el amor de pareja, a la familia, el éxito a través de la popularidad, la necesidad de perdonar para salvar y ser salvado. La cinta con la que hasta ahora se conforma la trilogía de Spider-Man deber verse, sí, como el gran espectáculo que hace justicia a los fanáticos del arácnido, y que por muchos años esperamos verlo en pantalla.
Pero en el fondo (o más bien, cada vez más por encimita), sí también como una reflexión al fin de al cabo humana, gran diferenciador de las historietas de Marvel con respecto a cualquier otra en el mercado, en estos temas y que a cualquiera, humano mordido por arañas o picado por mosquitos, nos atañen. Ésta seguirá siendo la gran virtud de los personajes Marvelitas. Y mientras la estrella no encuentre su ocaso, ni los actores envejezcan como para no reconocerlos, seguro habrán más episodios cinematográficos en el futuro. Y muero de ganas por saber qué destrampe de guión fabricarán para la cuarta cinta.

Cañitas. Del metro Popotla al Óscar

2007-04-07T09:43:00.000-07:00

Cuando los mostros revelan su cara, en pantalla, se pierde la magia detrás del terror en la literatura. © High Level Films
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Confieso haber llegado a una función de Cañitas. Presencia (¿alguien sabe el origen del título combinado?) sin haber sido antes "cliente" del fenómeno. Jamás toqué el libro de Carlos Trejo, toda la historia me llegó por gente que había ojeado sus páginas y que, a la postre, había tornado de escépticos a fervientes creyentes (y hasta especialistas) de la maldición maldita que rondaba en la vieja casona allá por el metro Popotla. A sabiendas que el género de terror no es precisamente el mejor consolidado en nuestro país, el morbo por ver y juzgar qué hay detrás de la cinta, me orilló al cine. A unas semanas de haber visto Kilómetro 31 (Castañeda, 07), una cinta de, sin duda, mejor manufactura. Bla.
No hay más vuelta de hoja. Si el cine nacional no avanza no es culpa de los actores que se desgañitan frente a la cámara. Mucho menos del director (Julio César Estrada, de quien, casualmente, no se trata de una ópera prima; tal vez si de una póstuma). Tampoco del equipo de producción y de F/X, que hacen su luchita por traducir los fantasmas que el guionista se puñeteó en la cabeza y que puestos en máscaras de látex o caras empanizadas de extras, son francamente risibles. Con todo el esfuerzo y la lana que implica levantar un proyecto en México, ¿por qué carambas apostarle a una película cuya premisa, en la historia, es un reverendo chiste? Cañitas llega con el background de ser un best seller de librerías como VIPS (versión "actualizada" incluida). Así que franquiciarlo a una comedia cinematográfico, seguramente, para quienes desembolsaron, fue como quitarles un pelo.
En la casona, habita una inverosímil muy joven familia conformada por el propio Trejo (encarnado en Armando Hernández, lejos de sus roles habituales de pandrosito; no me lo creí), su esposa Sofía (Mariana Ávila, acartonada cual muñequita de papel que se siente) y su maligna hermana Norma (Francesca Guillén, un poco más rescatable, ojipintada para que parezca dark). Es esta última quien, en su obsesión por comunicarse con el novio muerto (mientras en tierra le da vuelo a la hilacha hasta con el jefe del hermano), desata la hecatombe tras maljugar a la Ouija. Acto seguido: la "magia" de la producción. Añádase a la familia un par de morros, el obeso y el mudito, que apenas puja como gato y nadie le presta atención ("así nació", así ha de morir en el olvido el pobre).
Tras este plot point, lo que ansiaba ver era la tragedia posterior, traducida en la digna carnicería que la cinta/historia prometía ser. Pero si murieron dos, fue demasiado (¿no se supone que es la cinta donde se mueren todos al final, salvo el que la cuenta?). Vidrios que estallan sin razón, temblores cataclísmicos que ocurren sólo en la localidad en cuestión, trenes fantasma en las vías, presencias piteras de seudo monstruos protegidos por las sombras, encapotados en látex de mercado de Sonora. Vaivenes de la familia para comprender el fenómeno e intentar resolverlo con la misma "magia" que desató a los chocarreros. ¿Los productores pensaron huir por una puerta fácil pensando acaso en prolongar el churro a una secuela?
Por si alguien no se había enterado, hace un par de años, cuando los medios fueron convocados por Carlos Trejo para anunciar el rodaje de la cinta que ya se encuentra en pantallas, uno de los "muertos" en la historia se apareció ahí, de repente. Levantado de la tumba. Y llegó para despotricar que nel, que el "cazafantasmas" mexicano era un fraude, un impostor, que ni él estaba muerto pero que sí lo habían amenazado de ultimar. Y que Cañitas era, por mucho, el negocio de su vida. Así como llegó al set, lo sacaron en patas... Y la película entró ídem a la cartelera. Ojalá programaran aún aquellos programas que llevaron por nombre Y usted ?¿qué opina? donde Nino Canún confrontaba al público de la XEW con escépticos y creyentes del fenómeno. Ese escenario haría mejor justicia para linchar a-quien-resultara-responsable (una fórmula reciclada la realiza, de pronto, Alfredo Adame en su programa mañanero... con bastantes mediocres resultados).
A inicios de año, Carlos Trejo dijo que la cinta quedaría lista para este mes y la vería para analizar si estaba de acuerdo en los "límites" que decidió imponer. En una entrevista con La Crónica de Hoy (23 de enero de 2007) se atrevió a aventurar lo siguiente: "Ojalá [Cañitas] pueda competir en los Oscares, y se dé un marco importantísimo para que pueda hacer producción en el ámbito mundial". Por mi parte, ya hasta perdí las ganas de pedir prestado el libro. Veremos hasta dónde llega su historia aspiracional que no deja de ser tercermundista.

La Reforma de mi vida

2006-11-16T23:34:00.000-08:00

Desde hace casi dos años que quedé oficialmente desempleado, mi única y siguiente gran meta profesional era enrolarme en el peródico que pregona ser el "Corazón de México". Proveniente de un consorcio de medios regiomontano, el Reforma fue mi más grande aspiración y era como el paso natural en mi "carrera" después de haberle jugado al periodiquito y de reportero más orientado al cine y los espectáculos, cosa que en mi anterior chamba en el Tec les ardió por completo hasta que terminaron sacándome del equipo.
En 2005 una y otra vez pisé sus terrenos en la Santa Cruz Atoyac de este medio, sin éxito alguno. Uno, dos, tres exámenes de ortografía, conocimientos generals y demás, presenté como si estuviera en la feria. Quienes me conocen, supieron que mejor me dediqué a emprender por cuenta propia y desde hace poco más de un año como socio de Casa Naranja al lado de quien fuera un acérrimo colaborador del extintísimo Jaque del Tec. Quién lo iba a decir! Pero para como están las cosas en este país, no hay de otra sino buscar la manera de salir adelante.
Cuando ya había perdido la esperanza y mi currículum navegaba de mala gana pidiendo chamba a terceros, el horóscopo que publica el suplemento Top Magazzine me marcó la ruta a seguir, hace cosa de cuatro meses. Lo que ya era totalmente improbable, resultó como en el noviazgo perfecto: una vacante para el área de Gente! en el punto-com. Feliz de la vida como me encontraba estampando y vendiendo playeras, de pronto me entró el miedo y el nervio a encerrarme en otra chamba de tiempo completo, con horarios (y vestimenta) formales, que darían el color a mi trayectoria profesional. Eso inició en agosto y se acabó la semana pasada.
La película que ya me sabía: las odiosas y dueñas-de-la-situación-y-del-changarro mujeres de Recursos Humanos como el primer filtro. Baterías de exámenes: los mismos que ya había presentado una y otra vez. Entrevista con otra mujer de las que captan "talentos". Entrevista con el coordinador del área donde trabajaría. Entrevista con la coordinadora de Gente! Entrevista con un máster de Recursos Humanos. Entrevista con el director de todo internet. Lo subrayo: era el romance perfecto. Todo fluía. Serios los cuestionamientos del tipo "Casa Naranja? Qué haces ahí?" "¿Así que eres todo un empresario, ah?", como inspirando mala leche con tal de agarrar mis chivas y llegarle. Pero no fue así. Por espacio de casi tres meses, me salí con la mía y logré, después de mucho chillar, enrolarme en el mejor periódico de este país como Coeditor Asociado Internet Gente! ¡Hágame usted el favor!

Así lucío mi foto por espacio de un mes en el pizarrón de ¡Bienvenidos! (no por mucho, jaja!)
© Cinexcusas Press Photo
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Para hacerla más emocionante y evidenciar la carencia de fuentes de empleo de este país, un día antes de ingresar a la plantilla laboral, la premier: vas a estar a prueba por tres meses y además, en competencia con otra persona para ver quién de los dos cubre mejor el perfil y se queda con la plaza. ¡Todo un reality show! Mi mayor temor era haber perdido callo para la redacción, más tratándose de tiempo real. Este blogcito y la mínima carrera que había hecho en el extinto Libertas, me defendieron. Aún cuando a los dos los boté vilmente durante muuucho tiempo. ¿A qué me mostraba más intolerante? A la frustración.
Así, con las ventas viento en popa en Casa Naranja, me enrolé, a sabiendas que en tres meses podría ganar o perder todo. Y si pensaban que haría el negocio personal a un lado, señores, estaban que se revolcaban de equivocados. Con un horario de la fruta, un día de descanso a la semana (miércoles) y toda una temporada de conciertos y eventos nocturnos, que prolongaban mi estadía en la redacción hasta altas horas de la madrugada, aguanté vara. Ni siquiera para competir con alguien más. La prueba de resistencia fue conmigo mismo. ¡Caray, que orgullo! No sólo me aprendí las herramientas para publicación en internet, sino que recobré el gusto por la redacción y tuve la oportunidad de preparar los contenidos que a mi como lector de ese medio, siempre me habría gustado ver (como el test de la filmografía sobre el 9/11).
Fueron los dos meses y medio más intensos de mi vida, confieso haberme sentido pleno y echando además adelante la venta y diseño de playeras. Claro, del lado personal, como desde hace casi dos años, ya perdí contacto humano y si algo extrañaba y era precisamente lo que pedía a gritos, era trabajar con GEN-TE. Pero oh sorpresa. En un medio tan absorbente, donde la noticia se genera a cada segundo, fue toparme con que cada quien se encontraba inmerso en su chamba, unos pegados con otros, sin puertas ni paredes. Los jefes de la edición impresa, por un lado en una parte superior. Los reporteros, de aquí para allá. Los editores, histéricos gritoneándose con los diseñadores (Canseco, al día de hoy sigo admirando cómo es que superviviste tanto tiempo en el Tec)... Y yo ahí, queriendo hacer contacto humano, tratando de proponer mejoras a la página, al equipo, a los productos especiales. Y en eso se quedó.
Una de las primeras cosas que estoy seguro aborreció quien dijo llamarse mi "jefe" fue que, en vez de competir lo que se dice competir, con la otra persona por esa vacante, resultó que se convirtió en mi mejor aliada y compañera de trabajo durante el tiempo que la cosa duró. Tan ardido estaba el "jefe" que hasta se encargó de meter chismesito caliente sobre mi manera de llevarme con Elia, una pasante de LCC pero de la UIC. Nada que ver. Por el contrario, los dos con cara de what, no sabíamos a quién nos odiaba más. La comunicación de esta persona siempre fue nula y además, parecía que nos despreciaba. Pero no sabíamos si siquiera, era parejo o equitativo en eso. ¿Quién abusando de su cargo y nivel se encarga de meter ruido dentro del equipo?
Santiago: estás a años luz de siquiera aspirar a llamarte coordinador.

Elia jamás fue mi "rival". Por el contrario, se convirtió en mi único contacto humano durante los tres meses del reality. Lágrimas, risas, su cumpleaños... de todo pasamos. Gracias amiga!
© Cinexcusas Press Photo
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La fregadera se convirtió, entonces sí, en verdadera competencia. Pero con el inepto del coordinador. Me entero que el equipo viene parchado, pues de pronto todos los de esa sección, se salieron o los fueron. Para tapar el agujero, jalaron a este señor de otro suplemento y conformaron el equipo reclutando gente. Su brazo derecho: un niño modosito que jugaba a ser medio ingenuo y a la vez medio propositivo y sumiso con tal de estar apadrinado y ganarse el lugar. El brazo izquierdo, la mente creadora, súper explotada y súper negreado. Héctor, un gran cuate que después de mucho luchar, finalmente ya le dieron un mejor lugar. Es el claro ejemplo de cómo las empresas abusan de las personas cuando las catalogan como "practicantes".
Sin comunicación al interior, sin capacitación integral, sin juntas de equipo semanales para evitar canibalizar las propuestas; con un gran celo de que la gente nos conociera. Sin liderazgo. Sin un carajo mentor a quién seguir pero por sus buenas acciones, no por sus órdenes. A eso me enfrenté. Y en un trabajo por el que chillé a gritos conseguirlo, terminé frustrándome con los estúpidos filtros de un jefe a quien considera como máximo a Pedro Almodóvar pero es incapaz de darle un buen nivel de destacados a las notas del mexicano Guillermo del Toro. Un remedo de coordinador cuyo miedo de dejarme publicar las nalgas de Tara Reid (más bien, miedo a perder su chamba) a las once de la noche, se evidenció cuando el print arriesgó a meter la misma foto en la edición del día siguiente, con la consecuente per-ma-nen-cia del mismo hecho. Un fulano que no aceptó la crítica, que las fotos con encuadres diferentes las considera "bizarras" y que censuró una numeralia de los escándalos de Paulina Rubio cuando ¡sorpresa! los del impreso se agarraron las bolas y lo publicaron un día después.
Fin de la historia. El tercer capítulo era claro: en el equipo no iba a haber un editor pasivo metiendo las fotitas dinamiquitas que pregonaba la también estúpida de mi ex jefa en el Tec. Era mejor dar por terminado el reality a tener alguien que, tarde o temprano, le iba a quitar el puesto. Carajo, ni siquiera el puesto per sé. Era la convicción de hacer las cosas un poquito mejor, de jalar más gente con títulos más atractivos, con sondeos de opinión más concienzudos. Con productos especiales que exaltaran los valores del espectáculo mexicano, por encima de los extranjeros. Y pues así acabó la prueba.
Para ensalzar más la fregadera, alguien por favor que me explique cómo es que una empresa gasta lana en procesos de selección, en exámenes, en pruebas médicas, en seguro social, en pagar por dos la nómina cada quincena. Y al final del día, en pagar dos finiquitos, pues ni Elia ni yo, nos quedamos con la plaza. Conclusión? No hubo jamás una vacante. El jefe prefirió ascender (por tercera vez en el año, ¿es ello razonable?) a su mana derecha y consecuentemente, a Héctor. ¿Para qué nos tuvieron entonces ahí? Con todo el estrés y terror sicológico?
Mayor sorpresa: la jefa del jefe, no tenía ni putarraca idea de cómo estaban las cosas. ¡Hello! ¡Apestan! Una prueba más del desconocimiento de la situación interna en los equipos de trabajo. Gran lección la que me llevo! Y si alguien creía, afuera de esa redacción, que las dos áreas (impresa y por internet) estaban muy bien integradas, señores, están viendo la película equivocada. Por gente como con la que me tocó lidiar, los equipos de trabajo jalan cada quien por su lado, se forman grupitos de poder al interior, los chismes corren como la cafeína y lo que es peor: el ambiente de trabajo se vuelve tenso. Trabajar así todos los días, excepto Navidad. Está del tubo. Y aunque ya estaba comprometido y me creía el rollo de "estamos contribuyendo a que la gente mejor informada tome mejores decisiones" les digo: váyanse al carajo.
Lo que necesita este país es gente con conciencia de que su trabajo vale más que un triste sueldo conformista cada 15 días. Más sus vacaciones y su pavo a fin de año. El día que nos la creamos y con esa actitud cada quien trabaje y genere pequeños, luego grandes cambios en su entorno, ese día saldremos de la mentalidad perdedora a la que empresas como CICSA nos tienen acostumbrados.
Señores, mi finiquito se va directo a invertir en el negocio de Casa Naranja. Sólo eso les agradezco. Aunque claro, aprovecharon el puente del 20 de noviembre para que pueda ir hasta el 21 a cobrarlo al banco.

¿Estás pagando "uso de suelo" en Reforma.com? La próxima vez que veas una errata en Gente! puedes escupírsela a Santiago Mobarak (izq.) Efectivamente, se ve que está hasta su madre de trabajo. © Cinexcusas Press Photo
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¿Saben qué es lo que más aprecio haber recobrado al terminar este reality? Mi libertad. De hacer lo que me pega la gana, de decir y publicar lo que pienso y lo que creo. De, como dice mi ex suegro, estar en un país capitalista y poder ejercer el comercio electrónico sin que nadie me diga que no. Ni modo, se me derrumbó el ideal de la gente que yo esperaba encontrar en Reforma, de los mentores que allí pude haber encontrado para aprender de ellos. Hace falta una muy buena escuela donde te enseñen a ser patrón. Mientras tanto, yo seguiré en el autoaprendizaje pero feliz de poder ser mi propio jefe.
Queridos lectores, estoy de vuelta. Y lo que es mejor: he podido ir al cine de nuevo.

X3 vs la Saga de Fénix oscura

2006-06-04T00:10:00.000-07:00

En el cómic, Jean Grey se convierte en Fénix tras salvar a sus colegas de una tormenta solar. © Marvel Entertainment Group Inc.

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Era evidente que Jean Grey no había muerto. No así en el cómic, menos en X2, secuela de la brillante adaptación fílmica que tanto habíamos demandado los fans. Tuvimos que esperar cuatro años para saber qué ofrecería X3 The last stand, que por el título, pareciera la "despedida" de los mutantes en pantalla grande. Fuera del relevo del director (Bryan Singer, quien en breve estrenará el "regreso" de Superman, en la compañía de cómics de enfrente, por Brett Ratner), había muy poco anunciado y, a mi manera de ver, el trailer era confuso. En el fondo, como diría mi mainta, aquí también hay una historia de amor. Y por amor también se mata ¡chin! ¡Uno menos!
En ese cada vez más lejano 1991, cuando la extinta Novedades Editores publicaba cómics de Marvel, tuve a bien adquirir la Saga de Fénix oscura. En la serie tramada por Chris Claremont, esa Jean Grey, alias Chica Marvel o Fénix, gran telépata "de potencial desconocido", deja ver su lado oscuro. El malo, pues. El que la obliga a consumir galaxias enteras para saciar (a la vez que demuestra) su sed de poder. El mismito por el que, ni modo, deberá rendir cuentas y morir.
Hoy, en esta libertad y hasta maniqueísmo al que tanto personaje de Marvel se ha sometido para salir en pantalla, en una cinta sí taquillera, pero que gracias a los adelantos tecnológicos actuales pueda hacerle por fin justicia, no es nara raro que los X-Men se sometan a tremendas alteraciones desapegadas de su historia y orígenes. Y no es que me empeñe en aguar la fiesta, ¡por el contrario! Ya había leído que esta tercera parte mantenía al espectador apañado del asiento. ¡Funciona! Pero quienes leimos de embarrada el cómic, podrán coincidir conmigo.
Así pues, veremos cómo el Dr. Hack McCoy (a.k.a La Bestia), tiene una chamba en el gobierno estadunidense, el cual ha desarrollado una "vacuna" para sanar a todos los mutantes que así lo deseen (ellos, al igual que los afganos después del 9/11, seguirán siendo enemigos públicos) y ¡quienes menos se lo esperen! Pues como si fuera espuma de aerosol en pleno 15 de septiembre se ha repartido como elemento de control. ¡Snif! La primera baja a causa de esta nueva arma sí que duele...
Pero a sabiendas de la reencarnación de Jean Grey, Charles Xavier y Magneto, del mismo modo que hace (supuestamente) dos décadas, la buscarán hasta su changarro para, como candidato en época de comicios, pedir que se les una a su causa. ¡Tómala! Esa pelea psíquica entre el aguerrido profe y la mutante "nivel 5" más poderosa que se haya visto (créanme, hasta el amo del magnetismo se queda corto a su lado) no sólo es sorprendente, sino que rompe la espina vertebral de la escuela. Vean cómo la dibujó John Byrne. Imagínenla si es que no han pagado su boleto (¡móndrigos!)

En el cine, esta pelea tiene otra resolución. X3 es una total tragedia para la historia escrita en papel. © Marvel Entertainment Group Inc.
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A esta trágica confrontación (hasta aquí van tres "decesos" considerables) ha de seguirle una más grande y es donde la cinta se pone aún más buena. Pero antes, en los cada vez más desmembrados pupilos de Westchester, dos personajes deberán retomar el liderazgo en vez de clausurar la escuela, meterle galleta a los entrenamientos en el cuarto del peligro (versión 3D) y hasta habrá tiempo para una semi-pedaleada en bicicleta ajena, para ponerle un poco de limoncito a la llaga. El joven reparto visto en la secuela ahora da un peso más específico a los "nuevos" mutantes como Bobby Drake (Shawn Ashmore), la intangible Kitty Pride (Ellen Page) y Peter Rasputin (Daniel Cudmore) como el fornido capaz de tornar su piel en acero orgánico. Del lado de los malos, Pyro (Aaron Stanford), el amo del fuego y un risible-cascote-incluido Caín Marko (Vinnie Jones) como el iracundo Juggernaut, otro de los imparables villanos que en las historietas, ni el mismo Thor pudo detener.
Y así hasta que Magneto se erige como líder de la hermandad mutante para librar la más grande de las peleas, escoltado por Fénix versión oscura, en un supuesto San Francisco que, para variar, resulta ser Canadá.
En su reciente visita a México, Hugh Jackman anunció que produciría, para el año entrante, una película basada exclusivamente en Wolverine, mutante que le ha dado fama como actor y hay que decirlo, tuvo a (muy) bien repre$entar. ¿Será ésta la cuarta película de los Hombres X? Por ahora se dice que no. Pero con tantos decesos, pérdidas de poderes, alteraciones y también tantas claves (quienes no han ido a ver X3 hagan caso cuando se les dice que al final de todos los créditos hay material inédito que debe verse) no hay nada seguro.
El final de la Saga de Fénix oscura es uno de los más emotivos que tuve oportunidad de leer en cómics. Enmedio, el dilema de una Jean enamorada de Scott Summers y que nunca dejó de ser acosada por Logan. El poder para salvar al universo o disponer de él a plenitud (toda una "diosa", bien reconoce Magneto). Por amor y a pesar de él, también se mata.
Grábense esta imagen para cuando tengan oportunidad de ver la adaptación fílmica. Luego me dicen en qué se pareció (o no) una con el otro.

María Magdalena, uncoded

2006-05-20T17:59:00.000-07:00

¿Hay o no una tensión sexual entre estos dos monigotes? © Columbia Pictures

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Les guste o no, hayan leído, chismeado o enterádose apenas por la vecina (o su hijo) de qué carambas se trataba, todo mundo está abarrotando este fin de semana las salas donde se exhibe El Código Da Vinci.
De nada sirve que aún los gringos más conservadores hayan pedido rezar un rosario antes de ir a verla o que tanto prelados mexicanos como organizaciones que pecan en su manera de "salvaguardar" los valores, califiquen a la cinta como aburrida. ¡Qué diablos! ¡Es sólo una película! Es la película de moda.
En ese gran empuje mercadológico previo, a mis manos llegó un ladrillo pirata de menos de 100 pesos de Dan Brown, seguramente Made in Tepito. Chutarme las primeras de sus más de 800 páginas fue verdaderamente tedioso. Sin embargo, como a muchos, poco a poco las volteretas de la historia, lo rápido que ocurre y las corretizas en las que se topan los personajes, lo hizo menos pesado. Sin duda, el acto mágico de tomar un libro ocurre en nuestra capacidad de imaginar los escenarios que nos plantea así como delinear a cada personaje. Este best seller, así, casi tal cual, era, de entrada, un guión perfecto para el tipo de películas de Hollywood y que pésele a quien le pese, hasta abrió el Festival de Cannes de este año. ¡Es lo que hay!
Para no aguar la fiesta y reservar la emoción de quienes aún esperan ir a verla estos días, Ron Howard (Apollo 13, A beautiful mind) no pudo haber tenido mejor casting. Del lado americano, a uno de sus máximos representantes en todo el globo: Tom Hanks como el profesor Robert Langdon. Del lado parisino, nada más simbólico que Jean Reno como el capitán Fache y Audrey "Amelie" Tautou en el rol de Princess Sophie.
Enclavados en las galerías del Museo del Louvre (en el libro, Brown hace saber al lector que ni siquiera conoce París, que él es una piola ubicando cada centímetro cuadrado del recinto) a partir del asesinato del curardor local (tío de Sophie), la historia por todos sabidas cae en la posibilidad mítico-histórica de tambalear la fe cristiana, en tanto que Jesús pudo haber tenido una hija con María Magdalena y, luego entonces, el mito-chantaje-llámelo-como-quiera en el que nos hemos envuelto. ¡Una mujer es entonces el centro de la controversia!
Polémica por tratar este asunto y ubicar al Opus Dei como una organización extremista adinerada-acaudalada, la novela tenía que ser adaptada cinematográficamente, casi de manera natural, pues insisto que el texto asemeja mucho un guión, concentrado ahora en dos horas y media de cine. Y para lo cuadrados que resultan algunos diálogos (dice el profe Gerardo Salcedo, subdirector de programación de la Cineteca Nacional, que los personajes parecen "bibliotecas ambulantes") sólo había que hermosear un poco la trama con los paisajes naturales, un reparto representativo, flashbacks mejor estructurados y claro, un presupuesto exorbitante para el calibre de blockbuster que iba a darle la vuelta al mundo, como si el libro no lo hubiera hecho ya.
Debo reconocer que la película me pareció funcionar, aún cuando tanta voltereta escrita me fastidió. ¡Y es que de eso se trata! Engaño o no, verdad o netas a medias, polémica o complaciente, la conclusión con la que pude abandonar la sala giró en torno a mi propia fe y eventuales creencias, sea más por herencia que propia convicción. Más cuando justo estoy conciente que uno es responsable de su propio destino y toda fuerza extraterrestial, si es que la hay, hasta se ríe de nuestras desgracias en vez de echar la manita.
¿Qué tan fuerte anda su fe en estos días, querido lector?

Plancha Mandoki camino a AMLO

2006-05-12T01:55:00.000-07:00

¡No se quede sin el suyo! 49 pesitos en cualquier changarro de periódicos. © Astillero Films S.A. de C.V.

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Damita, caballero, en esta ocasión el cineasta Luis Mandoki le trae a la venta un video documental con la vida y obra del Señor López Obrador, popularmente conocido como Pg. Conozca la vida, obra y todos esos horripilantes crímenes de los que ha sido acusado nuestro ex jefe de gobierno capitalino y próximo prócer a ocupar la oficina de los Pinos...

A unos días del exterminio del foxiato e inmersos en una programación televisiva/guerra mediática (sin contar el cochinero que han hecho de esta ciudad con tanta propaganda) donde los presidenciables se avientan de todo, menos sus propuestas para sacar adelante el país, encuéntrese ya en circulación una serie documental de tres volúmenes dirigida ni más ni menos que por Luis Mandoki (el mismo de la multipremiada Voces Inocentes) cuyo título es ¿Quién es el Sr. López?
¡Que agarren confesados a los autores del complot contra López Obrador! Pues a partir de esta entrega recopilación-crónico-periodística, el primer round de 50 minutos expone ni más ni menos a todos los nombres y apellidos (incluido el “innombrable”) de los creadores intelectuales del “ridículo” complot en contra del ahora indestructible e imparable candidato a la silla máxima.
El primer volumen inicia pronto y no pretende armar un perfil del político tabasqueño (sin embargo aparecen pequeñas narraciones de sus difuntos padres y de su maestro más influyente en la secundaria): se va de lleno sobre el Sanjuangate, evidencia los dotes skerlockholmescos del ex jefe de gobierno para salir adelante en la farsa y, como si fuera pelea de campeonato, continúa un segundo round con el mismísimo Carlos Ahumada, luego de llevarse entre las patas a personajazos como Carlos Ponce y el “profe” Bejarano, ambos expuestos en los videoescándalos. Mandoki omite hablar de la carrera política de Andrés Manuel (no es un perfil, insisto) y apenas expone fotografías de cuando éste era el incipiente chamaco político que organizaba éxodos de Villahermosa a la hoy ciudad “de la esperanza” para denunciar fraudes. Pero nada más.
En la premiere de esta serie ocurrida a finales de abril, muy a la vieja usanza, los revoltosos que se quedaron afuera de la sala con la cortina metálica impidiéndoles el paso, se tuvieron que conformar con un DVD de a grapa para evitar algún incidente. Adentro, el propio López Obrador acompañado por Mandoki, vieron el resultado de la segunda entrega de este documental, pensado por el cineasta como un continuum que desembocara en las elecciones de julio próximo.
El resultado del segundo episodio, pareciera planchar aún más la alfombra roja con la que AMLO llegaría a Los Pinos, como al día de hoy, todas las encuestas parecen señalar (hay que reconocerlo: a menos que le ocurriera como a Colosio, nadie lo puede parar). Son verdaderos documentos donde el apodado PG es el más chido de los políticos, el más austero, leal, profesional, luchador y honesto.
En voz de sus ex secretarios (Raquel Sosa, Alejandro Encinas, hoy jefe de gobierno relevo), escritores (José María Pérez Gay) y hasta académicos (Lorenzo Meyer), estos videos legitiman el bienestar que sus políticas han producido y dejan ver que, al igual que en el 2000 con el provocado voto “del miedo” orquestado por el PRI en torno a una eventual desestabilización del país en caso de que ganara la oposición, seis años después los denunciantes son los mismos que ostentan el poder, pero del partido de enfrente. Y por si hubiera duda hasta algunos empresarios declaran a cuadro que con López Obrador, pensando primero en los pobres, ahora sí vamos para adelante.
Nuestra política ficción comprueba dar para el cinema verité en el ejercicio de Luis Mandoki. Sin ser una joya del video expóngase a ella con cautela y, en la víspera de las elecciones, procure reafirmar sus convicciones políticas por quien realice las maromas más acrobáticas.

¡Tsa huevo!

2006-04-22T02:40:00.000-07:00

Así, viéndolos en vivo, ya están más huevones. ¿A poco no? © Cinexcusas Press Photo
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Mi primer contacto con los personajes de Huevocartoon.com fue a propósito de las risotadas que un par de ex compañeros de trabajo soltaban cuando, sin mucho que hacer en la oficina, se la pasaban descargando esas animaciones en Flash con las que se dieron a conocer.
Comunidad del Huevo S.A. de C.V., la empresa echada a andar por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, orgullosos ex alumnos del Tec (lástima, del Campus Estado de México), pronto dio de qué hablar en aquel lejano 2002, donde el cortometraje animado "qué linda hueva" fue fugazmente pirateado y esparcido por toda la red, empujando a los espectadores a conocer a esos simpáticos huevos, cocidos en alcohol hasta más no poder, aprovechando el albur que nos caracteriza.
Relata Juan Manuel Aurrecoechea en El episodio perdido. Historia del cine mexicano de animación, que las pérdidas mensuales de la empresa gracias a la piratería de sus contenidos, ascendío a 240 mil pesos al mes. Pues ni contra ese mal de la sociedad moderna, los personajes de Huevocartoon padecieron frio alguno y pronto sus yemas y claras se incrustaron en sendas promociones de Sabritas, Telcel y Scribe. Era de esperarse, la serie de peluchitos conmemorativos y demás chucherías propias del merchandising. Los hermanos Riva Palacio la han hecho en grande y el fenómeno es tal, que había de darse el brinco a la pantalla grande (ni siquiera la chica, aunque sí se llegaron a hacer algunos planes), anunciado con bombo y platillo desde el año pasado.
Así, con una de las apuestas más grandes de la historia, ayer se estrenó en nuestro país Una película de huevos, con nada más ni nada menos que 430 copias en circulación (200 de las cuales las echaron el pasado miércoles-del-naco-feliz). El furor por Huevocartoon seguramente hará pedazos cualquier pronóstico del box office en este fin de semana. No sólo por la alta exposición que la cinta tendrá, sino porque a diferencia de los esfuerzos recientes más cercanos por reactivar el cada vez más escaso-arriesgado-improductivo cine de animación made in Mexico (léanse Magos y Gigantes e Imaginum, de Anima Estudios), muchos de nosotros hemos sido, directa o indirectamente, "tocados" por la hueva de los huevos.
Espérese una cinta para toda la familia, pues el negocio debe abarcar al mayor público posible. Expóngase al albur que caracteriza a los personajes dentro del nacimiento de Toto, un huevo aspiracionalmente urgido a convertirse en pollo, raptado insensiblemente para encajuelarlo en un estuche de supermercado y buscado incansablemente por su gallina madre (ups! ¿así o más Nemo?). Nótese la combinación de drama y terror que representa para los huevos morir licuados en el desayuno de los chamacos, fritos en aceite hirviendo en una sartén o hasta tragado vivos en el estómago de los humanos.
La historia que bien pudo haberse llamado Huevos en fuga se conduce sencilla, parece compararse un poco con secuencias vertiginosas ya probadas de las majors (los huevos y un pedazo de tocino sorteando las llantas de los carros muy a la Toy Story), de pronto hasta descansa y ofrece un poco de aire (la aventura donde intervienen Tlacua y Che en las coladeras) y reanuda con algunos momentos musicales videoclipescos, eso sí, combinando sagazmente los huevo-trazos 2D con escenarios y ambientes mejor logrados, a partir de un tercer un eje de movimiento/espacio más.
Redondea la cinta el doblaje a cargo de Bruno Bichir, Angélica Vale y Carlos Espejel, además de la lograda supervisión musical a cargo de Lynn Fainchtein, donde se brinca del Son de la Negra hasta un fragmento del Speed of Sound, de Coldplay. Y para finalizar... ¡exacto! ¡Los bloopers! Vale la pena soplarse toooodos los créditos con el obligado extra, de repasar los orígenes de los chistes basados en huevos.
¿Será éste el respiro que necesita el género mexicano de animación? En lo que revisamos las arcas, disfrútese acompañado. Dos huevos son mejor que uno, es ley.

Como tu hermano mayor

2006-04-16T21:47:00.000-07:00

Nada más frustrante que la barrera de "sólo amigos". © Just Friends Productions Inc.
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Después de mucho repatear en la cabeza algunas ideas de valor en torno a Sólo amigos (Just Friends), cinta que se estrenó en estos días santos, creo que por fin encontré el valor muy pero muy en el fondo de la trama.
He de confesar que, de inicio, no esperaba absolutamente nada. Llegué muy bien acompañado a la función, con una bola de prejuicios en torno a lo que temía ver. La tarugada de película convirtió el momento (o el "horror") en un ejercicio de introspección de lo más placentero. Mi nueva alegría de escribir y de compartir las reseñas en este espacio, ocurrieron casualmente (¿o causalmente? aún no lo descubro) a partir de haber ido a esta premiere con una ex-ex-ex-conocida de mis tiempos en secundaria (¡hace exactamente la mitad de mi vida!).
A diferencia de Aída, mi compañera de esa noche, me la pasé refunfuñando y ocasionalmente soltando una risita con ciertos momentos chistositos auto proyectantes de esa churrera ficción. (Nota del editor: ¡gracias por haber hecho significativa la tarde y por retornar a mi vida!)

Haciendo a un lado el momento de los violines, que levante la mano quien no se ha quedado en esa móndriga barrera que supera el término "mejor amigo" por "novio". Para recordar lo frustrante que es y peor aún, en esa etapa adolescente de la vida donde las mujeres dejan de ser francos extraterrestres y hasta se les toma cariñito, he aquí una cinta churrera, dirigida por Roger "Cruel Intentions" Krumble.
En pleno guateque de graduación de su high school, Chris Brander (Ryan Reynolds, ex pupilo de Blade en la trilogía Trinity), un regordete chamaco enfundado en traje con sobrepeso de 40 kilos, está decidido a confesarle su amor a la no-mala-asediada-por-todos Jamie Palamino (Amy Smart, recordable por The Butterfly Effect), quien para colmo, ha sido no sólo su confidente, sino mejor amiga de toda la vida. ¡Tómela! No sólo es inconcebiblemente bateado, sino expuesto de manera humillante ante casi todo el colegio por sus "insulsas" intenciones. Repito: ¿a quién no le ha pasado?
La vida y el tiempo se convierten en los mejores vengadores, así que una década más tarde, cuando Chris no sólo ha bajado de talla sino que se ha convertido en todo un galán prominente de la industria discográfica, una piedra en su camino (una seudo cantautora a su cargo) lo llevará de regreso a New Jersey para, adivine usted qué... reencontrarse con su viejo e idílico amor. ¿Parece gratuito el reencuentro? ¡Aquí las artimañas del director para llenar dos horas de película!
Llega a mi mente aquella viva imagen de uno de mis mejores excompañeros de trabajo (siento por usar la experiencia, mi querido Chava Mann), hombros caídos por su más reciente bateo, donde aclaraba que lo habían catalogado no sólo como "mejor amigo", sino como "hermano mayor". ¡Strike! Vaya, la frustración y coraje que se siente cuando ese alguien especial, esa chica next-door decide bloquear sus sentimientos (sea en defensa propia, porque de plano sus ojos ya son cubiertos por alguien más o simplemente por miedo a perder la amistad) y continuar sin mayor compromiso, a muchos nos ha llevado a la desolación.
Y en Sólo amigos hay buena parte de ello, pero claro está, para aderezarla y hacerla más chistosita no podía faltar un obligado clip musical (menos mal que lo dejaron al final) que más bien parece versión masculina del memorable solo de Bridget Jones (Maguire, 01), una trepidante secuencia donde se llevan entre las patas al protagonista en casa de y frente a su platónico (muy en el estilo de lo visto en Meet the Parents, Roach, 00), todo envuelto en la magia propia de la cercanía con la Navidad (la nieve y las temperaturas de menos 50 grados Celsius son reales, pero no en NJ, sino en Saskatchewan).
Se me ocurre en este momento que para hacer un argumento más perverso, para la próxima alguien podría ofrecer el otro punto de vista: el del maldito (a) que juega con los sentimientos del otro y se la pasa toreando gente, lo mismo dándoles entrada que bateando cualquier intento de relación. ¿Funcionaría?
Bla, no me hagan mucho caso. Mi mente está ocupada por ahora tratando de encontrar la explicación científico-positiva que orilla a los reencuentros. Y de paso en saber si el tiempo es un paliativo para los errores del pasado. Diviértanse más que yo si deciden ver la cinta.

Cinexcusas vs Cinexcusas ©

2006-04-13T14:05:00.000-07:00

No quito el dedo del renglón. Los colados sí. © Cinexcusas Press Photo.
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Estimados lectores, comunidad cinéfila que ronda por este espacio. Antes que nada, ofrezco una disculpa por mi abrupta salida. De este blog no esperen jamás un sitio sobre chismes de la farándula ni mucho menos sobre la vida del autor. Para ello hay miles más lo mismo exitosos que banales. Sé que no están para saberlo, probablemente ni debería hacerlo público, pero hace aproximadamente dos meses encaré el dilema de continuar publicando en este mini sitio que no tiene fines de lucro y por el contrario, trata de enriquecer los contenidos que sobre cine circulan en la red. Paralelo a mi nuevo trabajo (gracias, el desempleo en este país va de mal en peor) que ha requerido de emprender e invertir todas las ganas del mundo para salir adelante en Casa Naranja, empresa de la cual soy un orgullo socio, poco tiempo he tenido para continuar contribuyendo en contenidos. Mis charolas de prensa siguen activas, pero cada vez con menos tiempo para seguir ejerciendo. A pesar de los pesares, mi hoja dentro del interuniversitario Libertas, sigue constante, cada vez con más lágrimas y sudor para sacarla adelante. Hace un par de meses fui invitado, muy políticamente por Luis Tovar, a declinar el nombre de este blog, Cinexcusas, debido a que él había sido el creador original del nombre, del concepto, para una columna de cine, en conocido rotativo nacional. Argumentando que por escribir en ese diario, cuyos contenidos, todos, están amparados por Copyright y que su Cinexcusas había nacido hace ya seis años (siendo que este blog nació, como un proyecto académico, en octubre de 2004), no había manera de "compartir" el nombre, aún cuando éste, tuviera salida virtual. Si ya antes había generado tal desilusión en torno a los medios de comunicación y en cinexcusas.blogspot.com había encontrado la manera de hacerme valer, mediante mi propio espacio, esos correos vinieron a darle al traste con esta publicación. ¿Estaba por encarar, nuevamente, a un monstruo de disparadas dimensiones como para salir derrotado? Durante mucho tiempo le di vueltas al asunto, respondí, dejé pasar, decliné, continué. Al día de hoy, quien genere una búsqueda de este nombre en cualquier motor (Google, Yahoo!, el que gusten), los resultados arrojarán, contra todo pronóstico y pésele a quien le pese, este espacio.
La confianza de las distribuidoras con quienes tengo relación no ha cedido, todo lo contrario. Agradezco sus correos preguntando "¿qué pasa?". Hasta ahora contesto. Eso fue lo que sucedió a finales de enero de 2006 y hoy lo expongo aquí, por fin.
Y respondo hoy, a horas de una fecha importante para mi, de celebración, de gusto por la vida, de reconocer que no hay barreras ni limitantes para salir adelante. Respondo para decir que aquí sigo, que nada ha pasado y que aguantaré hasta el último momento. Quienes me conocen saben que declino en las peleas, más no en las batallas y menos cuando de ideas se trata. Recupero mi gusto y pasión por escribir. Se encuentra fortalecida al igual que muchos, muchísimos aspectos de mi vida.
Agradezco su confianza y reitero mi compromiso de continuar publicando. Hasta que el copyright me lo permita. ¡Y qué diablos! Como si no hubiera manera de seguir haciéndolo.
Salu2, felices vacaciones.

Cuba libre o aprenda cine echando a perder

2006-02-14T12:32:00.000-08:00

"Che" Keitel. Ser un amigo así, o tener un amigo así, para fondear tu ópera prima. © Arza-Gerard 2 films
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Tal parece que la realidad está alcanzando a la ficción que vemos en el cine, en cartelera. No hace mucho comentaba en este espacio la cinta de Tommy Lee Jones sobre la infame política migratoria en el sur de Estados Unidos cuando un caso verídico más, robaba las primeras planas de diarios y noticiarios. Ahora, con el escandalazo del mentado (añejo) hotel Sheraton en la capital de este país, ronda una pequeña película (si no es que ya la echaron como a los cubanos del citado búnker) que habla sobre la cuba cincuentera, oscura y reprimida. Aquí algo de lo que envié a mi entrega mensual para Libertas febrero.
La enseñanza que deja el director cubano Juan Gerard, no podría ser más clara. Cualquier persona, con suficiente garra y los contactos necesarios como para financiar unos tres millones de dólares, puede hacer cine. ¿Quién se apunta?
De oficio arquitecto, cinéfilo hasta el tuétano, a Gerard le pareció ocurrente llevar a la pantalla aquel momento histórico en su infancia, teniendo además como contexto la caída del régimen de Batista en Cuba y la posterior entrada de Fidel Castro. Es 1958 y los rebeldes se encargaron de apagar durante un año una Cuba hechiza, filmada en Santo Domingo. Pero eso no es lo que importa.
En Cuba Libre (Dreaming of Julia, es el título original), vemos a un chamaco influido por el cine que se exhibe a cuentagotas y rodeado de una jacarandosa familia: “Che” (Harvey Keitel) es el abuelo todopoderoso, dueño de un gran casino, a quien todo mundo recurre por su gran sabiduría y consejo. Beta, la abuela, el “amor de su vida” (Diana Bracho) se dedicó abnegadamente al hogar y a velar por el bienestar de sus hijas. El resto de la familia es un colorido caldo de cultivo con muchísimas personalidades y rasgos que apenas y alcanzan a conocerse en dos horas de historia (imagine usted, 14 personales diferentes yendo y viniendo, haciendo y deshaciendo).
¿Qué hay entonces de atractivo en la cinta de alguien que nos quiere compartir su vida? No se vaya con la finta. Estamos frente a una cinta de latinos, maniatada en cuanto a lana (en una gran parte) e idioma se refiere, por los estadunidenses. No es Gael García Bernal, cuya imagen se encargaron de usar para promocionar la cinta, pues apenas y tiene un mini rol dentro de todo el multicultural reparto (y de hecho, no es “la” actuación de su vida). No es tampoco el montaje de tantos monigotes tratando de exponerse a cuadro, incluidos los lugares comunes como la voluptuosa vecina (lidiando con las mojigatas mentes conservadoras); el indigente omnipresente que sale a cuadro en cada acontecimiento importante como si fuera refresco de cola; el hijo genio de apariencia bastarda y… la gringa del pueblo, ex productora hollywoodense (¿acaso el wannabe proyectado del director?) y que, como bruja del cuento, se la pasa recluida en su mansión. ¡Descubra usted mismo la manzana de la discordia!
Según Gerard, la gran mayoría de las situaciones (por muy inverosímiles que parezcan, aclaro), realmente le ocurrieron en su infancia, al grado tal que, como muchos otros, el final se convierte en otro lugar común, pues en la isla no había progreso sin brincar a Miami (vía Venezuela, p´al caso). ¿Estamos frente a una infancia de ensueño, aderezada de modo lacrimógeno para vender un poco? Juzgue usted el resultado. Y si aún tiene dudas de convertirse en el siguiente director latino pródigo, agarre la Hi8 y póngase a grabar. Editar es una cosa de chiste con las computadoras caseras actuales. Chance y su película se animen a exhibirla como Cuba Libre. Con más suerte y consigue grabar a Gael más de los 5 minutos que Gerard logró.

September joke

2006-01-24T02:56:00.000-08:00

A ver, sonrían para la foto. Como que parezca de a de veras... © Palisades Pictures
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Anticipo una disculpa por si lo siguiente pudiera parecer el peor de los chistes.
¿Qué es lo más absurdo que podría haber hecho un neoyorkino después del 9/11, con tal de "cobrar" venganza? Piénsese en el ciudadano promedio, totalmente cosmopolita, urbano, cuya vida cambió radicalmente cuando las torres gemelas se vinieron abajo. Por un momento olvide las imágenes de Michael Moore ridiculizando a George Bush desde su Fahrenheit 9/11 (por cierto, ya viene el 9/11 1/2, para el 2007). ¿Qué habría hecho usted, si fuera el caso?
A cuadro aparece un "x" que dice llamarse Don Carlson (George Calil) y se autodesigna cineasta. A seis meses del 9/11 se encuentra en el aeropuerto junto con un asistente, siempre cámara en mano, a punto de partir a Afganistán, con la loca idea no sólo de filmar lo que está pasando allá, donde la guerra (yo no la dejo de llamar invasión) cobra vidas y los noticiarios no se atreven a entrar. En ese lejano oriente donde, efectivamente, hay un conflicto armado de por medio, pero la naturaleza bélica de la región sorprende cuando aparecen las armas por cielo y tierra, tan fáciles de conseguir. Tan sencillas de usar.
Así empieza Septiembre Negro (September Tapes), cinta de Christian Johnston, que bien puede ser catalogada como un falso documental o mockumentary, sin caer necesariamente en la parodia o la farsa. A su llegada, apoyados por Wali Razaqi (único productor/actor afgano-estadounidense de habla farsi que trabaja en Hollywood), se dan a la tarea de retratar todo cuanto ocurre. Peor aún, la locura en pleno llega cuando es el deseo del director, "perseguir" a quienes desean ultimar a Osama Bin Laden, cuando en tierra de talibanes, todo aquel que tenga facha de americano es, literal, carne de cañón. Y es entonces cuando este falso documental, que prometía una mejor premisa, se viene parcialmente abajo.
Que un solo gringo -loco, loquísimo- sea capaz de meterse a la boca del lobo, cámara en mano, ser encarcelado por ponerse al brinco en los retenes militares (y salir bien librado), se atreva a caminar por las oscuras y solitarias calles durante el toque de queda; que su entrenamiento militar le proporcione habilidades para manejar las estupendas AK 47 y rifársela acribillando a algunos barbudos... todo, absolutamente todo encuadrado sin los menores rasguños, es de rayar en el absurdo. Que éste fulano Carlson se embravezca a la mera hora y quiera hacerse compadre de los que van a la caza de Bin Laden (de la Alianza del Norte), uniéndoseles en lo inhóspito del desierto, y esté a punto de lograrlo, es un peor chiste.
Pero cuál es la valía de las "cintas" de septiembre (porque las hay, son varias y así se narra la película)? Sí, el haberse arriesgado como cineastas estadunidenses cuando la recompensa estaba por colgar sus cabezas de un hilo. Sí, retratar un lado humano-bélico del territorio que se encontraba en los ojos del mundo (Kabul es la locación). Mejor: volver a poner en tela de juicio lo insulso que resultó la invasión (que yo sepa, al día de hoy Bin Laden y Al Qaeda siguen atemorizando a sus antiguos patrones).
Cintas del estilo me hacen recordar cuando muchos nos tragamos aquella piñota titulada The Blair Witch Project (Myrick & Sanchez, 99), donde también aparecen a la luz pública, cintas inéditas de acontecimientos inverosímiles, tiempito después de ocurridas las desgracias.
No es por aguar la fiesta, pero mucho ojo, hay que tener un poco de criterio para saber enfrentar este espectáculo, que en ratos entretiene, en otros se muestra verdaderamente crudo y sádico (hay gente de verdad muriendo a balazos y misilazos). Pero cuando el director confiesa las razones del por qué estuvo ahí, y dejó todo por ir, el final puede convertirse tan emotivo como cursi.

Entre chaquetas te veas

2006-01-12T11:56:00.000-08:00

Para elegir entre el Adrien Brody de cartelera en Regresiones, o el de King Kong. © Mandalay Pictures

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Durante la operación Tormenta del Desierto (1991), el sargento Jack Starks (Adrien Brody) pudo presumir haber muerto y regresado a la vida, tras recibir un disparo en la cabeza de parte de un aparentemente inocente escuincle. Ya que hablamos de múltiples entierros, Starks se salvó de uno, pero sobrevivir le costará padecer de amnesia temporal y que, para su mala suerte, sea acusado de asesinato y recluido en Alpine Grove, institución que atiende –y experimenta- con enfermos mentales. De eso trata Regresiones (The Jacket), cinta de John Maybury ya en cartelera.
Hasta ese punto, la historia ocurre sin mayor sorpresa. Pero es cuando aparece entonces un seudo médico deschavetado, el Dr. Becker (Kris Kristofferson) quien decide emplear al nuevo inquilino como ratón de laboratorio para su nuevo método de sanación: doparlo al extremo, enchaquetarlo (de ahí el título original) y encerrarlo por horas en las planchas de la morgue. ¡Vaya escenas de claustrofobia! Es entonces cuando por acto de magia –y de los barbitúricos administrados-, Starks no sólo ve su suerte y empieza a recordar todo aquello que parece haber olvidado: es capaz de ver hasta su futuro y ¡transportarse a él! Por lo que sacará ventaja para sobrevivir, a sabiendas que va a morir.
Si la resolución y tremendos viajezotes suenan como al título de esta reseña, el espectador promedio optará por ver mejor al mismo Brody, pero en el remake de King Kong. Quienes decidan quedarse, encontrarán a una oscura Kiera Knightley acompañando al protagonista, tras reconocer haber dejado los papeles de niña inglesa “bonita y engreída” (¿quién la manda?) de sus películas anteriores (Jugando con el destino, Piratas del Caribe) para adentrarse en un intrigante personaje, que explota sus habilidades camaleónicas.
Para el público sabedor, esta extraña mezcla de contenidos ha sido antes vista en fórmulas como la de El efecto mariposa (Bress y Gruber, 04 donde se explota este tema de las realidades y mundos paralelos, a partir de mínimos cambios en la entropía universal -¡he dicho!-) y Amnesia (Nolan, 00), donde el personaje central posee sólo memoria de corto plazo.
Con Regresiones, cada vez es más evidente la influencia que poseen ciertas figuras de peso completo en las temáticas salidas de la maquinaria hollywoodense. Tan sólo basta mencionar que detrás de la producción se encuentran las mentes de George Clooney (próximo a mostrar sus dotes como director en Good night, good luck) así como su compadre Steven Soderbergh (Erin Brokovich), que colaboran para la compañía Section Eight, perteneciente a la major Warner Bros. Ni más ni menos

En lo que regresan los mutantes

2006-01-05T04:09:00.000-08:00

Las alas de la vida. De lo mejor en el 2005. Ni p´a qué poner a la pareja cursilona Cruise-Holmes como el churro del mismo periodo. © Memfis Film Right AB
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Con más gloria que pena, finalizó mi 2005. Un año de verdadero aprendizaje, de encarar las adversidades como venían y de pujarle duro para salir adelante y demostrar que sí se puede. Antes de un obligadísimo receso decembrino en el que valoré aún más a mi familia, tal como lo dijera en el post pasado, tuve a bien meterme a disfrutar de mi última cinta del 2005. Quienes me conocen, saben que no es novedad que haya dejado de acudir tanto al cine. Y así fue, aún alcancé a ver-imagínense cuán tarde!- El cadaver de la novia (Burton, 05), espléndida animación que no doy cómo le hicieron y que con todo y que la doblaron al español, me sorprendió. Y así de rápido voló el 2005. Hace un año y tres meses que inicié esta aventura, no hacía otra cosa sino acumular mis boletitos del cine y después contabilizarlos para resumir la "gran" cantidad de películas que me reventé. A mediados del 2005, cuando mi bolsillo se mermó y encontré mi feliz ocupación, no hubo ya tiempo para el cine. Al menos no tanto como antes, pues no dejé de ir a las funciones de prensa donde me encuentro -felizmente, también-, acreditado. Con tal de no abandonar mis numeralias no podré no contar las películas que ví, las cuales, si bien me fue, apenas habrán rebasado las 100 proyecciones en 365 días. Lo mejor de todo, un 80% de las mismas seguro fueron funciones de prensa. Ya les daré el dato cuando recuerde cuándo/dónde/película/con quien fui a todas esas premieres. Gracias a quienes me conocen y acreditan mis tarugadas experimentales arrojadas en comentarios en este blog (Marcel Gaitán de 20th Century Fox; Mariana Padilla, de la Cineteca Nacional; Carlos Jiménez, de Videocine) y en Libertas, el periódico interuniversitario de México, que es su edición impresa mensual, sigue apartándome una hoja a color para otro tanto de burradas.
Y con tal de no dejar un pequeño comentario-resumen de la inmensa actividad cinematográfica del 2005, y a partir de una pregunta que me hicieron algunos primos a la luz de la no-luna en las playas de Oaxaca hace unos días, no me queda otra más que confirmar que, para mi, la mejor película del año fue, sin duda, Las tortugas pueden volar (Ghobadi, 04). Y la peor, en términos de lo que se esperaba y de la enorme producción que le invirtieron: La guerra de los mundos (Spielberg, 05). Ello, sin acotar la insulsa publicidad del amorío entre Tom Cruise y la protagonista -secundona- de otra mugre acomodada narrativamente a conveniencia mercadológica: Katie Holmes en Batman Begins (Nolan, 05). Bueno, ahora que lo recuerdo, mi segunda película favorita del año, también se dejó ver durante la XLV Muestra de la Cineteca Nacional: Las alas de la vida, del sueco Lukas Moodysson, y que llegó a nuestro país tres años después de realizada. La desolación, diría yo, fue el eje tematico de muchas películas que vimos en el año que recién concluyó.
Y bueno, en lo que regresan los mutantes, los hijos del átomo a la pantalla (X3, con Brett Ratner en la dirección, relevando a Bryan Singer, quien optó por irse a la comiquera del patio trasero y revivir a Superman), también muero ya por ver Memorias de una geisha, del mismísimo Rob Marshall que me incrustó en la memoria visual y auditiva el espléndido montaje de Chicago (02) en adaptación cinematográfica. Y lo que esté por venir, más lo que se acumule, aquí encontrará un espacio para el comentario. Si no el más atinado, totalmente desenfadado. Por lo menos en lo que consigo irme a Nueva York y presiono al Erico para que su ópera prima sea Ghostbusters III. Luego les adelanto lo que llevamos del guión.

Feliz y muy cinéfilo 2006.

Meet the Family Stone

2005-12-26T01:09:00.000-08:00

A esto sí se le puede llamar embarrassment. © Michael London Productions
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Diciembre se presta para una gran variedad de películas de temporada, aquellas donde se explota a la Navidad de manera mágina, cursilona, trágica o cómica. Vaya, hace apenas 365 días andaba estrenando este espacio a la vez que reseñaba The Polar Express (Zemeckis, 04), con la magia propia de la víspera navideña.
En este caso, no esperaba mucho de La joya de la familia (cuyo título en inglés, después de haber conocido a gente como los Fockers, dice muchísimo más: The Family Stone), segundo largometraje de Thomas Bezucha. Terminé riendo a carcajada limpia y lo reconozco, también logró conmoverme en sus calculadas secuencias lacrimógenas.
En la víspera de Navidad, como es lugar común en todos lados y más en los guiones de temporada, la familia Stone del título reúne a sus hijos pródigos: la madre casera, el incomprendido artista que se dedica a fumar hierba, el sordomudo gay con su inseparable pareja (de color, chale), la rebelde en plena flor de su juventud y, en el centro de los reflectores, el candidato a alcalde. Acompañado de su mojigata-egocéntrica (sensacional) candidata a señora Stone, Meredith (Sarah Jessica “desperate” Parker). Como jauría, los Stone, comandados por Sybil, la mamá de los pollitos (Diane Keaton) se le van a la yugular a la chocosa nueva aspirante, de quien le saben sus mañas y pronto se da a conocer por meter la pata con sus desafortunados comentarios y críticas sobre la mesa.
Recurriendo a su odioso carraspeo para afinar la voz y a su hermana menor (Claire Danes), los propósitos y regalos de Navidad no serán lo que el espectador predice en el inicio.
Si bien el director conduce la cinta por la comedia y el drama romántico, no cabe duda que también expone y recuerda la importancia de celebrar la Navidad en familia. Para muchos éste es el momento de gastar y despilfarrar. Para otros, el de la reflexión y la soledad. Pero la base y probablemente el valor del cual se agarra la propia industria en este momento del año es, ante todo el atesoramiento de la vida y de la familia. Y ojalá así se lea el mensaje, mientras los Stone se encargan de divertirnos en pantalla.
Por cierto, este es el momento idóneo para desear feliz Navidad y un mejor 2006 para todos los y las lectores (as) de Cinexcusas.

El umbral entre mundos paralelos

2005-12-11T13:47:00.000-08:00

Me llamo Henry y no sólo veo gente muerta: me voy a suicidar en cuatro días. © Epsilon Motion Pictures
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En pleno puente de Brooklyn ocurre un fatal accidente automovilístico. La cámara transita del rin al asfalto donde yace Henry Letham (Ryan Gosling), atónito testigo de la tragedia. Al consultorio del desaliñado -y zancón de sus pantalones- psiquiatra Sam Foster (Ewan McGregor) llega este insolente estudiante de artes, quien a punto de cumplir 21 años de edad le declara que, tal como lo hiciera Tristan Rêveur, su artista favorito, se suicidará apenas llegue su aniversario, que es el próximo fin de semana. Si antes Foster logró salvar a su novia Lila (Naomi Watts) de atentar nuevamente contra su vida (ya antes se había tasajeado las venas), ahora tiene sólo cuatro días para rescatar a Henry.
La premisa de El Umbral (Stay), cinta del alemán Marc Foster, se antoja para un thriller enmedio de Manhattan. Pero cuando el espectador descubra personajes urbanos vestidos de la misma manera caminando en parejas por las calles, escenas y diálogos que se repiten una y otra vez, escaleras que suben y bajan al grado de no terminar ni llevar a algún lado y encuentre que, todo lo que pronostica Henry se cumple como profecía, la duda entra entonces. ¿Qué carambas es real y qué no?
Foster, quien con Finding Neverland (04) nos transportó a la imaginería de J. M. Barrie, esta vez se encarga de confundir y jugar con esa delgada línea que divide a la realidad de lo etéreo. De los mundos y universos paralelos. De los vivos y de los muertos. Imposible no caer ni dejarse atrapar por esta vertiginosa historia cíclica, donde nada es lo que parece y la solución es apenas el inicio de todo.
Notable juego entre realidades, admirable edición de secuencias repetitivas y mejor estética oscura, sombría, donde los roles no podían caer en mejores jóvenes actores contemporáneos.

¿Y qué si...? La clonación en el humano

2005-11-26T14:36:00.000-08:00

¡Hija de su pintita... madre! © Europacorp

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Quién que se ha atrevido a imaginar el resultado del producto de la clonación de un ser humano, ya puede encontrar la respuesta. Por lo menos en la imaginería cinematográfica de Aruna Villiers, directora francesa que con su ópera prima El Clon (A ton image), ofrece su punto de vista inspirado en la obra literaria homónima de Louise L. Lambrichs, quien en 1998, cuando su lanzamiento, estaba considerada aún como ciencia ficción.

A punto de finalizar el 2005, con el anuncio de haber concluido exitosamente la clonación de Snuppy, un perro de caza afgano (que se suma al de Dolly, aquel famoso borrego y el primer gato clonado con fines comerciales, a cargo de Genetic Savings and Clone Incorporated), la cinta de Villiers no es nada esperanzadora.
Si la premisa de la clonación es hacer una copia fiel a un original ¿cuáles son las implicaciones en el caso del ser humano? ¿Hasta dónde el clon posee los mismos sentimientos, gustos, preferencias y memoria de su progenitor?
El romance entre la oscura-aventurera Matilde (Natassja Kinski) y el prestigiado doctor Thomas (Christopher Lambert), nace a partir de la mera casualidad y torna rápido en el reencuentro afectivo que ambos necesitan. Sobre todo para ella, cuya anterior relación devino en divorcio y la fatídica muerte de su vástago. Ya bastante crecidita, Matilde no puede superar el trauma de procrear más familia, pero es aquí donde Thomas se valdrá de sus contactos (y un mentor tipo Dr. Evil) para lograr lo increíble: convertirla nuevamente en madre pero escondiendo el método de procreación: la clonación.
A la escritora, el acto de clonar le merece la calificación de "criminal", dado que realizar esta tarea en un ser humano representa una forma de experimentación consigo mismo. No pretendo armar aquí un debate que raya en lo moral-científico, pero si la clonación pudiese representar una mejor esperanza de vida, sus fines serían positivos. P´al caso, la cineasta se encarga de hacer más terrorífica la exposición del "¿qué pasaría si...?"
Hermosa y cada vez más maligna conforme pasa el tiempo, Manon (la hermosa Audrey de Wilder), hija-producto de la pareja en cuestión, saca toda la fuerza reprimida de su madre y torna aún más oscura. Es de las que no se anda con rodeos y tira a matar, si es necesario. Sí, Matilde prácticamente volvió a nacer, pero con un odio criminal hacia la vida y sus orígenes mismos, que no puede encarar un final más atroz (aquí es cuando pienso que la cinta se debió llamar "El pozo"). ¿Copia al carbón? Más bien, una nueva versión del original superada, tanto en fortaleza como en coraje. Que el espectador descubra cuánto más.
Si esta libre interpretación de la clonación en el ser humano es casi nada alentadora, qué bueno que se trata nada más de una apuesta cinematográfica. ¿Quién sí tiene la capacidad suficiente para explicar las consecuencias que ello traería? ¿Debemos esperar a que el tiempo pase y al tecnología nos rebase para constatarlo con ojos propios?

XLVI Muestra. Los tres entierros de Melquiades Estrada

2005-11-24T00:10:00.000-08:00

Acidito road movie con injusticia, sin pudor y con mucho humor negro. © Europacorp.
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En su momento, cuando Amores Perros (González Iñárritu, 2000) competía por el Oscar a la mejor película extranjera, Guillermo Arriaga me escupía, impávido, frente a sus alumnos de "producción cinematográfica" en un salón de clases del Tec de Monterrey, que no le importaba si ganaba o no la presea que otorga la academia americana.
"¿Para qué?" -insistía, cuando ya se había ganado con la misma película en el Japón de Kurosawa, el Canadá de Cronenberg y en la Francia de Godard y cuna de muchos otros maestros del cine mundial. El Oscar, por tanto, era un reconocimiento más. Pero no el más importante.
Saberlo ganador nuevamente en el país galo, durante el pasado Festival de Cine de Cannes por el guión de Los tres entierros de Melquiades Estrada, cinta que abre la XLVI Muestra Internacional de Cine, seguro no lo tomó por sorpresa. Con él, van apenas tres mexicanos que se alzan con la Palma de Oro en este certamen (los otros dos, el Indio Fernández y Carlos Carrera),
Pero a este cinéfilo le causó intriga conocer por qué demonios un mismo personaje tendría tres tristes entierros. De antemano, sabía que su mancuerna con Tommy Lee Jones iba más allá de que el texano le pidiera un guión para dirigir y actuar su ópera prima (aunque ya en 1995 dirigió The good old boys, pero para television). El mundo entero los vio alzarse con premios a mejor actor y mejor guión. ¿Por qué habríamos de esperar entonces hasta diciembre el estreno comercial de la siguiente obra entripada de Arriaga?
Basada en uno de los incontables casos verídicos de mexicanos caídos en frontera por injusticias de la patrulla fronteriza, la de Melquiades Estrada es, sí, una cinta que evidencia lazos fraternales entre dos poderosos personajes de industrias cinematográficas vecinas. Pero es también un grito a los oídos sordos del país vecino, cuya economía tiene a bien moverse con el trabajo y sudor de tantos connacionales que cruzan allende en busca del sueño de vida.
¿Qué puede esperar el espectador promedio de la cinta? Rendición de cuentas. Justicia por mano propia. Muchísimo humor negro voluntario. ¿Qué puede encontrar el cinéfilo seguidor de Arriaga?
1. Recurrencia a la pareja disfuncional. Ella rubia. Él... un machín de clóset. De la modelo de product shot para espectacular (Goya Toledo, en Amores Perros), a la madre desahuciada encarnada por Naomi Watts en 21 Gramos. Toca el turno a Lou Ann (January Jones), abnegada esposa del malencarado-nuevo-en-el-barrio Mike Norton (Barry Pepper, espléndido), oficial de la patrulla fronteriza cuya vida y oficio es tirar a matar a lo que se mueva. Mejor si se trata de los fockin´ brownies. Y fornicar cuando le plazca (ojo a la secuencia donde la realidad transita entre un programa de televisión y la vida conyugal en el trailer park) o usar su justiciera mano con revista XXX a bordo en horas hábiles. Más imperfecta la vida de ambos no puede ser. Ojo también a la sutileza con la que Lou Ann permea en su aburrida vida, a la prostitución como forma de eliminar el aburrimiento.
2. División del guión en tres o más actos/episodios. Fiel a sus orígenes, el guionista no podía no dividir su siguiente trabajo en partes iguales. En el intermedio, el espectador tendrá una suerte de road movie en el mero ambiente western. Valiendo de esa fuerte presencia que posee Tommy Lee Jones, se trepará al caballo como Pete Perkins, un ranchero texano cuya afinidad hacia los mexicanos (y la habilidad para hablarles en español: "you are bueno?") concibió su amistad con el Melquiades del título (Julio Cedillo) como algo inquebrantable. Y es de ahí donde echará mano para, no vengar su desafortunado homicidio, sino hacer pagar al culpable, un respetable sepelio.
3. Pasión por los animales. Sean el "cofi" una mascota de vecindad (y eventual rottweiler de peleas clandestinas) o los venados como un deporte cuando se trata de salir a cazarlos, Arriaga nos tiene acostumbrados a ver el sufrimiento de los animales -y del ser humano-, a destriparlos, escupirle sangre a la cámara y movernos esa fibra sensible cuando lo atestiguamos. P´a su suerte, Lee Jones comparte gusto por la cacería, entonces trabajar y convivir juntos se volvió un momento de compadres.
Seguro que el gran talento de este escritor mexicano dará muchas cosas de qué hablar en lo sucesivo, sea por iniciativa propia de historias que le ha tocado ver y que le pueden pasar a cualquiera (ese es el secreto, creo yo, del éxito en estos momentos hablando del cine mexicano) o mediante el trabajo mancuerna con personajes igual de talentosos, como ha sido hasta ahora.
Bien hecho maestro Arriaga. Gracias por poner de nuevo en alto el talento de los escritores de nuestro país y por encarar sin tapujos ni mordazas temas tan agudos como el de la migración al norte. Aún cuando te cueste un año parir el próximo guión, ya nos dejas con la inquietud de cuántas tripas en él invertirás.

La Muestra cinematográfica que dejará huella

2005-11-17T21:55:00.000-08:00

Da gusto ver que la cuasi industria mexicana dio para incluir cuatro largometrajes en el platillo fílmico del otoño. © Cineteca Nacional

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Para los cinéfilos capitalinos y cada vez más los del interior de la república, la llegada del otoño, y específicamente de este mes, es decisiva. Consolidada como un espacio que ha dejado huella en la cultura de nuestro país y que dos veces al año ofrece la cartelera alternativa para ofertar visiones de todas partes del mundo, la Muestra Internacional de la Cineteca, en su edición XLVI, tiene como premisa mostrar al espectador un “cine que deja huella”.
Si la pasada edición de primavera trajo un selectísimo grupo de películas y directores que dejaron en todos un grato sabor de boca, su sucesora está abanderada por la cada vez más creciente producción cinematográfica nacional. Magdalena Acosta, directora del recinto anfitrión en Coyoacán, asegura que tan sólo en este año se han apoyado un total de 46 proyectos de largometraje, cifras que ya pueden compararse con la producción de países como Brasil y Argentina en nuestro continente, pero distantes aún con las majors del país vecino.
Del modo que sea, con apoyos oficiales, sin ellos, a la aventura o en la búsqueda de nuevos formatos tecnológicos y de fórmulas narrativas, esta muestra tendrá la nada mala presencia de cuatro películas mexicanas, y evidenciará el creciente papel que los creadores y artistas nacionales tienen en co producciones alrededor del globo, aún cuando sus nombres no se encuentren estampados detrás de la silla del director.
Para abrir boca, Los tres entierros de Melquíades Estrada, premiadísima cinta de Tommy Lee Jones en mancuerna con el mexicano-maestro del guión Guillermo Arriaga, será el título premiere de las marquesinas. Reconocida en el pasado festival de Cannes, es un ejemplo de la brillantez del talento nacional puesta en marcha con apoyo del socio comercial más grande, en un claro ejemplo que los crews no deben estar necesariamente peleados.
Le siguen, en orden no menos descendente, Las vueltas del citrillo, de Felipe Cazals, todo un consagrado de nuestro cine, quien dice emplear a la misma gente de Canoa, Las Poquianchis o Los motivos de luz en una historia cuya locación es ahora una pulquería, como un centro social en la metrópoli más grande del mundo. Quién más si no Arturo Ripstein como otro emblema del cine mexicano. Esta vez, con La Virgen de la Lujuria, usa una cafetería de los años 40 como el espacio claustrofóbico donde un mesero y una prostituta encarnarán memorable relación sadomasoquista.
Las nuevas generaciones de cineastas como Ricardo Benet también tendrán voz en esta Muestra. Noticias Lejanas, reconocida con el Mayahuel al mejor director y fotografía en el pasado Festival de de cine en Guadalajara, es un claro ejemplo de la pujante actividad que los cineastas universitarios (en este caso, egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica) ejercen, al emplear personajes e historias salidas de nuestra propia realidad: la marginación familiar que obliga a buscar en la capital el modo de salir adelante a pesar de los choques generacionales.
Radicado en Francia más no por ello lejano a problemáticas de nuestro continente, como es el caso del narcotráfico, Rosario Tijeras, de Emilio Maillé, recurre al tema del sicarismo (ya antes abordado por directores como Barbet Schroeder) pero focalizado en una mujer (la del título) y ubicado en la década de los ochenta, en Medellín. Basada en la novela Marcelo Figueras de Jorge Franco, el director opta por dar un tratamiento documental en momentos específicos de la trama, proporcionando aún más realismo a la ficción.
La selección mexicana remata con Mezcal, del profundamente oaxaqueño Nacho Ortiz, en una libre adaptación de la novela Bajo el volcán, de Malcolm Lowry. A cuatro años de sus Cuentos de hadas para dormir cocodrilos, Ortiz regresa para no hablar del alcoholismo en celuloide: “simplemente el mezcal para cuando duele el alma”.
El resto de los 18 largometrajes participantes, provenientes principalmente de Europa, destacan títulos como 5x2 de Francois Ozon, la claustrofóbica Control del estadunidense radicado en Hungría Nimród Antal; Gente de Roma, de Ettore Scola; Querida Wendy, de Thomas Vintenberg bajo un guion del dogmatico Lars Von Trier y Buenos Aires 100km, de Pablo José Meza.
En su circuito metropolitano hasta mediados de diciembre, y en la red nacional que comprende 21 salas en el interior de la república hasta marzo de 2006, la Muestra se erige como la selección más viva y renovada que nos permite a muchos, acceder a los productos y visiones más recientes de la filmografía global.

La cuñada y el hermano incómodo

2005-11-11T02:44:00.000-08:00

Del cine latinoamericano, para todo el mundo. © The Stan Jakubowicz Co.
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Son ya 10 años del matrimonio entre Zoe (Bárbara Mori), hermosa señora mal tupida e infértil, e Ignacio (Christian Meier), arrogante pero impotente empresario cuya vida sexual ha decidido poner en marcha sólo una vez a la semana (los sábados). Esta es la historia que rápidamente hay que reconocer cuando inicia La mujer de mi hermano, cinta del reconocido videoasta Ricardo de Montreuil. No hace falta imaginar que ante esa monotonía, la eventual presencia de Gonzalo (Manolo Cardona), cuñado de Zoe y carnal incómodo de su señor cuya vida la lleva leve entre la pintura y las mujeres, proporcionará el desfogue que aquella necesita para darle vuelo a la hilacha, mientras disputa el respeto a la moral, a las buenas costumbres, a la religión misma pero sobre todo, a la fidelidad que debió obedecer ante las leyes del matrimonio. Ambos nunca fueron equis entre sí, y la delgada línea que los separaba ha sido quebrantada. Durante la rueda de prensa de esta cinta recuerdo una y otra vez la insistencia sobre los desnudos que la uruguaya nacionalizada mexicana tuvo que realizar para la cinta, cuyo talento y producción revela que en nuestro continente hay una fórmula vigente para llevar a cabo películas con temáticas regionales. Hay que reconocer que Bárbara Mori impone con su mera presencia, más aún cuando su rostro y cuerpo llena la pantalla. Pero para quienes aún tengan la comezón, mejor cómprense una Maxim u cualquier otra revista de cueros. La mujer de mi hermano es una estupenda adaptación de la novela del periodista Jaime Bayly. Ante la premisa inicial el espectador calcula las posibilidades de llevar a mal término las condiciones de sus personajes. Y puedo asegurar que lo hará erróneamente. Para estampar mayor dilema y salpicar con humor la “crisis”, Bayly participó además como guionista, incrustando dos personajes a la trama que no fueron desarrollados originalmente en la novela. Así, tenemos a Boris (Bruno Bichir), el amigo (gay) fiel de Zoe, quien no sólo la aconseja y orienta cuando decide enrutar su vida de libertina, sino le ofrecerá el punto de vista decisivo y los argumentos en contra, sobre su poco desarrollo en la cama. Del mismo modo, Bayly dio oportunidad a Beto Cuevas, vocalista de La Ley, de incursionar más en terreno cinematográfico, al anexarlo como el cura local que orienta y no peca, pero cómo incomoda. Hacia el final la cosa se pone de locos. Las resoluciones no resultan tan afortunadas como el cinéfilo promedio habrá apostado y la sorpresa es aún mayor. De Montreuil, con apenas 31 años y su productor Stan Jakubowicz,de apenas 27, dan la cara por el nuevo cine latinoamericano cuyas posibilidades van más allá cuando se piensa y trabaja con repartos, locaciones y financiamiento de toda la región. A una semana de su estreno la cinta recaudo poco más de 8 millones de pesos y fue vista por casi 200 mil espectadores, lo que habla no sólo de una publicidad sugerente y atractiva (sin duda, el poster con Bárbara Mori deja muchas cosas a la imaginación), sino de un creciente interés por buenas temáticas universales, mejor dirigidas y estupendamente interpretadas.

Don de Dios les come el mandado

2005-11-07T01:25:00.000-08:00

Si no aparecía Luis Felipe Tovar como perjudicial o maloso, ni chiste tendría una cinta como Don de Dios ©
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Meses antes de su estreno en cartelera, ya se sabía que la película Don de Dios se había "estrenado" en los puestos piratas de Tepito y anexas. Para ese entonces, quienes vimos el trailer, apenas nos enteramos de una próxima y arriesgada (como todas las nuestras) producción nacional que empleaba al barrio bravo como escenario natural de una historia no muy clara (insisto, con tan sólo ver los avances).
Así, un par de días antes de la función de prensa, llegó a mis manos una copia apócrifa de la cinta dirigida por Fermín Gómez, misma que me negué a ver (y al día de hoy, confieso no haberlo hecho) con tal de esperar una mejor sorpresa en celuloide. Todo lo contrario.
Antes de comentar un poco sobre los enormes clichés en los que Don de Dios incurre, hay que contar la que, a mi gusto, se prestaba para un mejor guión cinematográfico.
Érase una vez la sección 49 del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (S.T.I.C.). Preocupada por ofertarle un mejor beneficio a sus agremiados a punto de pensionarse, decidieron echar a volar la imaginación y producir una lluvia de ideas para llevarlas a la realidad en cine, pus a eso justamente se dedican.
La idea no es nada mala: autofinanciar una producción (ni más ni menos que con la cantidad de ocho millones de pesos) y emplear las ganancias no sólo para el retorno de la lana invertida, sino para acrecentar el fondo de pensiones de los futuros jubilados. Lo que les vino mal es que : 1. En este país se puede tomar justicia por mano propia pero no hacer cine por ídem. Es decir: tanta lana que cuesta hacer una película, está cañón que alguien per se la financie y asuma el riesgo que implica (generalmente, hay que recurrir a los apoyitos del gobierno, vía Fidecine o anexas). 2. Si de por sí las cintas de manufactura nacional son las más menospreciadas no tanto por su calidad sino por las precarias condiciones de exhibición/promoción con las que se estrenan, pasa que: 3. Una película que usa a Tepito como telón de fondo, sin nada qué proponer y recurriendo una-y-otra-vez a los lugares comunes que lo califican como mugrero, nido de ratas, narcos y demás (eso cí, con el debido respeto que me merece a la gente chambeadora que se gana la vida quemando películas en VDC o "clones"), está condenada a encasillarse y morir en el intento.

¿En verdad era necesario contar con este seudonarrador emulación-chafa de "El Chivo"
salido de Amores Perros? ©

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Presentada por un seudo narrador que más bien parece copia chafa extraida de los Amores Perros de González Iñárritu, Don de Dios inicia con la tortuosa relación de dos brothers del barrio: "El diablo" (Luis Felipe Tovar, ¡faltaba más!) y "El Chepo" (Mauricio Islas), quienes ya están hartos de trabajar para el narco, bajo la batuta de Reyes (Tomás Gorós). El intento de rebelión deviene en el clásico tiro por la culata (los carnales son separados: uno va al bote y el otro regresa a la "normalidad" atendiendo su puesto de pantalones) y lo único que logra es acrecentar el odio por la gente que, sin ser del barrio explota a la gente que vive en él a la par que el deseo por convertirse en el nuevo cacique de la localidad.
Hasta ahí llegó el chiste. El resto de la cinta son balaceras a toma y daca, secuestros, revanchas y actos de venganza con familiares, corretizas por los callejones y tendajones con gente volteando a la cámara y exagerados recursos para dar movimiento a la cámara (que confiese aquel que no se mareó en la secuencia final donde los ex big brothers se encuentran).
Estimado lector. Si usted fue uno de los poco más de 9 mil espectadores que vio Don de Dios durante su fin de semana de estreno (lo cual implicó preferir esta opción contra verdaderos trancazos como La Leyenda del Zorro 2, también estrenada por esas fechas), le doy las gracias por haber apoyado con centavitos, al cine mexicano. Seguramente las ínfimas entradas en taquilla (367 mil pesitos) no harán ni más ricos a los pensionados del S.T.I.C. ni servirán para recuperar la inversión original.
Si no ha visto la película aún, no desespere. Don de Dios apenas circula en cartelera con 40 copias.
Y si como a mi, le llegó a sus manos una copia en VCD más pirata que la de "Moteles de Tlalpan", tenga en cuenta que no se trata del corte final. Y como Fermín Gómez asegura, vale más la pena verla en cine completa, que esos horribles retazos en discos compactos de a peso.

La workaholic y el maestrito

2005-10-24T23:55:00.000-07:00

Sí, cómo caen pésimo este tipo de personas que se llevan la chamba a los momentos que la vida misma nos marca como de disfrute. © ELC Productions Inc.
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Mi primer strike para ver la última cinta de los hermanos Peter y Bobby Farrelly ocurrió hace casi 15 días, cuando aquella fatídica lluvia paralizó la ciudad por doquier y los sindicalizados del IMSS bloquearon la Calzada de Tlalpan, desquiciando aún más el tráfico. Así que justo hoy, en uno de esos días maravillosos donde acudí a dos premieres, mi intermedio fue, por propia convicción, elegir Amor en juego (Fever Pitch) para despejarme un rato.
La sorpresa que me llevé, fue toparme con la cinta más pulcra, menos escatológica y por tanto, más higiénica de los hermanos Farrelly, luego de que nos acostumbraron a todo tipo de diarreas, eyaculaciones y vómitos en sus cintas anteriores (cómo olvidar la ya clásica There´s something about Mary).
Para no variar, estamos frente a la cuasi imposible consumación del amor/entendimiento de dos personajes aparentemente opuestos: en esta esquina, Lindsay (la también productora de la cinta -como no!- Drew Barrymore) toda una calculadora humana con una súper chamba, envidia de sus amigas pero solterona en sus veinti-dieci-tantos años. En esta otra, Ben (Jimmy Fallon), el no menos tonto -como defendiera Montiel a sus vástagos- cuya chamba como profesor de geometría no lo hace palidecer ante tal figurón (y eso que Drew ya no es aquella regordeta güera), pero su aguzada pasión y sabiduría en torno a los Red Sox que ha desarrollado desde infante, se vuelve la crisis a la hora de compartir tiempos en pareja.
Así, la cinta transcurre del invierno totalmente romántico a la pretemporada primaveral, al verano volcado en los juegos de la temporada y de nuevo al invierno, donde la relación entre ambos "disímbolos" se prende, se enfría y se prolonga tanto-cuanto o más como los partidos de béisbol (y que a mi gusto, pueden ser a-bu-rri-dí-si-mos). Con chistes políticamente más correctos (sí, hay un vómito tempranero, pero no es nada explícito), los Farrelly apostaron a una relación más estrecha, íntima entre sus personajes, con todo y dilemas en torno a un embarazo imprevisto y el anhelo (de ella) de formar una familia... ¿se antoja trillado el cliché?
De tal modo que vemos a Lindsay echando el bofe en sus clases de spinning o la cámara nos introduce al cuarto de Ben, forrado por completo de chucherías alegóricas a su equipo de béisbol predilecto, inducido y heredado por el tío que murió de cáncer.
¿El resultado? Si bien la pareja posee carisma a cuadro, como que le hace falta cuajar un poco más. Y no tanto por ella, sino por Fallon, quien está lejos de la presencia que otros comediantes como Ben Stiller, Adam Sandler o hasta Jack Black sí tienen (claro que todos ellos son de una generación muuuy anterior a la de Jimmy "Taxi" Fallon, el fiasco del año pasado). Sin embargo, para las necesidades y chistes del papel, cubre apenas las expectativas tan altas que podrían demandárseles a unos genios de la comedia como los Farrelly.
De este modo, los seguidores de estos directores que para el 2007 ya tienen anunciado revivir a "Los tres chiflados" (The Three Stooges) en cine, juzgarán si con Amor en juego lograron llegar en safe a base o de plano se sacaron un strike.

Ni tan perfectos pero sí los más opuestos

2005-10-21T11:41:00.000-07:00

Queda demostrado que hasta las parejas más bonitas, no siempre serán las más efectivas. © The Vault Inc.
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Tras el inicio de esta cinta creí que me iba a topar con una fórmula más donde Julia (Piper "Coyote ugly" Perabo) y Drew (Martin Henderson), un par de chicos guapos, universitarios y en la flor de su juventud, vivirían un romance fugaz posterior a su graduación, donde repentinamente un punto de quiebra los haría valer el boleto de la película y el nombre de la misma (¿cómo pudieran ser opuestos dos chicos del tipo que, a leguas se ve que tienen todo para armarla?)
He de admitir que me equivoqué y en su lugar, encontré en Perfectos Opuestos (Perfect Opposites), una cinta honesta, sincera, del novato director Matt Cooper, sobre las causas que pueden originar el quiebre de la relación de pareja soñada.
Empleando una narración y a modo de flashback, Perfectos Opuestos inicia rápido: chico guapo pasante de abogado, se lanza con todo para conquistar a la soñada estudiante de la facultad de enfrente, cuyo sueño es ingresar a prestigiosa agencia de Leo Burnett. El flirteo dura poco y apenas se visten de toga y birrete en la graduación, se echan el clavado de sus vidas: moverse a Los Angeles para iniciar vida en pareja, en la búsqueda de su realización personal y profesional.
Hasta aquí las caras bonitas parecen congeniar, pero es cuando el director escupe a escena la realidad y las crisis eventuales que las parejas suelen sufrir en sus inicios, cuando recién se construyen y se la juegan antes de firmar el acta que las erige como matrimonio ante la ley (es lo que me han dicho, aclaro).
Mientras Drew consigue chamba gracias a su hermana en pródiga firma que despacha a estrellas de Hollywood, Julia se encuentra desempleada y sumida en la decepción de vivir al lado de la carretera, sin poder demostrar (se) sus habilidades ni para lo que fue hecha (cosa rara en un recién graduado desempleado; insisto, eso me han contado).
Poco a poco, la vida de pareja que en el romance era miel sobre hot cakes, se torna cada vez más difícil. El trabajo y las presiones cotidianas dejan poco tiempo para el convivio y sacar adelante la relación. Más en una pareja prácticamente desconocida, conocerse por la fuerza y en tiempo récord, resulta caótico (por cierto, queda también demostrado que las mujeres tienen una memoria inviolable hasta del más mínimo detalle).
Los detalles romáticos se convierten en cosas del pasado, el cariño y la atención se concentran en otras minucias (como adoptar a una mascota), la falta de asertividad para tratar ciertos temas (como el "ahora sí vamos a casarnos" o "creo que estoy embarazada"), el sexo espontáneo es cosa de la prehistoria, las inevitables comparaciones con matrimonios de la casa de enfrente se vuelven el día a día y así ad infinitum, hasta que ambos terminan por voltear al escritorio de al lado para mirarle las piernas a la secretaria o al compañero de trabajo, producto del fastidio, la aburrición y la insatisfacción.
Lo que el director Matt Cooper hace en su ópera prima, es profundizar en esos pequeños detalles que, producto del desconocimiento mutuo o de lo terrible que se vuelve la monotonía, terminan por darle en la torre a la que pareciera la relación de pareja más maravillosa. ¿Quién no ha experimentado cambios de ánimo? ¿Quién no ha padecido la pérdida de atención, cuidado e interés de su pareja? Peor aún ¿quién no ha volteado a la puerta de al lado para encontrar la atención que ya se perdió en el hogar?
Y así, del flechazo y romance inicial, al momento de la verdad, a la tentación de experimentar nuevas sensaciones con otras personas, a la desatención y finalmente, la ruptura. Sin grandes artilugios y con el peso de la trama en estos dos jóvenes actores, Perfectos Opuestos es una película para considerarse y hasta reflexionar un poco si es que se padecen las mismas condiciones que en la ficción mostrada en pantalla.

Gracias a tod@s. Gracias blog. Gracias internet.

2005-10-17T13:26:00.000-07:00

Más azul que extremo

2005-10-13T22:55:00.000-07:00

El que no enseña, no vende... © Columbia Pictures | Mandalay | MGM
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Por a´i nos pidieron que no nos vayamos con la finta, en referencia al título de Azul extremo (Into the blue), sin duda una cinta que le dará un gran y refrescante atractivo visual a la cartelera de esta semana.
El punto es que al director John Stockwell le dio por zambullirse en el mar desde su película anterior (Olas salvajes, sobre unas surfers wannabe) y con el poster de Azul extremo, podría pensarse que por ahí continúan sus trabajos. No.
Aquí la historia es sobre un par de buzos mendigos pobretones que habitan en un barcucho a punto de hundirse en las Bahamas: Jared (Paul "Fast and the Furious" Walker) acaba de perder su chamba como buzo de turistas y se niega a trabajar para el malo-ricachón de la comunidad, mientras que Sam (Jessica Alba, con poquita ropa y quien cierra un estupendo año fílmico después de Fantastic Four y Sin City) chambea en el acuario del lugar alimentando a los pececitos.
Por azares del destino encuentran un avión hundido con 800 kilos de cocaína. Más tarde que temprano se meterán en problemas con los narcos en un intento por autofinanciar con el cargamento perdido, el rescate de una vieja embarcación que los podría sacar de la miseria y catapultarlos a la fama.
Aquí es cuando la trama se enreda un poco y aunque hay bajas en el reparto (ojo a la secuencia del ataque de los tiburones, tan terrorífica como Jaws de Spielberg), la cinta no deja su lado aspiracional del triunfo del bien sobre el mal (los narcos quedan ridiculizados, como en los corridos de los Tigres del Norte), aún cuando los buenos ni son los más, y ni portan armas de alto calibre.
Si bien Azul extremo no sorprende en términos de la historia que recurre a los tesoros perdidos (gran novedad, tan así que después del epílogo dan ganas de irse a meter a buscar oro debajo del océano), sí ofrece una gran estética marina, con espléndidos y cuidadísimos paisajes subacuáticos y no se diga de las terrenales féminas que se regodean con diminutos bikinis en las playas.
Una cinta para acomodarse plenamente en la butaca y dejar que las imágenes llenen los ojos sin grandes complicaciones.

25 Foro Internacional. Farmingville

2005-10-05T01:35:00.000-07:00

Ahora los gringos creen que los migrantes son aliens que desean apoderarse de los E.U. © Camino Bluff Productions Inc.
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En mayo pasado cuando Vicente Fox tuvo a bien decir que los mexicanos radicados en Estados Unidos hacían la chamba que ni los negros aceptaban, apenas tenía la mitad de la razón. Superadas por los ingresos provenientes del petróleo, las remesas que desde el vecino país del norte envían los miles de mexicanos que se fueron para buscar una mejor calidad de vida, se generan a pesar de abusos, maltratos, racismo y hasta odio.
Para dar muestra de esta capacidad de desprecio y valiéndose de un infame acto en contra de nuestros patriotas, los directores Carlos Sandoval (de ascendencia mexicoamericana y puertoriqueña) y Catherine Tambini, se trasladaron a la comunidad de Farmingville, donde en el año 2000 un par de jornaleros mexicanos fueron acribillados por residentes de esta apacible localidad en Nueva York.
Farmingville, documental homónimo ganador del premio del jurado en Sundance 2004, inicia con este atroz atentado, pero en su pasaje histórico recuerda que en el poblado de 15 mil habitantes, la euforia por conseguir el sueño americano en una zona maderera por excelencia, provocó en la década de los noventa la migración masiva de latinos, llegando a contabilizar hasta mil 500.
Gente que sólo busca una oportunidad de empleo que en su país de origen jamás llegará a encontrar, pronto abarrotó las calles y las esquinas en espera del patrón que los lleve lo mismo a construir que a limpiar sus casas. Jornaleros que hacinaban casas enteras (hasta 40 personas viviendo bajo un mismo techo), progresivamente llamaron la atención de los colonos, quienes influidos por activistas antimigración de clóset, poco a poco se organizaron para alzar la voz de protesta en contra de la actividad de empleo ilegal, que no cobra taxes pero tampoco recibe prestaciones sociales.
Así, mucho antes del 9/11 donde la homofobia estadunidense se manifestó en su máxima expresión, Farmingville rinde cuentas y ejemplifica no sólo la capacidad racista de los gringos, sino también parte de sus verdaderamente estúpidas y arraigadas creencias en torno a la política internacional.
Sírvase el lector (y espero, espectador) detenerse al momento donde los activistas se reúnen en mesas de trabajo "nacionales", donde los que se supone saben, aseguran que el presidente mexicano planea "invadir" Estados Unidos (en una estrategia conjurada con la Casa Blanca, ¡hágame usted el favor!) y "recuperar" el territorio que les fue vendido... O considere el humor involuntario de ese compungido locutor de L.A., quien asegura que su pobre hijo no encuentra trabajo, "porque no habla español". Gratos momentos donde el carácter documental de Farmingville raya en la comedia.
Valiente testimonio puesto a cuadro por Sandoval y Tambini, cuya lectura no debe verse aislada (insisto, más después del 11 de septiembre) y que alza la voz en un momento de empantanamiento político en torno a la migración ilegal, problema que ha estado y seguirá ahí, prácticamente ninguneado a conveniencia (al fin del día, los migrantes son mano de obra, masiva y abrata). Farmingville debiera ser un documento necesario de apreciarse por todos para entender que no nada más los negros, sino los propios americanos, están dispuestos a realizar el trabajo que por unos billetes verdes, los mexicanos son capaces de hacer. Algo así como la ficción que hiciera Sergio Arau en Un día sin mexicanos (2004), nada más que en un tono más serio.
Con este documental cierra exhibiciones en al Cineteca el 25 Foro Internacional, pero la corrida comercial continuará en 8 salas del Distrito Federal y pronto, en 9 plazas al interior de la república. Y como atractivo especial, los propios directores de Farmingville estarán presentes después de la función de las 18:45 del 5 y 6 de octubre en la Cineteca Nacional, donde podrán establecer una charla con el auditorio presente.

San Bono, lleno seas de gracia

2005-10-03T01:32:00.000-07:00

Cuando la vida nos pone plazos para echar el bofe y rifárnosla, pasa algo similar a lo que en 7 Días. © Moliere Films
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El estreno de otra ópera prima mexicana como 7 Días, no podía tener mejor contexto que el que padecemos, luego de la afortunada resolución de un secuestro, la desafortunada y sospechosista tragedia de un secretario de primera línea (ni más ni menos que del encargado máximo de la seguridad pública del país) así como de la rebatinga sobre el crimen organizado más orquestado que nunca desde las prisiones de este país.
Así, Fernando Kalife no puede quejarse de publicidad involuntaria para el lanzamiento de su ópera prima. Una más en este año, para los que niegan que el cine mexicano está representado por esta categoría de productos.
Para quienes como yo, no les quedó claro de qué diablos se trata la cinta, el asunto es sencillo. Siguiendo los pasos de su difunto hermano, pionero en la organización de conciertos masivos, el regio Claudio (Eduardo Arroyuelo) decide ir por la grande para llevar a U2 a su localidad, toda vez que confirma el regreso de la banda irlandesa a nuestro país y superada la rebatinga aquella que armaron los guarros de cierto hijo, de cierto ex presidente, de la tiranía priísta.
Para financiar la macrolana necesaria, "apuesta" la herencia en vida de Gloria (Martha Higareda), su guapa novia, en un changarro clandestino. P´a su suerte no sólo pierde, sino que los mafiosos de la familia Zamacona (aqui entra el publicity al que me refería) amenazan con ultimarlo en el plazo de 7 Días si es que no regresa con la feria con que los timó. Y como son rete buena onda los ¿capos? lo dejan libre, no sin antes que Tony (Jaime Camil), el hijo del jefe, se le pegue como costra al condenado y le consiga boletos para el backstage y pueda estar más cerca de San Bono que del cielo mismo.
La cinta aspiracional que Kalife dirige, tiene como virtud funcionar a nivel relación de personajes y mejor aún, completamente descentralizada de la capital de este país. El municipio de San Pedro Garza García en Monterrey, se presta para trepar a Claudio en la Armada de Tony y manejar sin prisas por las calles. Ubicar la historia en el norte del país, permitió al director graduado del posgrado de guionismo en la University of Southern Carolina jugar también con la realeza lugareña, con todo y los apellidos Garza, Zambrano, et-al.
Además, en un esquema comercial que no es nada fortuito, no sólo juntó a sus cuates empresarios, egresados también de prestigiosas universidades como NYU y el mismísimo Tec p´a darles chamba de productores (¿o sería al revés?), Fernando Kalife metió a Nissan, Renault, Nextel y Diesel como patrocinadores de la cinta que costó dos millones de dólares.
Y por si hubiera duda de la capacidad de convocatoria, también metió en "apariciones especiales" a gente como Sofía Vergara, Lumi Cavazos y hasta Beto Cuevas del cuasi extinto grupo La Ley, quien además tenía que prestar su voz para uno de los temas principales. Vaya, personalmente se me hacía exagerado el rol de Camil como mafiosito Jr. Pero después me di cuenta que marcha tan bien con el novel empresario Claudio (Arroyuelo, quien ya tuvo un mini rol en Before night falls, de Julian Schnabel) que hasta terminó cayéndome mejor...

El joven reparto que funciona y da soporte a la cinta... con todo y machaca de huevitos. © Cinexcusas Press Photo
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Insisto en el carácter aspiracional de la cinta, donde la máxima es echar el bofe con tal de realizar la misión para la que se ha venido a la cinta, mientras se autodemuestra la capacidad de ser el mejor en lo que se hace. Es, sin duda, una cinta con "huevitos", tal como en uno de los diálogos le escupiera Tony a Claudio. Y por cierto, la empatía entre los protagonistas cae rebien que casi casi se perdona la faramalla final donde a todos se les hace larga la cara.
De este modo, Kalife ya hizo su parte. En rueda de prensa, el director dijo que a Larry Mullen Jr. la historia le gustó, pues no dependía de U2. Ello, considera, puede ser una "influencia positiva" para que la banda considere regresar a nuestro país.
Por su parte, Jaime Camil aseguró haber reunídose con Bono en su humilde chalet de Acapulco. Que "se fue con una impresión muy diferente de la que tenía de México", aseguró. Y que de vez en vez se llaman y se envían correos electrónicos. Debido a ello, el líder de la banda se mochó con footage inédito de su gira Vértigo. ¿Se pondrán de moda los macro lentes de mosca oscuros? ¿Influirá 7 Días no sólo en un probable regreso de U2 a México, sino en el box office local?
En Cinexcusas estaremos al pendiente de ambas... ya sea para estampar las playeras conmemorativas (y hacer biznez del cual ya se empieza a patrocinar este changarro... y el mío) o para da seguimiento a la respuesta del público a una oferta diferente y cier-ta-men-te (con todo y acento regio), entretenida.

De tantas puchizas... ¡Cicatrices!

2005-09-21T02:10:00.000-07:00

Niños, lleven a sus papás al cine p´a que se vean reflejados con tanta moquetiza que corre por la pantalla... © Armageddon producciones
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Hoy más que nunca, creo que cuando los humanos no damos ni vamos más allá de nuestras capacidades, solemos recurrir y encomendarnos a fuerzas extraterrestiales, todopoderosas que, en la mayoría de los casos ni nos consta que existen pero son fuertemente empujadas por las doctrinas que se nos inyectan desde morros, manifestándose en iglesias y tantos credos existan como partidos políticos (con igual carga de desprestigio, p´al caso).
Sírvase este rollo como preludio al siguiente trabajo del cineasta mexicano Paco del Toro, quien, convencido de hacer cintas familiares, constructivas, ofrece con Cicatrices, cinta que se estrenó el pasado fin de semana, una peculiar manera de atajar el enorme -e invisible- problema de la violencia intrafamiliar en nuestra sociedad.
Ahí tienen a Julián (Rodrigo Abed), cuya manera de comunicarse con Clara (Nora Salinas), la "gata", mal vestida y piojosa de su mujer, es a chiflidos. Lo único que parece unirlos es su vástago de tres años, mientras las fuerzas que se encargan encarecidamente de proponer su separación están en las cuñadas de él y la odiosísima suegra de ella: de esas ñoras gordas que desean meter cuchara en la educación del chamaco y hasta en la manera de servir la mesa...
La gota que ha de derramar el vaso ocurre en la aparición de una tercera en discordia, amante de este arrogante empresario, lo que desatará una edición vertiginosa para narrar el inicio del fin, con el proceso del divorcio, de la potestad del chamaco, de la repartición de bienes, de las manipulaciones y de los abusos. Todo ello, previo a una serie de patizas dignas de recordar entre Julián y Clara, que hasta los mismísimos Sra. y Sr. Smtih hubieran deseado.
Hasta aquí la cosa parece ir bien. Pero es entonces cuando del Toro recurre a su manera de resolver el dilema y, a mi modo de ver, la cinta peca de lo que precisamente era su absolución. Uno y otro personaje terciario en la trama aparecen soplándose sermones sobre la creación divina del matrimonio: que si Dios lo creó para hacer felices a los hombres, que si una vez unidos jamás podrá disolverse el vínculo, que si la Biblia sirve para enderezar la vida, que no se puede renunciar al amor y sí conseguir el perdón, bla, bla, bla...
Cicatrices se vuelve el mejor ejemplo de una cinta moralista, en extremo conservadora. Y ni hablar, así la pensó su director, así dice funcionarle el show y así se exhibe en cartelera (para seguro regocijo de los funcionarios que autorizan el changarro desde la Secretaría de Gobernación).
¿Cuáles son entonces sus virtudes? El arrojo de figuras salidas de la televisión (el propio Abed pide que se les reconozca como actores, capaces de desenvolverse en cualquier medio audiovisual) que funciona a la perfección y otorgan credibilidad a la trama (Nora Salinas luce estupenda, aún cuando hasta la acusen de mojigata) así como el vaivén de situaciones cotidianas que provocarán la proyección del espectador (mucho ojo a la suegra y la cuñada que, por el otro lado, trae a su señor de bajada).
Y por si fuera poco, el mismo del Toro arremete casi casi desde lo oscurito, antesala de los créditos de la cinta, contra la política y los derechos humanos de este país, ya de pasadita cuando a manera de epílogo presenta algunos datos sobre la violencia intrafamiliar y el abuso a las mujeres, especialmente en el caso de Ciudad Juárez.
¿Es Cicatrices una cinta que acusa y perdona a la vez? ¿Es el perdón la mejor receta para la absolución de nuestros pecados? Paco del Toro dijo que su obra debe leerse en la individualidad y no hacer generalizaciones sobre las maneras de actuar frente a problemas como el que se presentan. 91 mil personas ya la vieron durante el fin de semana de su estreno. Ahora juzgue usted.

Los rusos se ponen cyberpunk

2005-09-09T19:50:00.000-07:00

Prepárense para el inicio de una inusual trilogía rusa. © Bazelevs LLC
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¿Qué carambas tiene de sorprendente la cinta Night Watch (Guardianes de la Noche) de la que gente como Quentin Tarantino y Danny Boyle han elogiado y que causó furor en el mundo en el 2004?
A simple vista el eterno tratamiento del bien y el mal, a través de las eternales luchas entre las fuerzas de la “luz” y la “oscuridad”, no es nada nuevo. Lo relevante del caso es que tenemos ahora la oportunidad de apreciar el primer capítulo de la que será una trilogía, del ruso Timur Bekmambetov, con estética cyberpunk, que decide abordar esta histórica confrontación, basada en los best sellers de Sergei Lukyanenko (que incluyen Day Watch y Dusk Watch). Brujas, mutantes y vampiros que se mueven en las noches (de ahí el título original de la cinta), que consumen sangre de cerdo (si aún está calientita, mejor) y que no mueren tan fácilmente, parecen ser novedades en esta producción oriental.
Sin embargo, de este lado del mundo, la influencia de los hermanos Wachowski (la trilogía Matrix), la herencia de Blade, el cazavampiros (que en la gloria de su trilogía fuera dirigido por el mexicano Guillermo del Toro) y hasta el churrazo post Matrix estelarizado también por Keanu Reeves (Constantine), hacen recordar un poco la estética posmoderna-gélido-nocturna que el director imprime en el Moscú de hoy.
Ello no deja de ser un logro, sobre todo en el intento por ofrecer una cinta de competencia mundial que reactive la economía local. Tan así fue que apenas estrenada fue un trancazo en taquilla (superando a estrellas como el mismo Spider Man), llegó a estar nominada al Oscar el año pasado en la categoría de mejor película extranjera y los estudios Fox le invirtieron en la tercera y última parte, que además será filmada en inglés (¿será que su estreno se postergó para no opacar el resto de la agenda mediática estadunidense?)
Así, espérese entonces la épica batalla de fuerzas donde un personaje central (un “gran señor”), de alto poderío, encarnará en nuestra época y romperá el delgado hilo que mantiene la paz en esta Tierra. Súmese una lograda ambientación, animales indefensos en apariencia pero mortales en envestidura (ojo a Olga, que no es para nada el búho de Harry Potter) efectos especiales que no le piden nada a las majors occidentales (para lo cual se reunió y contrató a 42 mini estudios locales, con tal de mantener la manufactura rusa), persecuciones, volteretas, luchas encarnizadas con acción congelada y a la vez tomas aceleradas que mantienen un ritmo durante toda la historia.

El eterno enfrentamiento entre el bien y el mal, pero en el Moscú de hoy. © Bazelevs LLC
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¿Cuál es entonces el mayor logro ante lo que parece un híbrido ruso salido de la imaginería hollywoodense? El hecho de aventarse con sus propios medios a una gran producción, sin un presupuestos pecaminosos como en el continente de al lado, para no sólo reactivar el interés local por las producciones caseras, sino para demostrar que conjuntando esfuerzos se puede hacer verdadera industria post-soviética.
¿Será capaz Guardianes de la Noche hacer que Tarkovsky se revuelque en su tumba? Pregúntele de nuevo a Danny Boyle o juzgue usted el resultado, en lo que llegan las dos restantes partes de esta trilogía. ¡Ah! Y ojo a los subtítulos “interactivos” que la distribuidora 20th Century Fox promete lanzar con este estreno.

25 Foro Internacional. 9 orgasmos

2005-09-04T16:20:00.000-07:00

Sexo explícito sin caer en pornografía barata. © Revolution Films

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Como si hiciera falta anunciar las grandes dosis de sublime erotismo que en la cinta británica 9 songs ocurre, su título en español fue doblado a 9 orgasmos. Y quizá estamos frente a la cinta de mayor intensidad, no sólo sexual sino romántica, de este 25 Foro Internacional de la Cineteca.
Quienes conocen algo sobre la filmografía del director Michael Winterbottom, seguramente recordarán que a inicios de este 2005 se estrenó tardíamente en nuestro país Code 46, cinta casi de culto que evocó la estética y personajes fríos-metalizados de Blade Runner (Scott, 82), a través de la relación entre unos estupendos Tim Robbins y Samantha Morton. Especializado entonces en situar a sus protagonistas en intensas relaciones, es como llega a 9 orgasmos donde la historia se basa en una pareja amante de los conciertos y de la música en vivo. La peculiaridad es que el británico Matt (Kieran O’Brien) entabla una relación con Lisa (Margo Stilley) quien se encuentra de pasada y deberá volver a su natal Estados Unidos.
Hilada en flashback por medio de la narración de Matt y con un elenco musical en el que destacan Black Rebel Motorcycle Club, Franz Ferdinand, The Dandy Warhols, Super Furry Animals y Michael Nyman, la cinta no deja nada encubierto: es una lluvia de actos sexuales en la cama, la cocina, antes del desayuno, con los ojos vendados, con ataduras, sin ellos (eso sí, con un correcto uso de condones), que, sin caer en el extremo de la pornografía e incluso el sadomasoquismo, hacen lucir la gran relación de pareja que sostienen los personajes.
Quienes deseen buscar una historia repleta de complicaciones, más allá de artilugios o espectaculares efectos en pantalla, deberán buscar otra opción. El sencillo y a la vez complejo argumento sobre el funcionamiento de una pareja de desconocidos que encaja a la perfección, aún de culturas y continentes diferentes, en una época donde el amor ya es –casi- una casualidad, potencia el trabajo de Winterbottom.
Y al final, la desolación contrastante con la multitud que abarrota la Brixton Academy en cada uno de sus conciertos. Sin saber mucho de la pareja (él es una especie de oceanógrafo; ella, trabaja y vive la vida loca) queda un sentimiento de vacío y añoranza en la relación ideal, que dura mientras la pasión los hace convivir juntos.

Un cuarto de siglo en el Foro Internacional de la Cineteca

2005-09-01T23:34:00.000-07:00

A sumergirse todo septiembre en este preludio de lo que será la Muestra Internacional de otoño, también de la Cineteca. © Cineteca Nacional
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Concebida por sus creadores como un espacio fílmico anual donde la diversidad de propuestas se alejan de los convencionalismos, sea por lo arriesgado de las producciones o temáticas o por el uso y exploración de nuevas tecnologías y formatos, el Foro Internacional de la Cineteca que inició el día de hoy, cumple su 25 aniversario cumpliendo este cometido. Una selección de 15 largometrajes provenientes de 13 países diferentes, que si bien no han sido premiados pero han participado en los festivales más importantes del orbe, comprenden la antesala del que se ha consagrado como otro platillo fílmico del recinto coyoacanense (me refiero a la Muestra Internacional), y que ocurrirá apenas un mes después de su circuito, al cual se anexarán 8 complejos en el Distrito Federal y nueve plazas en el interior de la república. Para quienes hemos seguido de cerca la actividad de la Cineteca en este año, la programación resulta conocida, tras encontrar tres títulos que ya han sido vistos en ciclos precedentes. Hotel, cinta de la austriaca Jessica Hausner que abre el 25 Foro Internacional, ya fue proyectada en un ciclo dedicado a esta nación, y nos hará recordar la capacidad de la directora para jugar con los miedos internos del espectador, en una historia muy cercana a lo que ocurrió en Burkitsville, Maryland, cuando la Bruja de Blair hizo de las suyas,
Por México, las dos cintas que nos representan también han tenido su estreno en ocasiones anteriores. Historias del desencanto, ópera prima de Alejandro Valle vista durante Real Mix, explota las actuaciones de Fabiana Perzábal y Ximena Ayala en un producto cero comercial, más cercano al videoarte. Por su parte el documental de Alejandra Islas: Muxes, aunténticas, intrépidas y buscadoras del peligro, se inserta en una comunidad en Juchitán, Oaxaca, para exponer la suerte de un grupo de homosexuales. La cinta ya tuvo su premiere durante la 2a Muestra de Mujeres en el Cine y la T.V.
Por lo demás y para quienes han visto la publicidad del Foro cuyo slogan este año es "sumérgete", hay tres cintas programadas que tienen que ver con el agua, los mares como mundos acuáticos o como escape e incluso, redención. En Viaje hacia el mar, de Guillermo Casanova, queda una vez más de manifiesto la sencilla capacidad narrativa sudamericana, empleando historias comunes y personajes salidos del vox populi (este año, con Whisky y El Perro, ya comprobamos la capacidad de éxito del cine uruguayo-.argentino, sin grandes presupuestos ni presunciones).
La segunda es Caminando sobre el agua, del estadunidense radicado en Israel Eytan Fox, sobre un espía del servicio secreto israelí que busca a un antiguo oficial nazi. Y en El violinista que llegó del mar, el actor Charles Dance ahora convertido en director (otra ópera prima), demostrará su capacidad de dirigir a Judi Dench y a la "maestra" de Harry Potter, Maggie Smith en una triada amorosa con un superviviente desconocido.
Para los amantes de la nueva ola de cine de terror oriental, Los poseídos, de Kim Jee-Woon, seguro jugará con la capacidad del espectador de hilar una historia donde dos hermanas regresan al hogar materno luego de una tragedia familiar.
Un siguiente título que también llama la atención y habrá que leer conforme a la actual coyuntura entre México y Estados Unidos sobre la migración ilegal es Farmingville, documental de Carlos Sandoval y Catherine Tambini, basada en ataques a migrantes nuestros no en Texas ni California, sino en Nueva York.
Sin más, dispóngase unas tardes o fines de semana en dar una escapada a la Cineteca para apreciar diferentes propuestas temáticas y tecnológicas en este 25 Foro Internacional. En Cinexcusas daremos seguimiento a los títulos más sobresalientes de este platillo fílmico.

La caida o cuando Hitler mordió el polvo

2005-08-27T19:42:00.000-07:00

Bruno Ganz, espléndido y realista, en la encarnación de Hitler durante sus últimos minutos de sueño imperialista © Degeto Film

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Tres años antes de la debacle nazi, un séquito de mujeres se dan cita en el bunker conocido como "la guarida del lobo", en la Prusia Oriental. Traudl Junge (la rumana Alexandra Maria Lara), una guapa chica originaria de Munich, es escogida por el mismísimo Adolf Hitler (Bruno Ganz) para desempeñar su rol como secretaria personal.
Es a través de los ojos del director Oliver Hirschbiegel, basándose en un par de obras literarias que llega a nuestra cartelera La Caida (Downfall), que recrea los últimos días en la vida de Hitler y por tanto, del azote alemán por toda Europa por allá de 1945.

2 precisiones sobre la película 2
La caída no es una cinta más sobre el holocausto ni el horror que vivieron los judíos -cosa que se agradece-. Luego entonces ¿por qué compararse con cintas que sí abordaron la temática (léase El pianista -Polanski, 02-) desde el poster?
En segundo lugar: por favor no se vaya con la finta, tal como pregonan algunas reseñas por ahí, de que esta película ofrece una narrativa desde el punto de vista de la secretaria de Hitler... Si bien es cierto que está basada en dos libros: Inside Hitler`s Bunker, de Joachim Fest y Until the Final Hour, de Traudl Junge y Melissa Müller, no se trata de un documental ni mucho menos, por más que el mero final nos tenga reservada una sorpresa. Se trata de una representación artística - a fin de cuentas, ficción- encabezada por el director Oliver Hirschbiegel y nada más.

Más ficción que documental, apegada a la obra literaria de Traudl Junge, secretaria personal del Fuhrer. © Degeto Film

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Toda la acción de La caída se concentra en el bunker, por lo que se puede sentir la cerrazón de los personajes y hasta el miedo que sienten, cuando poco a poco la historia se va encargando de destruir la plaga nazi y de hacer morder a las tropas de Hitler, quien necio y desorbitado, aún cree en la posibilidad de ganarle a los rusos... con las consecuencias que todos conocemos.
El valor de la cinta ocurre en el retrato -o interpretación, por muy que se encuentre adaptada literariamente- del pasaje tétrico que fue y vivió Hitler, momentos antes de renunciar a la vida misma, a la fidelidad de todo su pueblo y a la ideología con la que promulgó. Su suicidio es, por tanto, no una escena cumbre, pues antes se encontró rodeado del temor de sus generales, amigos y familiares, quienes frente al derrumbe de su sueño imperial, proceden, uno a uno, contra sí mismos en varios momentos de aguda crisis que el espectador no olvidará (ojo a la escena donde una Magda Goebbels ofrece la pócima anti enfermedades a sus hijos).
Cabe destacar que el personaje de Hitler está bastante bien logrado por Ganz, tanto en sus ademanes, como en la ira y la temblorina de la mano a la hora de dar órdenes. A él, se suma un estupendo y macabro Ulrich Matthes en el rol de Joseph Goebbels, ministro propagandístico del Fuhrer (esos ojos tan sumidos en su cráneo y mirada de maldito, son dignos de odiarse). Esta cinta compitió en la pasada entrega de los premios Oscar, en la categoría de mejor película extranjera, por lo que llega a México con bastante retraso pero no la exime de apreciarse en cartelera.
Por lo demás, se encuentra aderezada por ese atisbo de juventud y esperanza cursilón que recae en uno de los personajes centrales -la secretaria- y un chamaco guerrillero nazi que iba-pasando-por-ahí... y que justo al final, a manera de epílogo, parece desentonar con la narrativa empleada para contar La caída. Por tanto, no abandone la sala apenas se apaguen las luces, espere a ver el inicio de los créditos.

Imaginum: hacen realidad lo impensable

2005-08-19T21:05:00.000-07:00

Ahora un solo alienígena en forma de moco, pretende conquistar la Tierra © Anima Estudios

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Producir una película (mexicana) cada 16 meses y en el inter sostener la nómina de toda una compañía productora, es todo un milagro en nuestro país. Más aún cuando el resultado debe ser un largometraje de animación, de muñequitos pues. Sorteando toda clase de dificultades así ha funcionado Ánima Estudios, que hoy pone en salas y a juicio del respetable Imaginum, su segundo largometraje, el octavo de su género en la historia de nuestro cine.
Lejos, mucho, muchísimo de contar siquiera con un software endémico para hacer su chamba tal cual lo hacen los majos studios (me viene a la cabeza el Renderman de Pixar), Ánima echa mano desde Flash hasta el popular Photoshop, pasando por 3D Studio Max (para las secuencias ídem) con tal de hacer su luchita. A fin de cuentas, los fierros en plataforma Intel poco importan cuando lo que interesa, en inicio, es la historia. Y en ella, los créditos incluyen al mismísimo Carlos Carrera como asesor creativo.
A pocos minutos de iniciar la cinta, el espectador deduce hacia dónde irá, más aún luego del verano donde todos nos expusimos a alienígenas que, nuevamente, trataron de apoderarse de este planeta (alguien al día de hoy no ha visto La guerra de los mundos?) Yxxxxx (actuado en voz por Eugenio Derbez, faltaba más), un minúsculo y verdoso moco recluido en un manicomio espacial, logra escapar y para convertirse en todopoderoso escoje a la Tierra por su alto nivel de Imaginum (evitaré contar en qué caramba consiste este nuevo ¿elemento? para no aguar la minúscula sorpresa) que le permitirá lograr sus ambiciosos planes.
Para mayor impacto, los marcianos arriban a una ciudad tan verde y tan azul que para nada es la nuestra (chance ni siquiera nuestro país, de no ser porque la gente habla español) aún cuando a cuadro los terrícolas tienen Pan Bimbo en su mesa del desayuno y los ufólogos pródigos Jaime Maussan y Pedro Ferriz, también tienen sus cameos. A esto, hay que agregarlo un par de chistesitos menores donde incluso los alienígenas se meten con la política local (para más referente, los videoescándalos).

La elección de Eugenio Derbez como la voz principal puede ser un motor de empuje para Imaginum. © Cinexcusas Press Photo

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¿A qué aspira Imaginum y más aún la casa que la produjo? A convertirse en un nuevo semillero de gente que reviva la espinita por crear cine de animación 100 por ciento mexicano. Y es aplaudible que sigan dando de qué hablar, aunque la taquilla reflejará la aceptación o rechazo de aquellos a quienes se pretenden llegar.
¿Acaso aspira a una teleserie con todo y sus personajes? Aunque Fernando de Fuentes, el productor, diga que que chance sí, que ojalá una secuela en función del éxito, habrá que ver. ¿Podrán comercializarse los peluchitos provenientes de los caracteres? No sería una sorpresa encontrarlos colgados junto a las tarjetas y revistas en Sanborns. Sin embargo, creo que para que Imaginum y toda su imaginería (valga la redundancia) prosperen más allá de los cines, el loving y merchandising que debió haber hecho con el público llega tarde. Para ejemplo tenemos a Huevocartoon, que se volvió popular por sus fábulas publicadas en internet, comercializadas a pesar de la piratería y que una vez posicionados, en 2006, veremos su primer largometraje basado en los simpáticos huevitos.
Parte del probable éxito y funcionamiento de Imaginum (sin decir que la aventarán al ruedo con apenas 175 humildes copias) se debe a la elección de la voz principal, a manos del comediante Eugenio Derbez. Probadísimo y casi referente obligado en grandes trancazos recientes de animación (léase Shrek), Derbez no sólo imprime su sello personal, sino que por tratarse de una cinta mexicana, debió actuar enteramente su papel de moco y los animadores adaptar los dibujos a sus diálogos, y no al revés, como ocurre cuando una producción gringa llega para ser doblada. Se le une el ahora larguirucho Giovanni Florido en la voz secundaria (de Dante, el morro-héroe de la trama), a quien dejamos de ver prácticamente desde Zurdo (Salcés, 03).
Con un costo de 17 millones de pesos (más cinco y medio de copias y promoción), Imaginum y la compañía que la produjo serán un negocio si logran la meta de recuperación tal cual los esquemas gringos: 40% de retorno en taquilla, 30% en video y DVD y el resto, en tarea de internacionalizacion. ¿Qué tan posible será? En Cinexcusas estaremos al pendiente. Mientras tanto, mucha suerte y felicidades por re-emprender el gusanito de la animación, aunque he de confesar que la historia, francamente no me encantó...

Yo puta: Prófugos del petate

2005-08-12T07:59:00.000-07:00

Denise Richards se queda corta al descubrir las motivaciones sobre el oficio más antiguo ©Dolores Pictures
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A Rebeca (Denisse Richards) no le hace falta inspiración para escribir su libro sobre el origen y motivaciones que orillan a ejercer y practicar la prostitución, mientras cursa su doctorado en antropología. Lo que necesita son fuentes que se animen a concederle entrevistas para documentar la historia del que se considera, el oficio más antiguo del mundo.
Un vaivén a cuadro de prostitutas, gigolós y damas de compañía, se vuelve el escaparate que raya en lo kitsch en Yo puta, cinta de la española María Lidón (cuyo nombre artístico es Luna) basada en el best seller Whore de Isabel Pisano.
Combinando una mini historia cuya función es la de apenas conducir la trama con una suerte de mini documental, el hecho de si Rebeca termina o no su libro, si le alcanza o no la beca para sobrevivir o incluso si de tanto ver (y necesitar dinero) raya en sus propios límites y creencias para tender a la prostitución, es totalmente secundario contra la riqueza visual y testimonial que los personajes entrevistados ofrecen. El nombre de Darryl Hannah en los créditos es casi inefectivo, pues ni como rol terciario logra llamar la atención.
Para ello, el equipo de producción lo mismo consiguió a señoras expertas en el oficio que flamantes escorts cuyas desorbitadas tarifas ameritan no sólo compañía, sino cualquier acto de rendición que pida el cliente. Y aquí, sólo las mentes de amplio criterio entenderán que el negocio del sexo existe y existirá mientras hayan parejas negadas a complacer a su contraparte, mientras la monotonía y el aburrimiento sea el modo de vivir y por supuesto, como cualquier otro vicio, el sexo con desconocidos represente una aventura que sólo el cliente y el vendedor están dispuestos a negociar, sin culpas, sin enamoramientos, sin necesidad de revelarlo al mundo.
La estética que la directora ofrece, en el carácter documental de la cinta, no raya solamente en encuadrar el rostro del entrevistado. Va más allá de superponerlo a la cámara, pues juega con blue screen para ambientar locaciones inhóspitas (un rastro con toros descarnados colgando de ganchos, un lapidario, estaciones del metro y así…) mientras algunos entrevistados se divierten, narran, exhiben; otros sufren al recordar cómo se iniciaron en el negocio o cómo fueron víctimas de otros para comerciar su cuerpo. Latinos, europeas, orientales. Para la prostitución el mercado es una infinita variedad ¿inalcanzable?
Si desde el título el espectador acude a mojigaterías, evítese la exposición a Yo puta. Si opta por apreciarla, veáse sin el rigor del género documental. Seguramente encontrará unos 80 minutos de diversión.

Parejas: habérsela ahorrado en mocudrama de TV

2005-07-24T23:42:00.000-07:00

Cómo han pasado los años... © Cinexcusas Press Photo

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Mi reseña y comentarios sobre Parejas llega una semana tarde (queridos lectores, me fui de vacaciones). Pero si tomamos en cuenta que la cinta de Enrique Arroyo tardó 10 años en concluirse y estrenarse, qué más da unos días más, unos menos... El punto es, si es que usted ya la vio... ¿a poco no parecían dos capítulos de serie televisiva dominguera o mocudramática? Hace 10 años, bastante pelo de sobra y algunos kilos menos, a Enrique Arroyo, egresado del CCC con experiencia en producción televisiva para Once TV, se le ocurrió reunir a un talento actoral para la que pretendía ser una cinta independiente, de esas que se llaman alternativas. Y ahí lo tienen arrejuntando a Mónica Dionne, Erika de la Llave, Victor Huggo Martin y a Rodrigo Murray, totalmente pre-Sexo Pudor y Lágrimas (Serrano, 99). Declarada la cinta al más puro estilo "Producciones por favorcito" de andar mendigando equipo y chamba a terceros de a grapa, el proyecto se detuvo por cuestiones de dinero. Y así hasta que un productor aventadazo como Fernando Sáenz de Miera (el mismísimo de Hora marcada y hasta Ventaneando y La Botana en algunos años) le entró con lana para terminarla. De tal modo que el último día de filmación se logró en 1999, cuando ya la cinta se había mosqueado por completo y hasta le habían comido el mandado...
Originalmente pensada para un largometraje de tres episodios e igual número de historias, el presupuesto alcanzó sólo para dos... de 88 minutos de duración en total.

¿A quién no se le ha antojado la mujer del otro... a pesar de los mandamientos? © Producciones El Séptimo Sello
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En el primero de ellos, aparecen dos parejas (con el reparto "fuerte", ya citado) chacoteando a punto de compartir el desayuno en la que parece una vivienda común entre los integrantes. La cámara se encuentra sembrada en el piso, por lo que más bien la pieza parece de teatro, pues el único movimiento es el de los personajes en cuestión (desde aquí a alguien parece que se le olvidó que estaban produciendo esa cosa llamada "cine"). En un fade nos advierten que un año antes, las dos parejas se encontraban en pleno bodorrio, consagrando su amor. Para mayor casualidad, los recién unidos llevan por nombres Alejandro y Gabriela y Gabriel y Alejandra... Por las insinuaciones cachondonas, no hace falta pensarle mucho antes de descubrir que entre ellos hay atracciones cruzadas, y que el destino conducirá a las contrapartes de género/nombre, a tener una aventura en plena noche de bodas... sin la menor repercusión para el destino de los cuatro (¡¿fantástico?!) Y así, tras hacerse un poco los graciositos (besuquiándose en los elevadores, las clásicas tías añejas y borrachotas que pierden el juicio, et-al) nos vamos a un fade y ¡sorpresa! el segundo episodio.
Al director parece que le gustó mucho el cuadrilátero contra la violencia que a finales de 2004 vimos en Cero y van cuatro (Carrera, Gamboa, Sariñana, Serrano, 04). Lo digo porque en la historia de Luis Felipe Tovar, recién ascendido a un puestazo como ejecutivo en una agencia de publicidad, hay un pequeño encuentro con las personajas del primer capítulo (si se le puede llamar así). Casado con un cuero de mujer y teniendo a una secretaria tan buena como las que piden en los anuncios de periódicos, el fulano sospecha que su señora le pone el cuerno y... caray, el bastardo en este caso fue un desperdiciado Roberto Sosa. Y así, en un pleitazo digno de Lo que callamos las mujeres, el problema se "resuelve" y tan tan, el espectador desquitó su boleto.
Vuelvo a preguntar: ¿no hace falta como que más carnita a la película? ¿Algún indicio de que ambos episodios merecían el gasto de un largometraje para no quedar en estética de televisión? ¿Una tercera historia que terminara de amarrar los prácticamente nulos lazos tejidos entre las dos precedentes? Si usted aún no la ha visto, no se vaya con la finta por los cueros esbozados desde el poster (cuatro pares de piernas acostados en la misma cama): tan engañoso es como el contenido empacado. Y si de casualidad la vio anunciada en alguna marquesina, se debe a que apenas circula con 40 copias, menos las que se sustrajeron después de este fin de semana.
Finalmente, su creador se vale del acto de poner el cuerno justificando su existencia desde la Ilíada, a la vez que considera democrático, en una sociedad como la nuestra (donde casi no hay dilemas en torno a la unión homosexual ni a las píldoras del "día siguiente"), poder "arrinconar a tu mujer" y viceversa.
Así que si de paso usted sabe de críticas hacia las dobles morales con las que mucho se navega en este país (o conoce a alguien), evite el buche o una mala recomendación a su prójimo.

Fantástica incursión

2005-07-08T01:37:00.000-07:00

Superhéroes por accidente, sin máscaras. Y en pleno NY © 20th Century Fox Film

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Creo que cualquiera de nosotros, por lo menos las personas que acuden a este blog y quienes forman parte de mi generación (más menos algunas horas), tenemos un mínimo de información indispensable sobre cómics, personajes y leyendas en torno a estos. Si bien soy fan declarado de Marvel Comics, al igual que los actores que dan vida a Fantastic Four, cinta de estreno este fin de semana en todo el mundo, no conocía a fondo su origen. Y tras ver la película ni falta que hizo.
Érase una vez Reed Richards (el británico Ioan Gruffudd) un genio de la física y las matemáticas, capaz de darles clase a sus maestros en el MIT, siempre acompañado por su fiel amigo Ben Grimm (Michael Chiklin), de oficio, astronauta. Victor Von Doom (Julian McMahon), su eterno rival, no sólo ha conseguido crear una fortuna sino tener cerca a la mujer que quiera, p´al caso a Sue Storm (Jessica Alba, bastante más hermosa en persona), otrora galana de Richards, cuyo hermano Johnny (Chris Evans, bastante más introvertido en persona) trabaja para la corporación del emigrante de Latveria.
El mínimo indispensable al que me refería y que se requiere saber sobre estos cinco personajes es que, luego de haber emprendido una travesía espacial en la que cierta tormenta solar alteró su ADN de por vida, se han convertido en fenómenos y nuevas figuras públicas, cuya identidad no puede ser ocultada debajo de ninguna máscara. Y a su regreso a Nueva York, donde habitan, su sola presencia dará de qué hablar.
Al director Tim Story lo único que le conocía fue el fallido remake de Taxi, cinta cuyos derechos originales propiedad de Luc Besson los prestó en un delirius para que aquel la desarmara (con un exageradamente tarugo Jimmy Fallon y una tremendamente hombruna Queen Latifah). Pero cuando se es un verdadero fan de personajes de historietas que te han marcado desde la infancia y cuya vida en papel se presta para que se sueñe con ser o convertirse, algún día, en superhéroe de carne y hueso, ocurre una maravilla como vemos en Fantastic Four (y si no pregúntenle a Sam Raimi sobre la franquicia de Spider Man).

¿Y tú creías tener problemas por estar feo? Pregúntale a La Mole © 20th Century Fox Film

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La primera y creo, más atinada elección, fue el casting. A estas alturas recuerdo haber despotricado un poco en contra del mismo, cuando tuve oportunidad de ver aquellas primeras fotos de los cuatro, enfundados en sus clásicos trajes azules (que han de saber, son más inteligentes que el edificio de Movistar en Santa Fe, pues sus moléculas son adaptables a los cuerpos de quien los porta). Verlos actuar, desenvolverse como los jóvenes que son (en mi caso, estuve siempre acostumbrado a ver a los Cuatro Fantásticos como unos personajes bastante mayorcitos) es el gran éxito de la historia.
Si bien esta cinta debe mostrar un inicio donde se establecen las bases del por qué ocurre la transformación (y el para qué), el espectador tiene la oportunidad de regresar el comic a sus orígenes (1961, cuando Stan Lee se unió a Jack Kirby para crear al primer grupo de poderosos como una familia), cuando un Richards más chavo (pero con algunas canas en sus costados) sigue haciendo cálculos de cada palabra que dice mientras una ejemplar Sue se le escurre ante sí... cuando un Johnny anda de Romeo por todos lados y agarrando de bajada a Ben Grimm cada que le es posible.
Prepárese entonces para una cinta bastante jovial, sumamente cómica (cuando la situación lo merece), impecable en efectos especiales y con toda la magia de Marvel, la misma que repetiré hasta el cansancio y que tiene que ver con la cercanía de sus personajes a la realidad cotidiana del mundo en que vivimos (no el de maquetas ni de ciudades ficticias): en este caso, Nueva York vuelve a convertirse en la sede y residencia del equipo con todo y edificio Baxter hipotecado, pues Richards está bastante más quebrado que su rival, Von Doom.
Cabe destacar que los Cuatro Fantásticos son el tipo de héroes convertidos por accidente (ninguno de ellos tuvo cursi-entrenamientos-Jedi o retiros a la montaña para ponerse machines) que ni lo deseaban ni tienen por qué ocultarlo. Tampoco necesitan cinturones abarrotados de herramientitas para hacer su chamba. Es más, la preocupación es tal que, al regreso de la tormenta solar, Richards se da a la tarea de explicar el fenómeno y tratar de revertirlo, mientras Johnny le da vuelo a la hilacha y se encarga de correo la voz que han llegado para quedarse. Y es el único a quien le hace feliz el cambio (no así a La Mole, quien a su regreso lo deja su esposa y más tarde, en una jocosa-vertiginosa secuencia, salva a un tipo del suicidio en pleno Brooklyn cuando medita qué diablos le pasó y por qué se volvió en tan horrible criatura).
Agradezco así que La Mole no haya sido generada por computadora (y que Chiklin haya pagado el costo de dos horas de maquillaje y muchos kilos menos); que la transformación maligna del Dr. Doom sea gradual como su espléndido maquillaje; que la Antorcha Humana tenga esos bríos y chispa capaz de generar flamazos durante toda la cinta para mantener el lado cómico y finalmente, que el reparto haya firmado contrato por tres películas, lo que garantizará una corrida de aventuras por algún rato, mientras se alterna con secuelas de otros personajes también de la compañía (como X-Men o el mismo spidey).
Para finalizar sólo pregunto ¿Cuándo habrá un crossover entre los múltiples personajes de Marvel que han sido afortunados en tener su propia película?

Ahora que en las noticias hay puras buenas nuevas, de la distribuidora 20th Century Fox
nos enteramos que la campaña publicitaria de F4 fue clausurada por la Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda (Seduvi), del gobierno capitalino. La brillante idea de insertar a los personajes en los puestos de revistas quedó mermada con la banda blanca. ¿Por qué a Bejarano lo dejan libre y a La Mole, bastante más inofensivo, no lo dejan salir de los kioscos?

H.G. Wells se retorcería en la tumba

2005-07-03T22:42:00.000-07:00

Y si los marcianos hubiesen respirado los aires del D.F., otra cosa habría sido © Dreamworks
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Confieso haber sido víctima de H.G. Wells hace bastantes años. Admito haberme tragado la enorme piña cuando alguna vez pasaron en la tele la primera adaptación cinematográfica de su magistral The War of the Worlds (Haskin, 53), al grado de ir a correr el chisme a la puerta de mi hermana, que los marcianos habían llegado... ¡ya!
Sin mejor opción cinéfila en este fin de semana (por todos los cines, hasta cinco salas la exhiben) pagué por ver la adaptación de Steven Spielberg de la que todos hablan y hasta se congratulan. Al final, lo más valioso de mi tarde fue haber escogido una sala THX donde el sonido me sacudió hasta la conciencia. Pero nada más. Del coraje, agarré el libro por segunda ocasión en este año (salido de la colección Sepan cuántos, de Porrúa, desos de letrita chiquitita y con escasos márgenes para agarrarlo apenas con las uñas) y más rabia me dio leer por doquier los exacerbados elogios que el creador de E.T. ha recibido (por cierto, su mejor logro en el manejo de extraterrestres).
A los 32 años y a punto de llegar al siglo XX, H.G. Wells, de origen inglés, se adelantó a su época escribiendo en un texto cercano a lo científico, la llegada de los marcianos (de Marte) a esta tierra. Al día de hoy permanezco escéptico a la posibilidad de vida inteligente en otro planeta, hasta que no se demuestre lo contrario. Pero este asombro literario en su momento, y después traducido a un programa de radio, puso los pelos de punta y a partir de ahí la idea de vida más allá de nuestro planeta, cambió. Y no se diga del quehacer cinematográfico.
Así, hastiados de soldados gringos que se convierten en astronautas para salvar al mundo de ataques extraterrestiales (Will Smith en ID4), mineros enrolados por la NASA para evitar un cataclismo producto del posible choque de un enorme meteorito con la tierra (Bruce Willis en Armaggedon) y hasta científicos ninguneados cuando se pronuncian en contra del cambio climático global, anticipando la amenaza (Dennis Quaid en The day after tomorrow) sólo faltaba que Spielberg, director pródigo de Hollywood, empleara a Tom Cruise como artífice para demostrar, una vez más, que son los gringos los más pudientes y el ombligo del mundo.
En ambos casos la historia inicia pronto: los marcianos llegaron ya, son malos y vienen a exterminar a los terrícolas porque son chidos y nos tienen envidia. Los primeros efectos especiales a cargo de Industrial Light & Magic asombran con esa especie de nebulosa-tornado que azota por a´i del rumbo de Nueva York.
En el momento en que conocemos a los personajes de Spielberg, la cosa se arruinó (con respecto a la novela). Tal cual en su vida real, Cruise (Ray Ferrier, un montacarguista) está divorciado de su esposa y en un fin de semana cualquiera le encarga a los chamacos. La pequeña y claustrofóbica Rachel (Dakota Fanning ya me empieza a caer gorda como la supersabia-mandona-aleccionadora) y el rebeldoso Robbie (Justin Chatwin). Apenas caen los primeros rayos de las desas cosas (así le llaman en la novela) que parecen trípodes (el diseño se lo deben a Stan Winston, así que cualquier parecido con Alien VS Predator pregúntenselo a él) salen en polvorosa rumbo al norte, mientras el exterminio es inminente.
¿Qué es lo que pasa en el camino? Pues todos los lugares comunes: el hijo terco que no se quiere perder la acción; el papá que no sufre ningún rasguño, corre como despavorido y hasta da la pauta para arreglar el asunto; la nación más poderosa del mundo es humillada pues ni sus armas más pudientes hacen mella a las cosas; la introducción de secuencias de suspenso y personajes sin fundamento (¿cuánto le pagaron a Tim Robbins por humillarse?) para demostrar que unida, la familia es bien bonita, funciona mejor y hasta se vuelve indestructible... así una y otra vez hasta que la resolución termina por hundir la no-trama y la majestuosa producción, retomando entonces el argumento biológico-científico de Wells y dándole en la torre a la seudo construcción de la trama.
¿Alguien más se sintió robado tras el insulso y barato final? Tal cual escribí en el blog de mi mainta: sólo faltó que el estreno de esta cinta ocurriera en el día de su máximo orgullo, el 4 de julio como para dejar claro que sin ellos, el resto del mundo no es nada. Por lo menos no fue así y tampoco ocurrirá con Fantastic Four, quienes aún siendo superhéroes neoyorkinos, hasta caen bastante mejor que Tom Cruise en el rol de super papá. Hasta aquí mi humilde opinión.

Mini epílogo
Para acabarla de amolar, la función a la que me metí estuvo antecedida por el trailer de King Kong, la siguiente proeza de Peter Jackson. Me pregunto: ¿quiso de verdad rescatar al gorila gigante o demostrar que, al igual que Spielberg con Jurassic Park, él también sabe cómo domar a los dinosaurios? Temo haber visto la siguiente y costosísima decepción cinéfila del año. Más lo que se acumule.

Del viejerío para tod@s

2005-07-02T00:53:00.000-07:00

A menos que usted, apreciable lector, tenga razón de peso para celebrar algo el día de hoy, sábado dos de julio (tal como nuestro señor presidente), y a todas luces desee evitar el congestionamiento en la zona alrededor del Angel de la Independencia, vale más la pena que se dé una vuelta por la Cineteca Nacional, donde dará inicio la Segunda Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la Televisión.
Consecuente a una primera muestra celebrada en 2004 con la intención de promover, rescatar, disfrutar y conocer el trabajo de mujeres en la industria cinematográfica, esta segunda recopilación se visualiza no sólo mejor organizada, sino más rica en términos de la recopilación de trabajos que se proyectarán y de actividades paralelas que enriquecerán la experiencia.
Teniendo a Alemania como país invitado (aquí no hay espacios para rencores como en el futbol) y a Estados Unidos en un sitio especial dentro de la programación, hasta el 9 de julio se exhibirán poco más de 31 cortometrajes, 36 mediometrajes y 11 largometrajes mexicanos, cinco de los cuales recaen en el género documental. Cabe destacar que esta muestra serña el espacio para el estreno de Las Buenrostro, segundo largometraje de la directora Busi Cortés, quien por fin exhibirá su trabajo luego de 17 años de haber producido su ópera prima.
En estos días pisarán la Cineteca en carácter de invitadas especiales las alemanas Doris Dörrie y Silke Johanna Räbiger, así como las directoras Georgina García, Catherine Tambini y Lourdes Portillo. Reconocida por su trabajo sobre los feminicidios en Ciudad Juárez Señorita Extraviada, Lourdes Portillo ofrecerá además un taller de montaje documental, en el que estudiantes en activo con proyectos en curso, podrán debatir con la directora el próximo 8 de julio.
El programa de actividades incluye un apartado sobre 50 años de documental mexicano de mujeres, una exposición fotográfica en colaboración con el Instituto Nacional de las Mujeres (Inmujeres) titulada "Equidad de miradas" así como dos mesas redondas: una sobre mujeres vinculadas con la difusión y promoción y otra sobre el género documental.
Y para quienes aún tenían dudas sobre el peso de las mujeres en el devenir del cine nacional, Alfredo Joskowicz, director del Instituto Nacional de Cinematografía (IMCINE), anunció a los medios durante la presentación de esta muestra, que el presupuesto de la institución que encabeza, al 26 de junio, contempla el apoyo a 36 largometrajes, seis de los cuales serán dirigidos por mujeres.
Escaparate para la exhibición, la asociación civil Mujeres en el Cine y la Televisión, capítulo nacional de WIFT International (Women in Film and Television) pretende también forjar lazos entre las creadoras a nivel internacional, pues espacios como éste buscan conformar un punto común de encuentro para conocerse mutuamente, fomentar la investigación del quehacer global femenino en el cine así como proyectar trabajos conjuntos.
"Para el público y para las creadoras de cine, es un momento especial para reflexionar sobre las dificultades y los logros de lo hecho por mujeres en la cultura [...[ si alguna vez se supera esta crisis del cine mexicano, el porcentaje de mujeres en cada área del cine irá creciendo", escribe Sabina Berman en la presentación de esta segunda muestra. Si en algún momento de nuestra historia la equidad de género deja de emplearse como bandera y de usar recursos del erario para diferenciar los sexos, espacios como éste serán parte de una arcaica historia.

La crisis de las treintonas, pre-Bridget
"A una mujer de 30 le cae antes una bomba que un hombre", es la triste realidad que todo mundo le escupe a Fanny Fink, una vigilante aeroportuaria que manipula los equipajes vía rayos x en Alemania.
Con un trabajo estable, piso en un mugriento edificio y muy poco cuidado de su imagen personal, la directora Doris Dörrie ofrece en su cinta Nadie me quiere (Keiner liebt mich) una estupenda radiografía de la mujer treintona en Alemania, en la búsqueda -aparentemente perdida- de su carrera sentimental. Algo así como Bridget Jones sin su diario, pero muchos años antes de ese éxito comercial de Renee Zellweger dirigido por Sharon Maguire.
La vida comenzará a sonreirle a Fanny el día que acude con Orfeo, un vecino travesti africano de habilidades chamanescas, quien por unos marcos le pronostica que el amor de su vida está a punto de tocar a su puerta... y tal cual el nuevo administrador de la citada pocilga hará acto de presencia para robarle su corazoncito.
Esta gran alegoría que Dörrie elabora sobre el romanticismo en época de pesadumbre (ojo a los ambientes fríos, lluviosos), a pesar de no ser nueva y de haber permanecido inédita en México (la cinta es de 1994), continúa vigente y las fórmulas más comerciales las han reproducido con mucho éxito (incluso ya sé de dónde Beatriz Espejo sacó su cuento sobre el dildo que le confiscan a una pasajera a punto de abordar...)
La chispa de esta directora es tal que actividades como inscribirse a un curso sobre la "muerte predeterminada" en el cual los participantes preparan la antesala de su suicidio o comerse una sopa con la foto hecha pedazos del ingrato que ha roto el corazón ("sólo lo olvidarás si lo expulsas", ¡aunque deba pasar por los intestinos!), parecen tan naturales en la cinta pero totalmente deschavetadas para quien las hace conciente.
Nadie me quiere fue la cinta escogida para la apertura de esta Segunda Muestra de Mujeres; para abrir boca al resto de la selección de miradas femeninas sobre el mundo de hoy (y ayer) que nos tocó vivir.

Box ofis @ 24-26 junio 05

2005-06-27T22:13:00.000-07:00

No puedo expresar otra cosa sino mi frustración tras no haber podido ir al cine el pasado fin de semana. Desde hace un par de meses mi fin de semana es de apenas un solo día (domingo), ya que los sábados estoy de tiempo completo en el proyecto de mi propia línea de playeras.
Como sea, los cuatro estrenos comerciales de este periodo no le hicieron más que cosquillas al comportamiento del box office, el cual sigue exactamente en las mismas posiciones que la semana anterior. Justo leía un artículo donde se hablaba que la taquilla en Estados Unidos va en picada a comparación del 2004 (luego de que en semana santa el pasón de Cristo de Mel Gibson fuera el trancazo más jugoso de los últimos tiempos, con 55 millones de pesos de ingresos en sólo tres días), y que para haber comenzado ya el verano, las ganancias no serían las mismas. Claro, hablamos del país origen del 90 por ciento de las películas que llegan a nuestro país, cuyas ganancias seguramente levantarán el ánimo cabizbajo de los productores que no han recuperado lo que esperaban en su propia tierra...
Todo este choro para ver que en apenas dos semanas de exhibición, Madagascar ya metió más de 115 millones de pesos en taquilla y fue vista por tres millones 200 mil individuos. En la distribuidora UIP han de estar felices de la vida con estos resultados y han de estar apostando una gran e igual apertura ahora que está por estrenarse La guerra de los mundos.
En el segundo lugar, cada vez más lejos de poder darle pelea a la cinta de los animalitos cuadrados animados, Batman Begins no pudo superar el número de gente que acudió a verla a dos semanas de su estreno y para acabar las "novedades", Mr. & Mrs. Smith sigue en tercer sitio de la preferencia popular, y para estar alturas dos millones 600 mil personas casi han metido 100 millones de pesos en taquilla. Y mientras tanto, en Cinexcusas seguimos regalando playeras de la cinta estelarizada por la no-mala Angelina Jolie.
Aún juntos, los cuatro estrenos que se sumaron a la cartelera ni siquiera llegan a la mitad de copias con las que las películas punteras siguen generando bonos, así que quien tenga oportunidad de ver la última de Paz Vega (en Di que sí) o una de karatazos tailandesa (y no hongkoniana, como suele suceder), no deje de ver El nuevo dragón.
Con todo y mi coraje atorado de no haberme escapado al cine, aquí comparto cómo les fue a las cintas en cuestión. Lo bueno es que no veo la hora de ir este jueves a la premiere de F4. Como nunca estoy que se me cuecen las habas y ya les compartiré cómo está la nueva movida de Marvel.

Lugar Título Copias Semanas Ingreso [1] Asistentes [2]
1 Madagascar 382 2 115 millones 830 mil 3 millones 323 mil
2 Batman Begins 377 2 85 millones 379 mil 2 millones 418 mil
3 Mr. & Mrs. Smith 353 3 96 millones 794 mil 2 millones 617 mil
6 La isla maldita 60 1 Un millón 421 mil 35 mil cabezas
10 Al otro lado 67 4 13 millones 740 mil 384 mil mexican@s
11 El nuevo dragón 50 1 597 mil pesitos 15 mil tipirines
13 Di que sí 60 1 549 mil pesitos 13 mil 600 fans de Paz Vega
18 Amor sin fronteras 8 1 221 mil pesitos 5 mil personitas especiales
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1 y 2, acumulados

Box ofis @ 17-19 junio 05´

2005-06-21T23:12:00.000-07:00

Esta última semana ni los pronósticos no deportivos me han salido...
Quien tuvo gana de pisar el cine en el fin de semana pasado, y tuvo a bien consultar la cartelera vil y pura de periódico, se habrá topado con que tres cintas acaparaban la mayor parte de las salas aún en complejos con más de siete alternativas. No había mucho de dónde escoger: sólo hubieron dos grandes estrenos, Madagascar y Batman Begins y la gran apertura que tuvo siete días antes Mr. & Mrs. Smith se sentía aún presente.
El punto donde me equivoqué fue en menospreciar la gran comunidad de seguidores de películas de animación que en estos días se volcaron al cine y situaron a la nueva producción de Dreamworks, en el primer lugar del box office, por encima de los otros seguidores de superhéroes de cómics, quienes creí inocentemente que otorgarían a Batman y su esperado regreso, los más grandes y jugosos rendimientos en taquilla. No fue así, con todo y que, personalmente, la película de los animalitos me gustó en ratos.
Para acabar pronto, Madagascar superó la apertura que tuvo hace casi un mes el Episodio III de Star Wars, lo que en número de espectadores representó un millón 376 individuos que dejaron una derrama económica de casi 51 millones y medio de pesos...
Hasta ahora, a casi medio año de este 2005, sólo Robots, curiosamente también película de animación en 3D (sólo que producida por otra de las compañías de enfrente), metió en taquilla más de 25 millones de pesos en su fin de semana de estreno, lo que la sitúa en la tercera mejor apertura hasta la semana pasada. Cabe aquí recordar que ni el estreno de Los increíbles, en diciembre de 2004, supera la apertura de Madagascar, pues en aquellos ayeres la oscareada cinta de Pixar metió casi 38 millones de pesos y la vimos sólo un millón 36 mil cinéfilos en su primer fin de semana.
¿Será que Dreamworks vuelve a dar competencia de peso completo con Madagascar? ¿Será que la presencia en México de Ben Stiller y Chris Rock dieron un gran empujón a la promoción de la cinta? ¿Será que menosprecié por mucho la capacidad de sorprendimiento de esta película? ¿Y que hay de los seguidores de Batman? A fin de cuentas la cinta de Christopher Nolan adelantó en dos días su exhibición... pero metió apenas la mitad de espectadores a los cines a comparación del zoológico animado.
En fin, "así es esta tienda de abarrotes llamado cine", citaría mi amigo el Erico, patrocinador del box ofis (a quien le mando un fuerte abrazo esperando su columna esté cada día más vertical). Y ya veremos qué tal le va a la segunda apuesta de Marvel Comics en este año, cuando se estrene y lleguen a México, Los Cuatro Fantásticos. Confirmada la presencia de Cinexcusas en el junket que este nuevo dream team neoyorkino ofrecerá en nuestro país.

Lugar Título Copias Semanas Ingreso [1] Asistentes [2]
1 Madagascar 380 1 51 millones 494 mil Un millón 376 mil
2 Batman Begins 376 1 28 millones 800 mil 721 mil 600
3 Mr. & Mrs. Smith 361 2 75 millones 282 mil Un millón 998 mil
4 Episodio III 275 5 162 millones 574 mil 4 millones 449 mil
7 Al otro lado 104 3 12 millones 221 mil 341 mil
38 La última noche 4 8 26 millones 44 mil pesitos 762 mil
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1 y 2, acumulados

Madagascar. Yo me quedaba en NY

2005-06-17T10:55:00.000-07:00

Personalmente creo que el penguin squad, se roba -y merece- la película © Dreamworks
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Hace una semana que se encontraban de visita promocional en México Ben Stiller y Chris Rock para hablar sobre Madagascar, la última cinta de animación de los estudios Dreamworks, Jeffrey Katzenberg, productor ejecutivo y  socio de esta casa productora, afirmó que el trabajo ni tenía una agenda ecológica en su temática y que el estilo empleado pretendía rendir un homenaje a la animación de los estudios Warner por allá de los años 40.
Desde mi particular punto de vista y sin ser un conocedor total de animación, creo que Madagascar se pasó de tueste y es mucho más cercana a lo que Dreamworks ofreció en Antz (Darnell, Johnson, 98), aquel primer experimento donde unas horribles hormigotas de cabezas cuadradas, nos dejó con el ojo ídem en cuanto a las posibilidades ténicas se refiere. Nada más. Con Madagascar, creo, la compañía de animación no se supera ni logra sorprender, con un producto más bien para los niños.
La historia de unos pobres pero felices animalitos que viven en el zoológico de Central Park y que por accidente se enteran de que hay un mundo más allá de la jungla de concreto nos la sabíamos ya desde el trailer. A un poco más de profundidad e intimidad llegan los lazos entre Alex, el rey león-estrella del espectáculo al público (Ben Stiller en la voz original, Ricardo Tejedo, en el doblaje al español), Marty la zebra, su mejor amigo, quien en su último cumpleaños pide como deseo conocer más allá de lo evidente (Chris Rock / Alfonso Obregón) y les acompañan Gloria la hipopótama (Jada Pinkett Smith / Dulce Guerrero) y Melman (David Schwimmer / Ricardo Mendoza), la hipocondriaca-hasta-el-hartazgo jirafa.
La manzana de la discordia ocurre cuando un sensacional cuarteto de pingüinos (quienes originalmente son los que desean escapar del lugar) emprende la huida del zoológico, con destino inicial a la Antártica pero dejando en el camino a los personajes antes citado por accidente. El resto, es una mini aventura en el lugar que da título a la cinta combinado con la eterna novela de Stevenson: Dr. Jekyll & Mr. Hyde.
¿Qué valía se embolsa Dreamworks? Sin duda, la sorprendente recreación 3D neoyorkina, con todo y Times Square, Grand Central Station, Fifth Avenue y el Rockefeller Center, nada gratuita pues el trabajo les tomó cuatro años realizarlo empleando un equipo de 240 individuos. Del mismo modo, la animación simultánea de tantos elementos selváticos una vez en Madagascar, pues prácticamente cada plantita (50 de ellas fueron diseñadas exclusivamente para este fin, son endémicas de Dreamworks, por decirlo así) cobra vida y... los geniales pingüinos. Hasta ahí.

Como toda buena cinta que emplea a NY de referente, no podían faltar unas tomas en los íconos de esta ciudad. Muy bien logrados, por cierto. © Dreamworks

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El resto, incluyendo a los personajes principales, a ratos se ve demasiado cuadrado (de aquí el símil con Antz); la greña de Alex es constante (no como en la compañía de enfrente, donde desde Monsters Inc. y The Incredibles cada cabello tiene su propio movimiento, luminosidad y sedosidad, tal cual comercial de shampoo), lo que puede ser virtud o desventaja, pues el modelaje y detalle de Dreamworks parece no superar trabajos anteriores.
Por otro lado, la añadidura de los lemures y su estilo de vida parece tomada de videoclip de Ricky Martin con todo y livi´n la vida loca, a lo que se añade en la versión doblada al español, un acento costeñito de los poco afortunados primates.

La recreación de Grand Central Station, también es sorprendente. © Dreamworks
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En conclusión. Los niños seguramente gozarán de personajes extremo insulsos que inteligentes, torpes que audaces. Los peluchitos de Alex y Marty se estarán vendiendo muy bien. Pero todo el público mayor que con Shrek encontró en Dreamworks a la compañía que se pitorreaba de todo lo habido y por haber en fantasía y dibujos animados, con Madagascar, no encontrará un producto igual de crítico. Sí divertido (y eso a ratos), más no de gran competencia  a pesar de sus contadas virtudes técnicas.

Batman Begins o la película que nos debían

2005-06-16T09:15:00.000-07:00


Un nuevo héroe sobrevuela Chicago... o Ciudad Gótica, p´al caso. © Warner Bros
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Hacía ya meses que no me metía con la barriada al cine, en miércoles de descuentazo. Tuve que hacerlo luego de quedarme fuera de la premiere de Batman Begins, el "oscurantísimo" regreso de DC Comics al celuloide con una franquicia que ni ellos mismos quisieron revivir hasta no tener certeza de hacer un producto de mejor calidad.
Así me la rifé en una larga fila de insóplidos que en las manos cargaban con todo y chamaco-itacate-palomero-nachero-jochero con vasos metalizados bien trendy con la figurita de la película. La gran parte de ellos aplaudieron el final. Ese fue el precio de haber ido ayer al cine.
Pero bueno, lejos de la anécdota, a inicios de este 2005, cuando salió el poster teaser de la cinta, me preguntaba si este regreso tendría a bien reivindicar al personaje del atormentado Bruce Wayne, quien se había representado en todo un verdadero jolgorio que pecaba de villanos e historias insulsas (con todo y sus antenitas sacudiéndose en intensos vaivenes mientras corría detrás del frío malo -ahora convertido en gobernator- en Batman and Robin. -Schumacher, 97-). La promesa de endilgar el muertito a un joven director británico como Christopher Nolan proporcionaba respiros a boca abierta. Sin embargo...
Desde la estética de la cortinilla inicial, hay elementos que parecen copiados de Marvel Comics. Ciudad Gótica dejó de ser la tan acartonada y elevada ciudad de estudio para convertirse en un nocturno Chicago, violento, inseguro como el D.F., pestilente e indigente. Pero eso sí, con segundos y terceros pisos donde corre un monoriel, invento del mismísimo Thomas Wayne. Y para mayor osadía, en el epicentro del lugar se erige el monumento al imperialismo de dicha familia, además de las tuberías del agua (?)
Pero aún cuando los creativos de DC Comics se quieran poner las pilas, ni recurriendo a que Bruce Wayne es un mortal (eso sí, ricachón, de cuyo futuro ni ha de preocuparse y que en sus ratos de playboy puede incluso comprarle emporios hoteleros a símiles de los Hilton), Batman podrá parecerse en complejidad, a la sencillez y cotidianidad que enfrentan los personajes de la compañía de enfrente.
Y si de algo se prendió el director Christopher Nolan, fue precisamente de un rasgo humano para tratar de convencer que su cinta es chida -oscura, como seguramente rezan todas las reseñas del momento- y todo lo que se haya hecho atrás, muy atrás (incluyendo la panza de Adam West) no tiene nada que ver.
Estoy hablando del miedo. Del temor de Bruce Wayne a los murciélagos. El mismo miedo que quiere infundir en los criminales a los que vencerá. El miedo que conoció mediante un choque de frente, con la que se convertiría en la mismísima baticueva. Y por quien no lo sabía, en los orígenes, entrenamiento y hasta primer amor de Wayne está basada esta cinta, a todas luces, de mejor manufactura que lo que hubo detrás (sólo el primer Batman de Tim Burton alcanza a defenderse, créanme).
Ahora bien, alguien respóndame una inconsistencia entre este "presente" y la filmografía pasada: ¿no era el Guasón el responsable del homicidio de los papás de Bruce Wayne? ¿Tendremos que soplarnos ahora pre-pre-pre cuelas para justificar los errores de la filmografía anterior?
De aplaudirse el casting, con unos efectivísimos Michael Caine (como el inseparable mayordomo Alfred) y Morgan Freeman (mente ejecutora de las armas y nuevo batimóvil seudo-hummer-acorazado-de-guerra). Liam Neeson (Ducard, guerrero de la Legión de las Sombras que entrena a Bruce muy al estilo de Qui Gon Jinn con Obi Wan); Christian Bale en el estelar sí es un Batman diferente aunque por la fuerza deba hacer más aguardientosa la voz enfundado en el traje de kevlar. Y Katie Holmes... se ve muy linda, pero nada más.
¿Conclusión? Desde el título, esta es la película que a los seguidores del personaje alado quedaron a debernos hace ya 15 años, antes de lo que hizo Tim Burton. Sin embargo, a pesar de lo "atractivo" y "diferente" de la cinta, me queda una sensación que DC Comics llega tarde cuando gran parte del pastel ya se lo ha comido Marvel (la expectativa por su siguiente apuesta, Fantastic Four es enorme).
Y si comparamos el grado de identificación que el espectador encuentra cuando el comic brinca a la pantalla grande, tratando de convencer que su vida es como la de cualquier otro simple mortal que se enamora, lo zapean y hasta lo manda a volar la galana... me quedo con Marvel. Pero no por ello no compré mi gorra con el pin de Batman Begins.

Box ofis @ 10-12 junio 05´

2005-06-14T08:02:00.000-07:00

Si el centro comercial Santa Fe fue la locura la semana pasada donde muchos (as) nos arremolinamos para ver, aunque fuera de lejos, a Angelina Jolie y Brad Pitt, era consecuencia que los ingresos en taquilla de su cinta Mr. & Mrs. Smith tuviera aún más respuesta por parte de quienes se quedaron con las ganas y se enteraron de la noticia (y vieron las fotos) en los medios.
Lo sorprendente es que el estreno, en tan solo cuatro días, metió casi a un millón de espectadores en las salas de la capital, con un número de copias (362) muy cercana a la manera como abrió el Episodio III.
Así, la pareja Smith le tumbó las aspiraciones a George Lucas de seguir siendo el número uno en el box office semanal, y para la distribuidora 20th Century Fox de México, se convirtió en la segunda apertura más grande en lo que va del año (seguida del Episodio III) y la cuarta más grande en su historia. Meter casi a un millón de personas en el cine... ni Fox ahora que celebre la añeja victoria del 2 de julio.
Por supuesto, el resto de las cintas que se estrenaron (como Detrás de la puerta y La verdad y la mentira), hacen sombra a las cantidades que a continuación ofrece este reporte semanal.

Por cierto que...
Aprovecho este espacio para agradecer a todos quienes con sus visitas y sobre todo comentarios, han enriquecido este blog sobre cine. Cada vez más, Cinexcusas se está convirtiendo en una fuente de información para buscadores en internet, así como un rincón de reseña alternativa a lo que ya existe. Muchas gracias a tod@s por sus comments, porras y periodicazos. También a la que me cambió el password queriendo bloquearme y a quien tumbó las fotos originales en flickr.com. La ardidez no tiene límites.

Lugar Título Copias Semanas Ingreso [1] Asistentes [2]
1 Sr. y Sra. Smith 362 1 36 millones 400 mil 900 mil 800
2 Episodio III 371 4 157 millones 4 millones 288 mil
3 Golpe bajo, el juego final 248 2 17 millones 500 mil 464 mil
4 La casa de cera 238 2 14 millones y medio 404 mil
4 Al otro lado 190 2 10 millones! 277 mil
12 Detrás de la puerta 18 1 478 mil modestos pesos Nueve mil
29 La verdad y la mentira 8 1 Ni cien mil pesos 2 mil personitas
31 La última noche 20 7 25 millones 900 mil! 760 mil
91 Manos libres 2 10 4 millones 300 mil 124 mil
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1 y 2, acumulados

Mr. & Mrs. Smith. ¡Como para matarlos!

2005-06-10T07:45:00.000-07:00

Y el destino unió a tan adorable y mediática pareja... © Regency Enterprises
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Los dos mejores agentes asesinos a sueldo del mundo (James Bond, Ethan Hunt, Matahari et-al ya son historia) se encuentran en una terapia para salvar no a su país de las manos del terrorismo, sino para rescatar su matrimonio.
John Smith (Brad Pitt) y Jane Smith (Angelina Jolie) tienen memorias independientes de lo que ha pasado en estos cinco ó seis años (según quién lo recuerde) que llevan juntos. Sus trabajos son igual de confidenciales (él, ingeniero en una constructora, ella, una máster en sistemas informáticos a cuyos pies el internet se doblega), tan así que por las mañanas se ven al salir de la cama y es hasta la noche, cuando se vuelven a poner las argollas de matrimonio para encontrarse en la cena.
Señores, olvídense de sus frustraciones conyugales y lo aburrido de su vida. Dispóngase este fin de semana a ver Mr. and Mrs. Smith, cinta de estreno que, por si aún no lo leyó, escuchó o le chismearon, sus protagonistas vinieron a promocionar a Santa Fé en un gran ejemplo de cómo hacer una cinta de acción con todo pisa y corre, pues sólo estuvieron un par de horas y ni se dejaron apapachar lo suficiente. ¡Pero qué diablos! La cinta es inversamente divertida.
La pareja de “solteros” más asediada mediáticamente es la encargada de opacar todos nuestros conflictos conyugales clase medieros. Viven en una lujosa mansión neoyorkina; ella, a bordo de un Mercedes Benz, él, prefiere un Cadillac. La cena con todo y velas se sirve a las 19:00 horas. Son los vecinos perfectos y a pesar de sus identidades secretas, son muy sociables. ¿Cuál es el problema entonces? Que no se aman. ¿Sexo? Ni contarlo con los dedos de una sola mano.
Ya en este espacio he hablado de lo que pasa con las mujeres mal tupidas y obsesionadas con un tipín. Por el contrario, los tipines que suman a sus haberes féminas cual conquistas terrenales, sin el mayor interés. Sí, Mr. & Mrs. Smith es una efectiva y lúcida comedia que al espectador lo hará reir o caer de modo sublime ante el encanto de sus intérpretes. Pero en el fondo si hay algo de mayor valía es precisamente eso, se trata de una cinta sobre conflictos de pareja, cuando la pérdida (o escasez) de amor, se vuelve el día a día y termina por agotar cualquier paciencia.
El encargado de unir a la pareja más controversial fue el director Doug Liman, quien se ha enfocado en películas de acción lo suficientemente vertiginosas (desde la muy modesta pero sensacional Go! con tres historias entrelazadas simultáneas hasta The Bourne Identity, con Matt Damon corriendo despavorido) para reuinir en Mr. & Mrs. Smith lo mejor que ha podido lograr y más: explosiones, persecuciones en carretera, equipamiento bélico de alto nivel, estrategias militares, ad infinitum.
Aunque pareciera que cada Smith se maneja solo, cada quien trae consigo una serie de auxiliares que les orientan en sus acciones. Por ello, no resulte raro encontrar parecidos al equipo de Jane Smith con las Angeles de Charlie (McG, 2000 y 2003, en Full Throttle), pero claro, sin opacar ni los encuadres de los estelares ni mucho menos la historia. En el caso de Mr. Smith se trata de Vince Vaughn (Psycho, Be cool), un grandulón que aún vive con su madre, por ser quien en más confía.
Ojo a los grandes salpicones de humor a la cinta y a los pequeños detalles (la bota auto meada en el desierto, la playera de Fight Club que porta el “villano”), pues de ellos está repleta la cinta. Ahora bien, este fin de semana cargue con su señora-pareja-peor-es-nada al cine, relájese y dispóngase a reír un buen rato.Si la simpleza no se lo permite, de menos disfrutará de un buen taco de ojo. Al final evite preguntar si habrán segundas partes o si en la vida real los protagonistas se unieron sentimentalmente; eso déjeselo a las revistas de chismes.

Box ofis @ 3-5 junio 05´

2005-06-08T07:13:00.000-07:00

Imparable. No hay manera de frenar la venganza de los Sith en cartelera.
A tres semanas de su estreno en México, el Episodio III sigue constante en el número de copias con que se exhibe (365, sólo en el D.F.) y metiendo tanta gente como el equivalente a la que entró a los otros dos "grandes" estrenos del pasado fin de semana.
Es decir, ni el remake de Adam Sandler (Golpe bajo) ni la bobalicona Paris Hilton corriendo despavorida para salvar su pellejo antes de ser convertida en figurita de museo (La casa de cera) pudieron, juntas, meter a toda la gente que vio el Episodio III en este periodo. Ni qué decir de otros estrenos menores en capacidad de impacto.
Nada mal para las condiciones a las que enfrentó, Al otro lado, segundo largometraje de Gustavo Loza, quedó en el cuarto lugar del box office, aunque con menos de 200 copias y una agresiva campaña de promoción que la tuvo de boca en boca por todos los medios -casi- , fue vista por apenas 98 mil individuos, incluido el autor de este espacio.
A la par se estrenaron también dos películas egresadas de la XLV Muestra Internacional de Cine, ambas de gran valor y listadas en Cinexcusas como dos de mis favoritas. Me refiero a Un crimen inconfesable (The woodsman) y Las tortugas pueden volar. Ambas quedaron en las posiciones 18 y 22, respectivamente, y metieron a 11 y 7 mil personas aproximadamente, cada una.
Como desde hace ya un par de meses, hay por ahí un par de películas nacionales que siguen dando sus patadas para que no las dejen salir de cartelera. Instaladas en el sótano. Publico las cifras con que se mantuvieron con vida el pasado fin de semana para que puedan compararse con el monstruo que George Lucas que les da batalla. Hasta el próximo reporte.

Lugar Título Copias Semanas Ingreso [1] Asistentes [2]
1 Episodio III 365 3 143 millones y medio 3 millones 890 mil
2 Golpe bajo 247 1 8 millones 100 mil 195 mil
3 La casa de cera 235 1 6 millones y medio 163 mil
4 Al otro lado 193 1 4 millones 67 mil pesitos 98 mil 200
11 Guía del viajero 118 1 Un millón 198 mil 30 mil 700
intergaláctico
18 Un crimen 20 1 503 mil pesos 11 mil 300
inconfesable
22 Las tortugas 11 1 322 mil pesos 7 mil 200
pueden volar
62 Club Eutanasia 6 7 3 millones 700 mil 106 mil
80 Manos libres 5 9 4 millones 311 mil 124 mil
96 Cero y van cuatro 1 26 10 millones 206 mil 299 mil
100 Adán y Eva, todavía 1 12 165 mil pesitos 4 mil 380 individuos
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1 y 2, acumulados

Al otro lado... de los charcos

2005-06-05T15:37:00.000-07:00


México, Cuba, Marruecos. ¿Hay mejor vida del otro lado del mar? © Cortesía Decine
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Correspondiente a una oleada de visiones internacionales donde el común denominador es la infancia cercenada por la peidofilia, la violencia física y/o sicológica o el abandono, es de notar que un mexicano como Gustavo Loza, que desde su arriesgada ópera prima decidió enfocarse al público infantil (me refiero a Atlético San Pancho, hace cuatro años), regrese con un segundo trabajo justo en esta última vertiente, acobijado por el UNICEF y el Fidecine para concretar una triada de historias.
En Al otro lado, cinta que se estrena comercialmente en este fin de semana, conviven tres historias sobre la infancia interrumpida, aquella donde la figura patriarcal se encuentra ausente, sea por la búsqueda de un mejor nivel de bienestar (la migración a tierra más pudiente) o el completo abandono.
Enclavado a las orillas del lago Zirahuén, Michoacán (estado que junto con Jalisco y Guanajuato concentró la tercera parte de los emigrantes a Estados Unidos durante el quinquenio 1995-2000, según un estudio del Senado mexicano), Prisciliano ve partir a su padre “al otro lado”, a escasos días de su cumpleaños y quedando como el "hombre de la casa". Rodeado de viejos borrachos a quienes la vida les ha pasado por alto frente a los ojos (incluyendo a su tío, un Héctor Suárez que brinda un estupendo soporte a la historia), ve fácil su destino en tanto logre llegar al otro lado, pero del lago, en una esperanza de alcanzar a su padre.
De México la esperanza viaja a Cuba, donde Angel, un segundo menor de edad, intenta emprender a nado una travesía por el Atlántico hasta Nueva Yolk, donde la estatua de la libertad sería el emblema que le hiciera saberse en la tierra de la prosperidad en la cual encontrar a su desconocido padre.
La triada de historias se completa con Fátima, una decidida niña marroquí cuyo padre partió hace siete años a Málaga, España, en búsqueda de trabajo. Para ella, llegar “al otro lado” pero del Mediterráneo, resultará una empresa nada sencilla, de la cual escapará venturosamente de manos de una red de prostitución infantil.
En Al otro lado las historias no se lazan entre sí, al menos no a nivel de sus personajes. Probablemente una de sus más grandes flaquezas sea mostrar estos pasajes donde a final de cuentas hay vencedores y vencidos y tal vez por caminos muy fáciles (ojo a la fantasía en la "leyenda" de Eréndira, una princesa purépecha y a la filatropía de la española que lidera una banda de traficantes). Sin duda, su más grande virtud, como en todas las películas –bien logradas- que atacan a este público, son los niños, quienes afloran naturalmente sin cuadrarse como actores frente a una cámara.
En el cine mexicano reciente encontramos dos cintas cuya naturaleza está enfocada al público infantil. La más reciente fue Voces inocentes, de Luis Mandoki, donde por los ojos y el corazón de Chava (el menor Carlos Padilla) vemos la guerrilla salvadorense en tiempos del Frente de Salvación ochentero, así como el horror de, nuevamente, una infancia cercenada, a causa del terrorismo. El segundo ejemplo ocurre en Carlos Bolado, quien haciendo mancuerna internacional al lado de B. Z. Goldberg y Justine Shapiro, construyeron con Promises (2001), un docudrama donde los directores lograron reunir a niños judíos y palestinos cuyas ideologías han permanecido en guerra por años. Me remito a ambos ejemplos sin contar la ópera prima del propio Loza, que en 2001 inyectara gran cantidad de promoción-promocionales vía un refresco de Cola, para hundirse en taquilla con una pretenciosa-inocentona historia panbolera infantil de llano.
De ahí en fuera, párele de contar, querido lector. No hay más cine nacional que para bien o para mal, busque no sólo interesar al público infantil, sino también pretenda reunir a la familia mexicana en un buen rato para quedarse pensando en la importancia de mantenerse unidos (y eso que Al otro lado no se estrenó en pleno "Día de la familia", lo que probablemente pudo haber sido un gancho mercadológico efectivo).
Es por ello, que celebro el regreso de un creador como Gustavo Loza con Al otro lado, una cinta dedicada a sus propios hijos mucho más conciente, más madura y que, a la vanguardia que otros directores en el mundo, contribuye con su granito de arena (¿o debiera decir fotograma en celuloide?) para plasmar efectivamente tres historias de infancia cercenada. Y de aquí, las que se sigan acumulando.

Misoginia + desinterés político = Ciudad Juárez

2005-05-29T00:28:00.000-07:00


¿Cuántas mujeres más necesitan caer antes de erradicar el genocidio en Juárez? © TV Azteca, IMCINE
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El de la violencia contra las mujeres en Ciudad Juárez y Chihuahua, es un problema exacerbado de misoginia. De falta de voluntad política para actuar. De discriminación extrema contra el género de más cuantía y valía en la localidad. De chivos expiatorios para apaciguar los ánimos temporalmente. Es un asunto de relevancia nacional e internacional, que va más allá de lo que al presidente Fox le tocó despachar, pues ya existía cuando llegó a Los Pinos. Esta y muchas otras conclusiones es lo que ofrece el documental Preguntas sin respuesta. Los asesinatos y desapariciones de mujeres en Ciudad Juárez y Chihuahua, de Rafael Montero.
Regresando a sus orígenes de vocación documentalista (que en la década de los ochenta lo llevara a producir cintas para el Instituto Nacional Indigenista), Montero, con quien tuviera oportunidad de tomar clases hace un par de años, es claro al definir que Preguntas sin respuesta es una película para quien "sabe de oídas", que no ha leído sobre la violencia contra las mujeres al norte del país.
Y el resultado es exactamente una reproducción de testimonios: una y otra madre confesando a cuadro cómo es que las hijas desaparecieron misteriosamente, cómo la justicia se ha cruzado de brazos en las investigaciones. Narraciones detalladas de esos encuentros brutales con los restos mortuorios, violados en vida, acuchillados, mutilados, desvestidos. Abandonados en medio de la nada del desierto. Abandonados por una sociedad que ha hecho de la nota roja un estilo de vida, y de las respectivas fotografías descarnadas, el común acontecer de ocho columnas.
Narrado por el actor Héctor Bonilla y desarrollado en poco más de un año (la documentación concluye a finales de 2004), Rafael Montero contrasta las ambiguedades en el tratamiento del problema: la guerra de cifras entre homicidios y mujeres desaparecidas (ni el gobierno federal, la PGR, Amnistía Internacional o el Instituto Chihuahuense de Justicia coinciden en el número exacto, que va de 15 y hasta al menos, 370 asesinatos); el alzamiento y resistencia de la sociedad civil, encabezado por las madres afectadas; las falsas promesas de los gobernadores en turno para "regresar" con vida a las desaparecidas (desde Francisco Barrio en 1993 a José Reyes Baeza, en la actualidad) y lo que es aún más el colmo: pruebas de ADN que tomaron hasta cuatro años para llevarse a cabo no sólo para corroborar que efectivamente se trataba de una victimada en cuestión, sino para permitir la entrega del cadáver a sus familiares y así poderle dar (hasta entonces), santa sepultura.


Fiscalías y comisiones en la legislatura podrán ir y venir. Pero el problema ha tomado justicia por parte de la sociedad civil. © TV Azteca, IMCINE

¿Por qué Juárez? A través de múltiples entrevistas con docentes, periodistas e integrantes de ONGs, Montero hila varios elementos que parecen justificar el origen de la alerta: por Juárez para el 70 por ciento de la droga que se exporta a los Estados Unidos; poco más de la mitad del millón y medio de habitantes son mujeres que buscan oportunidades laborales en la industria maquiladora. Los victimarios son clasistas, pues dan preferencia a las féminas pobres, obreras, empleadas o estudiantes que no tienen una oportunidad de adelantarse a su sociedad. ¿Es la propia mujer causante de la violencia que impera contra sí en la localidad?
Exhibida durante el pasado Panorama de Cine Mexicano y programada en múltiples funciones a lo largo del próximo mes de junio en la Cineteca Nacional, Preguntas sin respuesta... es un documental (en formato de video, cuya proyección es en DVD) que requiere ser visto y juzgado por la sociedad, del mismo modo como lo hiciera en 2001 Lourdes Portillo con su documental Señorita extraviada (2001). Su director no escatima en señalar, a través de sus fuentes, a los responsables involucrados. La cinta por tanto, no se anda por las ramas y posee el coraje necesario para autosustentarse. Rafael Montero configura un documento veraz, oportuno y responsable, en cuyo caso el cine va más allá de elemento artístico para plasmar un punto de vista. Es una sensible aproximación a la realidad y al dolor de los deudos de las desaparecidas.
En estos tiempos donde la nota diaria oscila entre la sucesión presidencial y la desatada ola de violencia al norte del país, el de Juárez ha sido y seguirá siendo un asunto de alerta nacional que no puede atenderse con el mínimo menosprecio. Y en lo sucesivo, deberá requerir de muchísima más atención.

Corea y su cine están de moda

2005-05-26T01:03:00.000-07:00


El 40 por ciento de las localidades coreanas ocurre en su producción nacional. Serio mecanismo de defensa ante Hollywood. © Cortesía Cineteca Nacional
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Dice la historia que un 15 de mayo de 1905, mil 33 inmigrante coreanos llegaron a nuestro país vía Salina Cruz y fueron desplazados para trabajar en Mérida, Yucatán. Una manera fraternal de conmemorar las relaciones con ese lejano país en el oriente, la propone la Cineteca Nacional, en el ciclo titulado 100 años de la inmigración coreana a México.
En fechas muy recientes, exponentes del cine coreano han tenido ratos de gloria en la cartelera mexicana. En la pasada XLV Muestra Internacional de Cine (también organizada por la Cineteca), el director Im Kwon Taek retrató en Pinceladas de fuego a un célebre artista del siglo XIX en la meta por la cima del arte. Hace algunas semanas fue estrenada la cinta Las estaciones de la vida de Kim Ki Duk, de quien también se confió su trabajo Por amor o por deseo a los cinéfilos mexicanos, donde abordó el tema de la prostitución infantil en Seúl. Nada distante de una problemática sumamente discutida a nivel global.
Con este panorama es como una oferta de seis largometrajes inéditos en nuestro país serán proyectados en este ciclo, hasta que acabe el mes de mayo.

Un regalo antes de morir
A cuadro, una pareja de amigos-comediantes wannabe soportando el rol de patiños mientras aspiran a tener su propio programa. A Chung yong hi pareciera que sus padres no le perdonan el hecho de haberse casado con la huérfana Park Jung-yun, ni mucho menos el oficio al que eligió dedicarse.
La vida conyugal y los problemas que le aquejan, no son ni diferentes ni nuevos a comparación de lo que se vive del otro lado del mundo: lindo cortejo y noviazgo, pesadumbre bajo el techo donde se vive y en las camas (separadas) donde se duerme. El dinero no alcanza y hacerla de comediante no reditúa.
En el camino, un estafador de poca monta acompañado de su sensible guarro (ambos en look Men in Black) le pide 10 millones de wones a cambio de producir el show que los llevaría a la fama. El primer intento resulta fallido. En el segundo, usando ahora a la esposa como señuelo, sale a relucir el acabóse: sus días en esta tierra están ya contados. Y en vez de proseguir la estafa a su marido, se le prefiere perdonar para ocuparse del lecho de muerte.
Con su película El regalo, el director Oh Ki-hwan asombra con un pasaje muy desolador de la vida en pareja y sus brazadas para evitar ahogarse en el camino a la prosperidad. Sin caer en los lugares comunes del drama, aparenta darles la vuelta a los problemas, a sabiendas que ahí están, que tarde o temprano reventarán, desarmando así las posibles suposiciones del espectador.
Que más horrible paradoja de la vida: Park Jung-yun es dueña y administradora de una tienda de ropa y accesorios para bebé (llamada "Happyland") sin poderla disfrutar, pues su pequeño hijo murió tiempo atrás y acude a visitarlo a su tumba-árbol.
Qué más desoladoras escenas como aquella donde la madre se hincada frente a la tumba-pajar de su progenitora y le confiesa no sólo encontrarse en el lecho de muerte, sino la preocupación de cómo quedará su marido en esta Tierra y la mortificación sobre el hecho de no haber podido "hecho algo" por él. Qué colmos del absurdo: la pareja se sabe sus problemas (ella, la enfermedad mortal; él, fracaso en su trabajo y familia) pero en casa los evaden y cuando lo amerita, a escondidas, cada quien pide por la suerte del otro.
Qué ingeniosos diálogos en contraste: "ya es difícil el hecho de vivir", "vivo porque no puedo morirme", son las más atinadas declaraciones de los suegros que se redimirán ante su nuera luego de saber su fatal destino.
Es asi como la cinta acerca y arrebata a los personajes de sus fracasos y éxitos con sendos movimientos de cámara en dolly y grúas a placer. Dos caras ante la tragedia: la más amable, en flashback, que evoca la infancia de la pareja en cuestión cuando se echaban el ojo mutuamente a escondidas. La desagradable: el ocultismo de lo fatal, el hundimiento de la persona y su relación con el otro. El triunfo llega tardío. Pero la comedia siempre estará para hacer reír a los demás a pesar de la pena propia. Gran ópera prima de Oh Ki-hwan que además data de 2001.

Box Ofis @ 19-22 mayo 05

2005-05-24T20:32:00.000-07:00

Ni cómo darle pelea a George Lucas, ni ahora ni nunca más, aún cuando ya no "deba" entrega alguna de su historia Star Wars. El reporte de ingresos de taquilla indica que la gente se arremolinó a los cines desde el primer minuto del jueves pasado para presenciar cómo se levantaba Lord Vader. Hasta el domingo 22 de mayo, un millón 763 mil 333 mexicanos pagaron 70 millones 533 mil 355 pesos por sus respectivos boletos para ver el Episodio III.
Con ello, la distribuidora 20th Century Fox Film de México, alcanzó un nuevo máximo histórico en aperturas con la culminación de esta saga. Ni siquiera El Día después de mañana (Emmerich, 04), ni La Pasión de Cristo (Gibson, 04). Vaya, ni el mismo Lucas se había "superado" a sí mismo en cuanto a lucas se refiere depositadas por tantos fieles en el día de su estreno.
Un total de 87 por ciento de los cinéfilos que se dieron cita el pasado 19 de mayo, acudieron al cine para ver el Episodio III. Y quienes no lo han hecho aún no importa, el box office seguramente dará mucho de qué hablar en las próximas semanas y continuará inflando las arcas de Lucas Film.
Y al menos en este comentario con el resto del reporte de ingresos... ni vale la pena comentar cómo le fue al resto de las cintas que estaban en cartelera... por propia dignidad. Eso lo dejaremos para la próxima semana.
Mejor, aprovechando el boletinazo de Fox (la distribuidora, no nuestro atinado presidente que ya no sabe ni cómo salir de sus ídem comentarios), los números de tan históricas aperturas en cines mexicanos. Hasta el próximo reporte.

Película Fecha de estreno Ingreso en taquilla
Star Wars. Episodio III 19/05/05 70,533,355
El día después de mañana 28/05/04 59, 561,807
La Pasión de Cristo 19/03/04 54, 816,389
X-Men 2 30/04/03 33, 826,338
Star Wars. Episodio II 01/07/02 21, 211,439
Star Wars. Episodio I 01/07/99 25, 484,223

Real Mix. El referente cinematográfico lésbico-gay

2005-05-20T00:45:00.000-07:00


Si la comunidad ha salido del clóset ¿Por qué su cine no? © Cortesía Real Mix
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Mientras George Lucas se regodea por tener a su Episodio III en las mejores salas de cuanto complejo cinematográfico adquirió la cinta para exhibirla por un gran número de semanas, cabe hacer una pausa para hablar de mejores alternativas en cines que se alejan del imperio comercial en estos días.
Displays enteros con VCDs y DVDs piratas inundan las banquetas de la ciudad. Sin escarbarle mucho, ahí, escondidos o exhibidos sin el menor pudor, brincan títulos de pornografía barata, la infinidad de "cámaras ocultas" en cuanto motel de paso existe en la ciudad (catalogados por colonias) y hasta zoofilia. Pero en un lugar bien reservado para conocedores, se encuentra una infinidad de títulos producto de la cinematografía cuyo género se ha avocado a la homosexualidad.
Desde 1997, el Festival Mix se ha convertido en el epicentro de esta cinematografía en Hispanoamérica. Hoy, llega a su novena edición titulada Real Mix, donde según su director general Arturo Castelán (activo promotor de esta apertura, baste referirse a su tarea en la Cooperativa Morelos, de donde se desprendió la multipremiada Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor... de Julián Hernández) hay que "despojarse de tapujos", "así como es".
Hasta el próximo 2 de junio en la Cineteca Nacional, el Centro Cultural Universitario, Cinematógrafo del Chopo, la Biblioteca de México y el Cine Morelos en Cuernavaca, se proyectarán más de 100 trabajos en cine y video, largos y cortometrajes, que ahondarán en este género que, como los vastos sectores que lo resguardan, no pueden contenerse más ni mucho menos descalificarse.

Otorga IMCINE visto bueno al género
En la sesión que dio inicio a las actividades de Real Mix, fue presentado el cortometraje David de Roberto Fiesco, ganador del cuarto concurso nacional de guiones de corto y primero de su tipo, cuya temática de apertura sexual (un encuentro casual que termina en un hotelazo entre un señor y un joven estudiante mudo) no fue impedimento para recibir el apoyo por parte del Estado.
Acto seguido, ocurrió el estreno de Historias del desencanto, bajo el guión y la dirección de Alejandro Valle, situado en un limbo entre los siglos XX y XXI. Una triada de seudo artistas enfrentan la soledad que trajo consigo el cambio de milenio, aunado a sus desgracias personales: Ainda (Fabiana Perzábal) acaba de perder a su fanático-del-sexo-grabado-marido en un accidente automovilístico; Diego (Mario Oliver) es un video artista inocentón que junto a Ximena (Jimena Ayala, la chavita de Perfume de Violetas) la hará despertar su apetito sexual en plena edad de la punzada. Todos formarán una amorosa triada cuya repartición de cariños los hará objeto de envidias y disputas.
Empleando una gran paleta de colores para ambientar las situaciones (verdes, azules, amarillos intensos) y recreando momentos claves de la historia mediante efectivas animaciones (ojo a la secuencia del choque, a las disolvencias piel-huesos del occiso), el director arriesga en una cinta nada sencilla, demasiado retórica, muy lejana de esquemas comerciales baratos y sin los tapujos para exhibir abiertamente el deseo sexual de sus caracteres, salpicados con interesantes cameos (veáse Diego Luna en uno de ellos) buenos brotes de humor, unos más detallados (Teresa Rábago como la bruja omnipotente es genial) y otros plenamente grotescos (el corazón en 3D que "sale" del pecho de Diego para hacerle sus reproches y hasta echarse un palomazo).
Por escondido, aún cuando ya no hay nada qué tapar ni por qué continuar dentro de un clóset. Por poco exhibido, el cine lésbico-gay es, como cualquier otra cinematografía, para apreciarse y conocer la visión del mundo que sobre éste tienen sus creadores. Y en ello radica el éxito probado (baste ver cómo se abarrotan las salas) que hoy ofrece el Festival Mix.

Episodio III. El origen del fin, la vuelta al inicio

2005-05-17T02:23:00.000-07:00

Dispónganse a presenciar el surgimiento de uno de los villanos más memorables del cine. © Lucasfilm Ltd.
____________________Sin ser siquiera fan de Star Wars, ofrezco mi particular punto de vista sobre el tan esperado Episodio III, La venganza de los Sith, capítulo que completa la saga y que apenas es el preludio a lo que George Lucas nos ofreció hace casi 30 años, en 1977, con el episodio que le sucede.
Una vez que la mancuerna entre Obi Wan-Kenobi (Ewan Mc Gregor) y Anakin Skywalker (Hayden Christenssen) ha logrado derrocar las fuerzas de los separatistas Conde Dooku y el General Grievous, el ministro Palpatine (Ian McDiarmid) se ha vuelto un tirano que desea exterminar a los Jedi y convertir a la República en un Imperio.
Visiblemente trastornado por la furia y enojo que apenas se esbozaron en el Episodio II, Anakin recibe de Padme (Natalie Portman) la noticia de su futura paternidad, pero le agobia no sólo el establecimiento de la paz, sino su estabilidad interior y la seguridad de su amada. Tras no ser designado Master Jedi ante el Consejo a la vez que en éste representa personalmente a Palpatine, Anakin se amuina lo suficiente para dejarse seducir por el lado oscuro de la fuerza y es entonces, cuando desata su ira, la que por tanto tiempo estuvimos esperando comprender...

Anakin posee dos grandes razones para dejarse seducir por el lado oscuro de la fuerza © Lucasfilm Ltd.

Es imposible aislar al Episodio III como una sola película teniendo tantos antecedentes, personajes y mundos que le dieron forma a esta historia. Pero haciendo un esfuerzo por encasillarla, me atrevo a decir que de los últimos (y, paradójicamente, tres primeros) episodios, la revancha de los Sith es la pieza mejor lograda en estos últimos seis años.
Se agradece que no hayan exagerados actos de lucimiento de algún personaje, que no se inserten ostentosas secuencias de persecuciones, carreritas espaciales o de cualquier otra índole e incluso, que no se vuelvan a aparecer personajes suficientemente estúpidos para provocar el chiste barato (en cambio, véanse aquí las habilidades de los droides legendarios como R2, para defenderse del enemigo).

¿Puede superar el joven padawan a su maestro Jedi? © Lucasfilm Ltd.

El director dejó el terreno lo más llano posible para que la sorpresa de la “conversión” al lado oscuro tuviera gran fuerza. Y si la pelea entre el master y su padawan no convence ni satisface a los seguidores, difícilmente habrá otro emblema que cargue con este peso. La transformación del malo en verdaderamente malo (y uno de los íconos cinematográficos más recurridos) se fundamenta en dos hechos que el lector debe reconocerlos.
Y mientras eso ocurre, la pelea donde Anakin apenas sobrevive cercenado, mutilado y chamuscado (¿qué onda con la recreación de un Niágara, pero de lava?) para luego renacer en una especie de cyborg remachado con extremidades mecánicas, era algo de lo más esperado y que exhibido, contestará muchas preguntas sobre su origen-fabricación. La orden “levántate Lord Vader” es casi bíblica.

El equipo estelar durante el primer día de filmación. La imaginería de George Lucas convierte lo aparentemente normal, en algo extraordinario. © Lucasfilm Ltd.

Completa o en partes, Star Wars no sólo es una historia que ha definido a una generación como la mia (que confiese quien nunca aspiró a tener su espada láser), se ha convertido en un referente histórico y un parteaguas en el cine que hoy en día vemos. El director se ha salido con la suya al terminar de contar con imágenes lo que su loca mente imaginó. Pero no sólo eso. Ha generado toda una industria alrededor para lograrlo, empleando progresivamente los últimos adelantos tecnológicos de la época (hoy el cine de alta definición es un ejemplo) y darse abasto propio: los efectos especiales a cargo de Industrial Light & Magic, la edición de sonido por Skywalker Sound).
Podré no ser ni convertirme a estas alturas en mínimo fan de su mejor empresa. Pero como visionario y arriesgado cineasta, George Lucas merece un gran respeto y admiración por configurar y llevar a buen término la saga que en estos momentos tiene al mundo entero en una expectación total. Y como tal, son de disfrutarse las más de dos horas del Episodio III.

Pijamada: para re-matar las teen movies

2005-05-15T02:17:00.000-07:00


Tal cual, para echarla a la basura. A menos que sea posible reciclar las latas de película para filmar otra cosa... © Metro Goldwyn Mayer
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Amables lectores: esta es una de las tantas ocasiones que doy gracias por (1) no haber pagado para ver una insulsa película que a todas voces anuncia su pobreza (o virtudes, según se vea) y (2), haber necesitado una dosis de baba de perico para, por lo menos, distraer la pupila un rato.
En el último día de clases antes de brincar a su siguiente periodo escolar en el high school y enfrentar la crisis de una muy pero muy baja popularidad, Julie (Alexa Vega, la escuincla omnipoderosa de Spy Kids) organiza una pijamada en su casa con tres de sus amiguis (incluyendo la clásica regordeta humillada que ingresa por convocatoria cuasi involuntaria). Entradas en materia, la espiritifláutica y populachona Staci (Sara Paxton), otrora amiga de la orquestadora de dicha reunión, la reta a realizar un rally ofreciendo como premio el mejor y más ridículo lugar para tener el lunch, una vez que ingresen al high (o como diría Doña Ellie, a la jai)...
Si a estas alturas se han preguntado en qué momento aparece Lindsay Lohan en algún rol estelar ¡nada! Pijamada (Sleepover) efectivamente se suma a una gran lista de cintas sobre escuinclas que buscan ser populares a toda costa, ganarse a los galanes más codiciados y mameyes del lugar mientras se rifan el pellejo en diferentes e inverosímiles momentos (como volarle los chones al susodicho), nada más que en esta ocasión tanto el reparto, como la historia en sí, no ofrece ni propone algo del mas mínimo valor.
Para colmo, el director debutante

Joe Nussbaum -quien tiene apenas en su haber el cortometraje George Lucas in love (?)- cae en los perfectos clichés de las teen movies con todo y pastelazo incluido: el hermano bastardo (y para colmo huevón, mantenido, que ha dejado los estudios universitarios); la mamá mojigata que prohibe a la hija salir de noche mientras ella le da vuelo a la hilacha; el papá-McGuiver cuyo campo de visión no va más allá de su nariz; el policía-retrasado-mental del barrio (inspiradísimo pero lejano a los gestos del Jim Carrey Farrelliesco de Me, myself & Irene) que vuelve a poner en evidencia la ineptitud del sistema judicial americano; los greñudos eskatos antihéroes apenas útiles para estorbar; el clásico maestro-nerd sin vida social y así, ad infinitum de la peor clase que se haya visto jamás.
¿Quién en su sano juicio en 2004 sigue cantando rolas de las Spice Girls como si fuera éxito del momento? ¿Qué fregada nueva fórmula basada en Cenicienta con todo y noche de baile puede tragarse visualmente sin agruras? ¿Por qué se insiste en que las flacas corren mejor suerte y las gorditas sólo sirven "para detener las puertas"? ¿Qué significa ese momento de alta promiscuidad on-line a través de "datesafe.com" en tiempos de hi5.com o match.com?
Tristemente Pijamada entra tarde a la competencia en este tipo de películas, pues la camada de actores jóvenes que lo mismo enfrentan crisis de novatada sexual (American Pie), superación profesional (Legally Blonde) revanchismo colegial y popularidad (Mean Girls, Confessions of a Teenage Drama Queen) ya le llevan mucho tiempo de ventaja y mejores presupuestos para su realización.
Véase a riesgo de perder integridad neuronal o, tal como fue mi segunda opción, echar a andar el mero acto de persistencia retineana que da origen a la magia del cine.

Cinexcusas, dentro del Episodio III

2005-05-12T17:32:00.000-07:00

Lunes 16 de mayo, 11:00 horas. Cinexcusas dentro de la gran fiesta. © Lucas Film LTD
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El tan ansiado Episodio III tendrá su función de prensa en México en esta fecha. Y aunque quienes me conocen saben bien que no soy fan de la famosísima historia de George Lucas, me complace anunciar que Cinexcusas está dentro de la lista de invitados que elaboró la distribuidora 20th Century Fox, que en mucho ha apoyado este blog y la tarea de su servidor en materia de promoción cinematográfica.
La mala noticia (tenía que haberla) es que sólo cuento con un boleto de acceso a la fiesta... razón por la cual me estoy debatiendo entre acudir personalmente a cubrir el "momento histórico", o ceder mi lugar a un verdadero fan, que además pueda traernos en exclusiva una mejor reseña para este blog.
¿Alguien con experiencia probada en reseña crítica y profundos conocimientos de Star Wars dijo yo? La invitación es idéntica a la de la foto de arriba. Quien quiera participar, escriba en los comments de este post su correo electrónico y las razones que argumenten por qué sería el (la) elegido (a) para ir a la premiere.

Box ofis @ 6-8 mayo 05´

2005-05-11T00:23:00.000-07:00

Era evidente que el fin de semana de cuatro días que vivimos a propósito del puente del cinco de mayo, iba a dejar una derrama económica importante para las películas que se estrenaron.
En cuestiones de promoción, ahora sé, por ejemplo, que la actividad que organizaron en Big Brother VIP para recrear un poco la actividad como se vio en Cruzada, provino de la distribuidora 20th Century Fox, es decir, fueron ellos los creadores intelectuales. Nada mal como estrategia de promoción. Lo triste del caso, es que la producción de este reality esté tan falta de ideas y orillada al fracaso de la agotada fórmula de encerrar a "famosos" en una casa, que deba adoptar esquemas ajenos para tener un mínimo de atractivo. P´al caso, estes no es un blog de análisis de medios y si de realitys hablamos, yo tampoco me la creo que La Academia esté haciendo las cosas correctamente (por Dios, si la mentada Jolette canta, todo México posee un honoris causa en musicología).
En fin, retornando al tema, si bien creo que Ridley Scot no se autosupera con Cruzada, las 353 copias con que se lanzó en la apertura dejaron ni más ni menos que 23 millones de pesos en taquilla, desplazando por fin a Vin Diesel vestido de niñero, que con todo, sigue metiendo gente y se situó en el segundo lugar del box ofis.
La que repuntó fue La última noche, película mexicana estrenada hace dos semanas y que con 286 copias ha sido vista ya por casi 366 mil personas, pero muy lejos aún de recuperar la inversión.
Como comentario al calce, la semana pasada, durante el Quinto Encuentro de Realizadores celebrado en el marco del Panorama de Cine Mexicano que se celebra en la Cineteca Nacional, Gabriel Ripstein, ejecutivo de Columbia Producciones México, me reprochaba que el cine nacional "sí mete millones", y como ejemplos me citaba garbanzo de a libra Matando Cabos, El Crimen del Padre Amaro y por supuesto, Amores Perros.
Por si fuera poco, argumentaba que para que una película fuera rentable, suponiendo un costo de producción de dos millones de pesos, el número de espectadores que debían verla es proporcional, es decir (en este ejemplo), dos millones de individuos. En este blog seguiremos con más cuidado el box office para, la próxima vez que nos veamos, responderle con cifras y semanas enteras que le cuesta a nuestro cine, hacerse de unos cientos de miles de cinéfilos.
En cuarto lugar se ubicó La intérprete, vista ya por 575 mil mexicanos con solo 189 copias. XXX2 Estado de emergencia se colocó en el quinto peldaño, pues con 334 copias lleva 351 mil espectadores en dos semanas.
Regresando al cine nacional, Club Eutanasia sigue dando manotazos antes de salir de la cartelera, ya que 51 copias la mantienen a flote. Y aunque ya rebasó los tres millones de ingreso, no ha sido vista ni por 100 mil personas (aún le faltan unas 16 mil para llegar a la meta).
Una mención especial hay en este reporte para una película que con apenas una copia se exhibe en el D.F. Me refiero a T-Rex 3D, que en la sala de Cultisur ya metió a casi 2 mil 500 cabezas, lo que la ubicó en el lugar 21.
Egresada de la pasada XLV Muestra Internacional de Cine, se estrenó comercialmente El secreto de Vera Drake, con sólo 14 copias. Vista por apenas seis mil personas, se ubicó en el lugar 18.
Comentada en este espacio, Legado de violencia compitió también en materia de estreno, ubicándose en el peldaño 24, con 40 copias y tres mil 500 espectadores.
Finalmente, y para hacer un mayor contraste, Adan y Eva (todavía) ingresó casi mil 200 pesos del bolsillo de apenas 32 personas en este largo puente. Y si aún existen dudas de que nuestro cine mete a miles en la sala, en el lugar 98 está Ver, oír y callar, que prácticamente está fuera de la jugada, pues solo 10 espectadores pagaron 335 pesos por verla. Y eso que aún la exhiben dos salas.
Esta semana no hay el reporte numérico acostumbrado, por algunos detalles en los acumulados.

Legado de violencia. Otra de infancia cercenada

2005-05-09T00:12:00.000-07:00


Jamie Bell ya dio el estirón y superó la caracterización de Billy Elliot por la que se dio a conocer. © United Artists
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A su corta edad, Chris (sí, Jamie Bell, el mismísimo Billy Elliot bastante más crecidito) ya se ha descarriado bastante como para volver a ser dejado en libertad, esta vez luego de haber roto un vidrio de casa de su novia, en pleno cumpleaños de su pequeño hermano Tim (Devon Alan).
Huérfanos de madre y aislados de cualquier contacto humano, su padre John (Dermott Mulroney) parece recluirlos en su chiquero, criando la casa de los marranos, hasta que un día la inesperada llegada del ex convicto tío Deel (Josh Lucas), le quita lo monótono a la vida que todos padecen. La premisa que ofrece Legado de violencia (Undertow), hasta entonces, es aceptable.
No pasa mucho tiempo antes de que las netas se revelen, en torno a una misteriosa herencia de monedas de oro que el abuelo dejó (cuyo origen está acobijado, para variar, con el folclor mexicano), la razón por la que el tío fue metido al bote y hasta quién le bajó la novia a quién en sus mocedades. Tanta verdad y coraje reprimidos, salen a flote repentinamente, provocando ahí una pequeña masacre.
Legado de violencia es una cinta a la que se le debe de asignar gran paciencia por parte del espectador, antes de decidir si se opta por abandonar o no el interés en la misma y lo que es peor, la sala. Inicia vertiginosa, las verdades se saben rápido, pero la resolución torna len-tí-si-ma, hay cabos sin atar (alguien por favor que me explique ¿cómo es que ese escuincle sobrevive sin comer-comiendo cuanta porquería recoge del suelo?)
Con estética estilo al estilo The Dukes of Hazzard (aquella serie setentera de la cual por cierto habrá una adaptación fílmica este año) me da la impresión que el director David Gordon Green quiso reprimir tanta violencia y dejarla estallar súbitamente, pero no supo cómo, aún cuando condujo bien a sus actores chicos y grandes. Por tanto, las corretizas finales y el húmedo final, tornan cansados y de poca credibilidad.
De lo poco rescatable, el estilo y personaje al que se atribuye la de narración (para no aguar el detalle sólo diré que pocos lo han hecho; la última cinta que recuerdo bien conducida fue la oscareada American Beauty, de Sam Mendes) y la siempre bienvenida música de Philip Glass (The Hours, Truman Show). Ojalá el DVD tenga mejores sorpresas, como suele suceder con las escenas borradas. Habrá que rentarlo si con este comentario deviene en mejor opción que acudir al cine.

Cruzada: por amor a la guerra

2005-05-05T13:24:00.000-07:00


Ridley Scott transmite nuevamente sus convicciones épicas. Las mismas que, a falta de imaginación, hasta en Big Brother VIP adaptaron para divertirse un rato. © Scott Free Productions
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Si la guerra entre los hombres, cualesquiera los motivos que la originen es inconcebible, provocar pelea en nombre de Dios, por conquistar tierra santa, suena aún más ilógico, imposible de justificar.
Luego de revivir por medios digitales el Coliseo romano para desatar batallas entre hombres y fieras en su interior (Gladiator), el director Ridley Scott regresa el calendario casi mil años para recrear en Cruzada (Kingdom of heaven) sendos momentos épicos que definen la historia del conflicto entre Europa y Oriente, a la vez que nos recuerda lo ilógico que hoy en día resulta la guerra ideológica, por la conq

uista de Jerusalén.
Echando mano y recursos de su propia casa productora Scott Free, el director cuenta la inesperada transformación en caballero del solitario Balian de Ibelin (Orlando Bloom), quien jurará hacer significar las cruzadas en tanto impere la paz y el bienestar de los terrenales. Para ello se pone a las órdenes del leproso Rey Baldwin IV (Edward Norton enmascarado), quien ha logrado mantener el tambaleante estado pacifista ante el líder islámico Saladin (Ghassan Maddoud).
Más tarde que temprano y ante el deceso del Rey, el consecuente al trono Guy de Lusignan (Marton Csokas) que se encuentra casado con la enigmática princesa Sybilla (tercer largometraje de Eva Green, mística y hermosa como ella sola), encontrará el pretexto ideal para declarar la guerra a los musulmanes, sin hacer caso de su posibilidad de fracaso.
Filmada en España y Marruecos, con una galería de extras impresionante para las secuencias de batallas (hasta 30 mil personas, la mayoría del ejército marroquí), Cruzada se une a una galería de cintas recientes que evocan momentos históricos para asombrar por su gran producción reflejada en pantalla (remitirse la trilogía The Lord of the Rings; las peleas igualmente vertiginosas vistas en Troy y parecidas a nivel de cámara y más recientemente, Alexander), pero los resultados atraen más por los efectos especiales, la recreación de escenarios y lo exorbitante de los recursos empleados, no así la propia historia.
Salpicada por algunos pasajes de humor (la cachetada que sirve para no “olvidar” el momento de conversión a caballeros, cuando el Obispo aconseja redimirse y convertirse al Islam, al fin que después podría arrepentirse salvaguardando el pellejo), Ridley Scott se adjudica nuevamente el crédito de una cinta que hará historia (como la escribieron Blade Runner, Alien, 1492 Conquest of Paradise y Gladiator en su momento) y que al día de hoy cuestiona los conflictos ideológicos y religiosos que no consiguen establecer la paz en propia Tierra Santa (y que incluso por orden del Papa Urbano II en 1095, instó a la guerra, en la primera de ocho cruzadas).
Por lo demás, es una cinta de pleno disfrute visual, para admirarse en cada cuadro, escenografía y choque de espadas que por supuesto, rebasa las dos horas de duración. Para contemplarse con calma aprovechando este puente del 5 de mayo.

Box ofis @ 29 abril-1 de mayo

2005-05-04T12:40:00.000-07:00


Esta vez el box office llega como una pausa en la programación habitual de este blog, a la mitad de semana.
Rápidamente para comentar que Vin Diesel sigue haciendo de las suyas con la niñera a prueba de balas, pues ni el fuerte estreno de la secuela de XXX, logró desbancarla del sitio que ya había amarrado desde la semana pasada.
En cuanto a las cintas nacionales, La última noche alcanzó apenas el cuarto sitio y fue vista por unas 125 mil personas (que dejaron unos cinco millones de pesos en taquilla).
Por otra parte Zhang Yimou, a quien recordamos por la gran producción china Hero (en el año pasado), regresó a pantallas mexicanas con La casa de los cuchillos, cinta que abrió con solo 77 copias y metió 32 mil espectadores, ubicándose en el noveno sitio del box office.
Dicho y hecho, las patéticas Aventuras de una princesa, se fueron con todo y Katie Holmes al sótano, es decir, en el lugar 16. Tal parecía que la distribuidora 20th Century Fox preveía el fracaso, pues sólo la aventó al ruedo con 25 copias.
Igualmente baja en copias pero grande en intenciones, y programada durante la pasada XLV Muestra Internacional de la Cineteca, tuvo estreno comercial El perro, cinta del argentino Carlos Sorín. Con apenas 10 copias la vieron cuatro mil personas, situándola en el lugar 24. También "egresada" de la Muestra, Whisky, de los charrúas Pablo Stoll y Juan Carlos Rebella, se aventó al estreno comercial, apenas dos peldaños después que Sorín, con un ingreso de espectadores de tres mil.
Al cierre de este reporte, otras mexicanas como Manos libres... nadie te habla, ya había ingresado a cuatro semanas de su estreno unos cuatro millones de pesos y fue vista por unos 125 mil espectadores. Y otros casos, como Puños Rosas, sigue programada con apenas una copia en circulación, pero casi reúne en 12 semanas de exhibición cinco milles de pesos en taquilla. Esperemos que la siguiente cinta de Beto Gómez, Hasta el último trago... corazón, ahora programada en el Panorama de Cine Mexicano, pueda darle un siguiente respiro.

Lugar Título [Ingreso1] (Asistentes2) Copias/Semanas
1 Niñera a prueba de balas 54 millones millón y medio de mil incautos 347/2
2 XXX2 Estado de emergencia casi 6 millones 151 mil 335/1
3 La intérprete casi 16 millones 1 396 mil 198/2
4 La última noche 5 millones 125 mil 284/1
9 La casa de los cuchillos un millón 300 mil 32 mil 77/1
14 La marca de la bestia 596 mil pesitos 15 mil cabezas 60/1
15 Club Eutanasia casi 2 millones y medio 66 mil 65/2
43 Manos libres... nadie te habla 4 millones 115 mil 25/4
95 Mil nubes de paz apenas 618 mil pesos! 18 mil mexicanos 29/1
101 Puños Rosas 4 millones 800 mil 143 mil 12/1
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1,2 Acumulados

Panorama de cine mexicano 2005

2005-05-02T22:02:00.000-07:00

Prepárense para un maratón de película de El Santo a la antigüita, ¡con todo y permanencia voluntaria! © Cineteca Nacional
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Concebido como un espacio de exhibición consecuente a la Muestra de cine mexicano e iberoamericano que se exhibe en Guadalajara, la Cineteca Nacional emprendió la tarea de organizar un espacio propio, donde a lo largo de una semana las siete salas cinematográficas que comprende se destinan únicamente al fomento del cine nacional, del antes, del hoy y del mañana, a través de distintos foros de expresión, donde los hacedores se reúnen para discutir las tendencias. De este modo surge el Panorama de Cine Mexicano, que inicia el día de hoy y llega a su tercera edición.
Dividido en tres grandes ciclos: ayer, hoy y mañana, este panorama resulta vasto en un aparente momento de estancamiento de nuestro cine, en el que el IMCINE destinó el mismo presupuesto tanto para 2004 como para el año en curso, y donde el número de producciones apoyadas por el Estado disminuyó de 36 a un máximo de 30, en el presente ejercicio (sin contar co producciones con financiamiento privado).
Por lo que respecta al Ayer, se revisará la filmografía de Roberto Gavaldón, cineasta que posterior a la Segunda Guerra Mundial apostó al "inicio incierto de un nuevo México", como relarta Fernando Mino, con la aspiración de una sola gran ciudad. En un homenaje a la recientemente desaparecida Ofelia Guilmáin, cuya carrera en teatro se prolongó al cine, se exhibirá Las Troyanas, considerada como una "rareza" que jamás tuvo estreno comercial, basada en la obra de Eurípides. En el subciclo Retrato de familia (que dura todo el mes de mayo), se revisará el tema de la familia mexicana vista desde el cine, en el periodo que comprende de 1941 al 200. Así, por ejemplo, en Cuando los hijos se van (Bustillos Oro, 41), se apuntará el tema de la migración al D.F. proveniente de la clasemediera provinciana (los papás son nada más ni nada menos que Sara García y Fernando Soler); basada en un hecho real, El castillo de la pureza de Arturo Ripstein (1972) se remitirá al machismo de un padre que durante 18 años mantuvo encerrada y aislada a su familia. Así, hasta el Rojo Amanecer (Fons, 89) y Crónica de un desayuno (Cann, 00), donde ya la juventud se expresa a niveles masivos como en los hechos violentos de 1968 o simplemente como una generación que enfrenta el cambio de siglo de modo inconforme, en la colonia Narvarte.
Por si el poster no les ha dicho nada, los amantes del cine de luchadores encontrarán tres películas estelarizadas por Santo, el enmascarado de plata (todas ellas en corridas con funciones de permanencia voluntaria, a la antigüita) que no dejan de hacer increíble y risible los recursos e historias que se ven en pantalla.
Por lo que respecta al Hoy y aprovechando el 30 aniversario del Centro de Capacitación Cinematográfica, se hará una revisión exhaustiva a cuatro cortometrajes de esta escuela de cineastas así como a sus grandes producciones, salidas del proyecto de ópera prima. De hecho, el largometraje Noticias Lejanas, de Ricardo Benet, no sólo abre el Panorama de Cine Mexicano, sino que da muestras del trabajo académico conjunto por apoyar las ideas de los nuevos creadores, reconocido además como mejor director en la pasada muestra de cine de Guadalajara.
La vocación documentalista de nuestros días por fin verá la luz en trabajos como El Recodo (Leopoldo Best, 04), sobre la banda sinaloense del célebre Cruz Lizárraga; Hasta el último trago… corazón (Beto Gómez, de quien recientemente vimos Puños Rosas), Preguntas sin respuesta: los asesinatos y desapariciones de mujeres en Ciudad Juárez, Chihuahua, de Rafael Montero, quien vuelve a sus orígenes como etnógrafo-documentador y El Inmortal, de la española Mercedes Moncada, conocida por su labor como periodista y socióloga dedicada al desarrollo de proyectos rurales (su ópera prima, La pasión de María Elena, hablaba sobre la injusticia cometida en contra de una indígena rarámuri). En el hoy, no podían dejar de exhibirse pequeños logros recientes (en materia de recursos) pero grandes por su capacidad de sorprender y de narrar historias urbanas. Me refiero a la multipremiada Temporada de patos (Eimbcke, 04) y El mago (Aparicio, 04), estrenada durante la XLV Muestra Internacional de Cine. En el terreno de la historia de animación mexicana, Ánima Estudios anticipará el estreno comercial de su segundo largometraje (el séptimo de manufactura nacional): Imaginum, con la voz de Eugenio Derbez.
Asimismo, en el hoy se revisará el trabajo de mexicanos sobresalientes en el cine mundial, por lo que la marquesina reiluminará la dirección de Guillermo del Toro (Hellboy) y Alfonso Cuarón (Harry Potter y el Prisionero de Azkabán), los trabajos fotográficos de Rodrigo Prieto (Alexander), Emmanuel “chivo” Lubezki (cómo olvidar los fríos y derroidos ambientes de Lemony Snicket´s: a series of unfortunate events) y Gabriel Beristáin (The ring 2) y nombres como Salma Hayek (After the sunset), Diego Luna (Criminal) o Gael García (The motorcycle dairies y La mala educación) volverán a llamar la atención del público.
Y si hay modo de adelantar el mañana, los realizadores se reunirán en cuatro mesas redondas para discutir diversas temáticas: cine documental, cine de ficción, cortometrajes y nuevos formatos digitales.
Tan ambicioso programa vuelve a dar bríos a nuestro cine, toda vez que se recuerda a quienes hicieron la historia y se reúne a los que están por escribirla en celuloide. A pesar de la carencia de espacios para conocer el cine mexicano, ante el avasallamiento en cartelera de producciones extranjeras, esta semana es una buena oportunidad para que el público reencuentre piezas de gran valor, apreciadas y ganadoras de reconocimiento a nivel internacional, pero que en su país de origen no gozaron de un furor comercial.
Con tal de aprovechar al máximo las funciones, se encuentra disponible el abono 10 x 8 1/2, con 15 por ciento de descuento adicional para estudiantes. Para más referencia de los títulos que se exhibirán, así como sus horarios, consultar la cartelera de la Cineteca Nacional.

La última noche (y nos venimos)

2005-04-30T02:21:00.000-07:00

Un caldo de temas sobre mujeres mal tupidas, autoestima y maistros de la cama. © Coyoacán Films
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Alejandro Gamboa es, sin duda, uno de los directores más prolíficos de la última década, aunque como todo, haya quienes desprestigien su trabajo. Hace siete años emprendió una trilogía basada en dos líneas: la formación de la sexualidad en los adolescentes a la vez que éstos se desarrollaban sentimentalmente. En el inter, se aventó las novelas Las Juanas y Locura de amor; revivió al Tigre de Santa Julia en su versión cinematográfica y participó en el cuadrilátero contra la violencia Cero y van cuatro, al lado de otros directores igualmente pródigos.
Así, en 1998, con La primera noche, recurrió a varias parejas de chavitos que se estrenaban en materia sexual. Un año más tarde, en La segunda noche, ahora un grupito de chavas eran quienes se preparaban para darse rienda suelta. En este 2005, el director concluye la trilogía con La última noche y sólo una actriz del reparto original, Mariana Ávila, en una comedia bastante fluida, a fin de cuentas entretenida, donde a diferencia de sus antecesoras, arriesga mucho en cuanto a la variedad de temas que aborda.
Una pareja de recién casados conformada por Fernando (Ricardo Palacio) y Luzma (Ávila) padece la inexperiencia e insatisfacción sexual desde su, paradójicamente, primera noche. Ella se deja llevar por lo que la literatura de a peso para jovencitas dice (¿alguna vez no ha hecho caso usted de algún "reportaje" en revistas como Veintitantos, querido lector?) a la par que una mentora vía celular (Tiaré Scanda, sensacional en off) le señala qué hacer. Él, empleado en una tienda de automóviles de segunda mano, encontrará en Rosa (la modelo Paola Hinojos) a la terapeuta sexual BMW Z3 a bordo, que lo guiará vía motelazos de cuatro mil pesos la cita, al camino de la satisfacción de su pareja, mientras combate su eyaculación precoz aunque deba valerse de la "mano amiga".
Del otro lado, Gloria (Cecilia Gabriela) no conforme con que sus hijos Fernando, Elena (Elizabeth Valdes) y Eva (Melissa Perea) provengan de diferentes matrimonios, buscará aumentarse la autoestima con pechonalidad de 700 mililitros y nalgas suficientemente proporcionales para gustarle a Fabián (Andrés García), galanazo de telenovelas que aparece en televisión vendiendo bombitas manuales para la impotencia (en una plena parodia del oficio de este señor). En el caminito, Elizabeth se irá de la casa para cumplir su sueño de irse a estudiar biología marina a Guaymas, mientras su hermanita menor, con todo y estética de fábula, vivirá su última noche como niña, cuando amanezca toda una adolescente después de su primera menstruación...


No nada más ellas quedan insatisfechas. Ellos creen que dominan todo debajo de esa tanga © Coyoacán Films
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Y así, con lo que Gamboa remata en la trilogía, es una historia de mujeres mal tupidas (en el camino a llenar ese vacío se dejarán llevar por la calentura), insatisfechas, inseguras y carentes de autoestima (aunque les pese a quienes se puedan sentir aludidas, a fin de cuentas, no hay nada en La última noche que no pueda pasar en esta sociedad), mientras que los hombres, son una especie de "agentes del dolor que no sirven para nada", en sus propias palabras, incapaces de preocuparse por lo que vive su pareja en la cama.
Si bien cada historia inicia, se desenvuelve y resuelve, da la impresión que por ser la última había que meterle de todo (ojo a la vaginitis que padece Elena, la relación con su roomie aspirante a videoasta y la crisis de pareja que motiva la separación familiar). ¿Pero sabe qué? A pesar de sus evidentes ambiciones, la película camina, divierte entre un gag y otro, no en vano, el público asistente al pasado IX Festival Internacional de Cine de Puerto Vallarta le otorgó por votación la Iguana de oro a la mejor película. ¿Será que el propio Gamboa dejó líneas abiertas para continuar filmando sub historias?
No se espere un tratado sobre relaciones sexuales como los que le mostraron cuando estaba en la secundaria (ni algo más formal, de carácter científico, para eso mejor remítase a Kinsey). Váyase a reir un rato y al final, cuestionarse si su felicidad sexual existe, pues cada noche puede ser también la última.

Janis Joplin y John Lennon no han muerto...

2005-04-28T20:04:00.000-07:00


... y vienen a salvar al mundo con una nueva canción! © France 3 Cinéma
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En 1973, luego de un memorable pasón con LSD, León (Christophe Lamber) se encontró a la mismísima Janis Joplin y John Lennon, en el baño de un tugurio, durante un concierto. Ahí, le prometieron que volverían. Para ese entonces la de la voz aguardientosa hacía tres años que las drogas la finaron y faltarían ocho más para que

Mark David Chapman ajusticiara al célebre compositor afuera de su departamento, en Nueva York.
Es Francia, en la actualidad. A Pablo Sterni (Sergi López), un agente de seguros, se le acaba de caer una gran tranza cometida con una póliza de automóvil que jamás dio de alta, convencido que el dueño del vehículo (que nunca lo sacaba del garage) nunca se daría cuenta y menos sufriría del algún percance. Enterado que su primo León quien sostiene una tienda discográfica especializada acaba de beneficiarse con una jugosa herencia y conciente que del pasón de hace tres décadas sigue esperando el regreso del par de músicos a quienes "vio", orquestará una tranza mayúscula para robarle la herencia y pagar la prima del seguro...
Con esta curiosa premisa inicia Janis y John... el regreso (Janis et John), estupenda comedia dirigida y escrita por Samuel Benchetrit que mañana se estrena en México, con un par de años de retraso y que no la exime de apreciarla o eventualmente convertirla en objeto de culto.
Desesperado por la gran lana que ahora debe, Pablo recurre a la base de datos de la aseguradora, en donde casualmente encuentra a Walter Kingkate (François Cluzet), un actor de poca monta que posee un parecido increíble a Lennon y a quien admira por su "trabajo" con los Rolling Stones (jua!). Para reemplazar a la cantante texana, sólo volteará a ver a Marie (Marie Trintignant), su abnegada y tímida mujer, a quien le receta un video para copiar la moda y estilo de Joplin. Así, sin el más mínimo conocimiento sobre el legado de ambos músicos, Janis y John "regresan" a este planeta con un solo cometido, robarle 500 mil francos a su más ferviente fan.
Por si estas premisas no resultan todavía muy atractivas, baste ver cómo se desarrolla la trama, los enredos de los personajes y la manera como el adoptar no sólo la vestimenta, sino la actitud y forma de vida de los músicos (nótense los pequeños detalles, como el amorío de Walter con una mujer oriental, reunir a los músicos que trabajaron con Joplin), les cambia la propia vida, hace que cobre sentido, para bien o para mal.
Divertida, ingeniosa, estrafalaria, así se desarrolla la aventura de regresar a Janis y John a este mundo. Una pequeña reflexión que su director elabora y que resume con una gran frase: "Todos los días parece que luchamos contra la humanidad cuando en realidad nadie sabe que existimos".

Travesuras de una princesa

2005-04-28T01:15:00.000-07:00

El churrito que hacía falta: la hija del presidente de EU es ahora el ojo del huracán. © 20th Century Fox Film
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En tiempos recientes, y de manera constante, a ciertos directores en Hollywood les ha dado por recurrir al tema de la “chica de al lado” (Girl next door. Greenfield, 04), la que “nadie pela” por fea o por foránea (Confessions of a teenage drama queen. Sugarman, 04), la más o menos popular pudientona (Mean girls. Waters, 04; Legally blonde. Luketic, 01 y Legally blonde 2; red, white & blonde. Herman-Wurmfeld, 03) y sus demás mutaciones, para elaborar historias sobre cómo éstas brillan en sociedad o se sumen dentro de la misma.
Por si hacía falta una deformación del tema, al actor Forest Whitaker se le ocurrió como una brillante idea usar a la hija del señor presidente de los Estados Unidos para encarnar a la más (y que paradójicamente desea ser la menos) popular adolescente del país más poderoso del mundo. ¡Falta que nos hacía! Y para ello, usó a la no menos guapa, Katie Holmes…
Como si fuera cuento de hadas, érase una vez Travesuras de una princesa (uno más de los títulos completamente atinados en su doblaje al español: First Daughter) oséase Samantha Mackenzie (Holmes), mendiga de nacimiento por estar acobijada en el seno de una pudientísima familia política. Su padre (Michael Keaton), presidente de EU, de vida regida por el tic tac del reloj en plena campaña hacia su reelección, siempre acompañado de la primera dama (Margaret Colin, con “experiencia” en este rol que data desde Independence Day). Un par de agentes del servicio secreto, con corpulencia equivalente a la de un ropero (uno negro y otro blanco, por aquello de la discriminación), su sombra permanente.
La pobrecita está a punto ingresar a la universidad, por lo que dejará la Casa Blanca para trasladarse a California (“todavía podemos llamar a Georgetown”, intenta frenar su padre, como si se tratara de cambiar de calzones), en donde intentará volverse la chica “normal” que siempre ha querido, pachanguera, con todo y roomie negra incluida (la cantante de R&B Amerie). La prensa sensacionalista será quien le agüite la fiesta, a la vez que Sam se enamora de James (Marc Blucas), estereotipado-chico-común-y-corriente-mamey del lugar. ¿El resultado? El mejor ejemplo de una película moral y políticamente correcta, pero a los ojos de la gringada.
Es por eso que personalmente, la cinta me fastidió. Seguramente Whitaker (quien brinca de la actuación a la dirección y producción ejecutiva, a través de su compañía Spirit Dance) vio las fotos del cambio de look de Chelsea Clinton mientras presenciaba desfiles de moda en París y se le “ocurrió” aprovechar el tema para proponer este churrote, ni siquiera suficiente para los fans de la niña de Dawson´s Creek.

¿En qué estaría pensando Katie Holmes cuando decidió filmar esta película? ¡Ni qué decir del director! © 20th Century Fox Film

Seguramente el director quedó impactado con la forma, más no el fondo de Pieces of April (gran cinta independiente de Peter Hedge sobre una familia disfuncional en pleno thanksgiving gringo) y decidió llamar a Katie Holmes para derrochar su potencial en la postiza escuincla que vemos (aún con esa cara de muñequita de pastel ya está bastante grandecita como para suponer que apenas ingresará a sus estudios superiores)… y seguramente ésta se subió al tren del proyecto con tal de treparse al Air Force One en uno de los caprichos de su personaje.
El número de veces que la mentada Sam aparece en portadas de periódicos (borracha o en su juicio) es más que el número de clases al que asiste durante toda la cinta. ¿Es éste el tipo de películas que dejan buen sabor de boca o que invitan a una profunda reflexión y comentarios posteriores? Querido lector, comparto su pena si por error, tuvo a mal pagar el boleto y meterse a padecerla.

Al cierre de esta edición. De confirmarse los rumores sobre el supuesto amorío entre Katie Holmes y Tom Cruise y si la noticia se vuelve tan escandalosa de aquí al estreno de la cinta (viernes 29 de abril en México), puede que en una de esas el chisme le dé un empujón al box office que ya analizaremos en este espacio la siguiente semana.

Siete austriacas e invisibles, en México

2005-04-27T14:25:00.000-07:00

En Hotel, el horror sigue siendo una constante fílmica global. © Essential Filmproduktion GmbH
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Anoche estuve en la inauguración del ciclo Autores del cine austriaco contemporáneo, en la Cineteca Nacional. La película que abrió esta muestra de siete largometrajes fue Hotel, de Jessica Hausner quien con Franziska Weiss, la protagonista, estuvieron presentes y charlaron con el público posterior a la función.
Irene (Weiss) nueva empleada de un lúgubre hotel inserto en los alpes austriacos, es en realidad el relevo de Eva, quien desapareciera misteriosamente y de cuyo rastro los mucamos se niegan a hablar. Encomendada a vigilar periódicamente el sótano, Irene deberá vencer sus miedos a la vez que se integra al equipo.
Muy cercana a lo que en 1999 hicieran Eduardo Sánchez y Daniel Myrick con la presupuesto-reducida The Blair Witch Project (y más recientemente John Polson con Hide and Seek), es lo que la directora austriaca nos ofrece, con una película de horror (donde se juega con el miedo a lo desconocido) que evita caer en los lugares comunes y gratuitos (abusar de los sonidos incidentales, saturar encuadres con repentinas apariciones que provoquen catarsis) con tal que el espectador se apropie de la trama y termine por explayar y fabricar su propio elemento de miedo.
Franziska Weiss, actriz en el alma, maestra en desarrollo social de profesión (y he de decirlo, verdaderamente más bella en persona), me comentaba que efectivamente, mucho de lo que en Hotel se muestra se inspira en lo ya visto en los bosques de Burkitsville, Maryland, con aquella bruja de Blair. Pero más allá, la directora quiso jugar con el espectador como lo hacía Alfred Hitchcock (rubia protagonista incluida), resultando en una película que brinca en dos planos narrativos: uno de facto y otro onírico (ojo a las guardias del sótano, la caminata en el oscuro pasillo y hasta esa musiquita-tétrico-cortada del elevador) que se resuelve y concluye en la propia interpretación del espectador.
Para completar el círculo fantástico de su Hotel, Hausner se valió de múltiples leyendas locales y plantea una en torno a una vieja habitante del bosque, con todo y ofrenda incluida.
Durante su visita de apenas una semana a México, Franziska lo mismo pudo aislarse terrenalmente durante un recorrido por Teotihuacan, como sumergirse y sorprenderse en la pasada marcha del silencio, donde según cifras oficiales, participaron un millón 200 mil marchistas, casi el equivalente a la población de su ciudad natal, Viena, pero metidos todos en Paseo de la Reforma. ¿Cine mexicano? Si, claro. Desde Amores Perros hasta Japón, ópera prima de Carlos Reygadas con quien compartió día de exhibición y fiesta antrera durante el Festival de Cannes en 2002, mientras promocionaba Días Perros de Ulrich Seidl (también programada durante este ciclo austriaco).
Hasta aquí las buenas noticias. Las malas refieren a que las siete películas de este ciclo, son tan inéditas que prácticamente se volverán invisibles en nuestro país, dado que sólo se exhibirán hasta el próximo 4 de mayo. Por ello, vale la pena agendar una o varias tardes en la Cineteca Nacional, para conocer un poco más sobre la vanguardia cinematográfica austriaca.

Box ofis @ 22-24 abril

2005-04-25T22:25:00.000-07:00


Los grandes trancazos estadunidenses que en México ya venían haciendo ruido un par de semanas atrás (¿alguien no vio a Vin Diesel por doquier vendiendo su ruda imagen ahora de niñero?) acapararon los ingresos de taquilla del fin de semana pasado.
Para mi sorpresa, al bodrio de Bernie Mac y Ashton Kutcher no le fue nada, nada mal, situándose en el tercer lugar de la lista. Por el contrario, la cinta que prometía arrancar sustos y arrebatar espectadores, se fue abajo de Miss Bullock: me refiero a Boogeyman, cuyo nombre del miedo no hizo gran escándalo, ubicándose en el quinto peldaño.
El siguiente estreno mexicano, otra ópera prima (de Agustín "Oso" Tapia) titulada Club Eutanasia, que ya se había probado una semana antes con su prees

treno, se fue al octavo lugar. En este rubro cabe destacar que el esfuerzo proviene de la distribuidora Decine, dedicada únicamente a la comercialización de cine mexicano y que iniciara labores en diciembre de 2004, con la cinta Santos peregrinos, donde Adal Ramones apostara una lana y de paso actuara.
Confieso haberme quedado jetón cuando la vi, y no por la gama de vejestorios que en ella actúan (imaginen a Xavier López "Chabuelo", el amigo dominguero de todos los niños, hablando cual persona que es todo el tiempo, ¡sí que saca de onda!), sino por lo cansada y repetitiva que transcurre la trama con muy pocas variantes ingeniosas (el asilo de ancianos donde ya no alcanza la comida para todos y poco a poco un club -que da origen al título de la película- se encarga de borrarlos del mapa, con muy pocos escrúpulos). Para terminar, Club Eutanasia se lanzó con 92 copias, casi 4 veces menos de las que repartió Vin Diesel en este fin de semana, por todos los cines habidos y por haber.
El sotanero reporte del box office distribuye centavitos a las mismas películas nacionales de la semana pasada. Por ejemplo, Adán y Eva (sí, todavía sigue circulando con apenas tres copias) no consigue meter 4 mil espectadores a las salas, y Ver, Oír y Callar, no llega ni a 100 mil... Ojalá el público se acerque un poquito más, a propósitamente del Panorama de Cine Mexicano que ya prepara la Cineteca Nacional. La información, mañana en Cinexcusas.

Lugar Título [Ingreso1] (Asistentes2) Copias/Semanas
1 Niñera a prueba de balas 22 millones 582 mil incautos 346/1
2 La intérprete casi 7 millones 159 mil 202/1
3 Conquistando a mi suegro ¡5 millones! 125 mil 264/1
5 Boogeyman, el nombre del miedo 5 millones 127 mil 239/1
8 Club Eutanasia un millón 200 mil 30 mil 92/1
23 Manos libres... nadie te habla 3 millones 800 mil 109 mil 77/3
50 Temporada de Patos 9 millones 595 mil 275 mil 27/7
92 Adán y Eva (todavía) 141 mil pesitos ¡3 mil 500! 6/3
94 Ver, Oír y Callar 3 millones 95 mil 8/1
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1,2 Acumulados

Boogeyman, el nombre del miedo

2005-04-23T10:06:00.000-07:00


Escatofóbicos: abstenerse o disfrutarla en mero acto de sadomasoquismo. © Ghost House Pictures
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Nunca he dudado en confesarlo. De chico, y aún grande, le he temido a la oscuridad. No soporto el hecho de encontrar abierta una puerta del closet, mucho menos en la noche. Las engañosas sombras de la oscuridad y lo caprichosas que pueden comportarse en cualquier objeto, siempre me han merecido un reojo para cerciorarme de que nada con vida, se esconden detrás. Por eso, cuando vi el trailer de Boogeyman, sabía que podría encantarme. El resultado fue otro.
El hecho de que Tim (Barry Watson) fuera forzado por su padre a permanecer encerrado en un armario para que comprobara que ninguna entidad habitaba en él, lo marcó para toda su vida. De niño, la oscuridad de su cuarto le provocaba esa angustia de ocultarse bajo las sábanas y esperar a que la luz del sol anunciara el día siguiente. Pero la noche que su máximo temor salió del clóset y engulló a su incrédulo papá sin dejar rastro de él, nada la explica. 15 años después de los acontecimientos, que lo alejaron de su hogar natal, Timmy deberá volverlos a encarar, tras la muerte de su madre.
¿Hasta dónde son reales o no el origen de los temores que son expuestos en Boogeyman? Creáme, amable lector, que francamente no lo sé. Por el comportamiento del guión de esta cinta producida por Sam Raimi pero dirigida por Stephen Kay, pareciera que todo conduce a un monstruo de látex-encapuchado-eventualmente digitalizado que, cuando aparece ante el espectador, ofende y hace tambalear la muy bien lograda premisa (¿por qué la gana del director de arruinar el factor sorpresa? Para otro ejemplo, véase Jeepers Creepers 1,2, et-al).
Por el otro lado, la presencia de una niña sabedora del famoso Boogeyman y quien ha padecido una historia similar, ofrece un segundo plano narrativo a la vez que el guión se enfrasca en una serie de acontecimientos desafortunados: aún con sus evidentes huecos, curiosamente le otorgan una afortunada y emocionante secuencia de persecución (veáse la corretiza alternante entre el motel y la casa, con puertas que abren y cierran y conducen a…)
Y a pesar de ello, Boogeyman ofrece varias chispas de ingenio (“el verdadero terror está debajo de la cama”) mezcladas con los ruidos y apariciones incidentales altamente frecuentadas en el género, para sacarle un brinco repentino al consumidor. Sin embargo, para quienes han seguido de cerca el género, seguramente encontrarán parecidos con Sixth Sense (Shyamalan, 99) y The Others (Amenábar, 01), mucho mejor planteados y con mayor eficacia.
Para finalizar, cabe destacar que la compañía productora Ghost House Pictures, fundada por Raimi y Rob Tapert, se enfoca a la producción de películas de horror, ciencia ficción y fantasía comerciales, y junto con la distribuidora Senator International, a inicios de este año les conocimos una mancuerna en el género, con el remake de The grugde. Así que la mayor inspiración para revivir el género, proviene decididamente, de países como Corea y Japón. Habrá que esperar mayor (mejor) cosecha.

Conquistando a mi suegro

2005-04-21T01:40:00.000-07:00

Remake tardío-invertido-apestado-faltodequímica. Wak! © 20th Century Fox Film
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Primera mala noticia: en la víspera de las bodas de plata de sus padres, Theresa (Zoe Saldaña) no informó que su querido novio Simon (Ashton Kutcher), próspero corredor de bolsa neoyorkino no es negro, no practica

 ningún deporte ni mucho menos se parece a Denzel Washington.
Segunda mala noticia. A Percy Jones (Bernie Mac), padre de la susodicha y prestamista en un banco, nada le costó meterse en la computadora para indagar el historial crediticio de su yerno y le ha caído en su primera mentira, tras declararse fanático de la serie Nascar.
Tercera pésima noticia. Conquistando a mi suegro (Guess who), cinta de Kevin Rodney Sullivan, cuya carrera en cine ha optado principalmente con actores de color (Ice Cube, Whoopi Goldberg e incluso, Jada Pinkett Smith) y que se estrena este fin de semana, llega tarde, totalmente apestada y parece copia al carbón de un mejor trancazo taquillero iniciado con Meet the parents y seguido de Meet the Fockers de un tal Jay Roach. Si el título (en español, claro) no parece dejar clara la idea de dónde encallará la historia, he aquí un poco más de información.
Érase Simon un pobre vástago abandonado por su padre (Kutcher), recientemente armado de valor para renunciar a su chamba y ya encarrerado, para proponerle matrimonio a Theresa. El doloroso acto de presentarse a los futuros suegros no resulta nada cómodo ni nuevo a quienes ya experimentamos eso, vía celuloide, con, excúseme la comparación, mejores actuaciones y planteamientos (¿cómo olvidar a De Niro enfundado en traje de agente retirado del FBI que atosiga a su yerno?). La “diferencia” que ofrece Rodney Sullivan, es ofrecer una variante del mismo experimento, pero con personajes de razas aparentemente disímbolas.
¿Y cuál es el resultado entonces? No queda de otra, aprovechar el momento (y los actores), para cometer buenos chistes sobre negros (muy buenos, véase la secuencia de la cena a la que acude el abuelo), burlarse un poquito de los caucásicos (cuyos penes son “más” grandes y “hasta cantan solos como iPods”) y al final, tratar de convencer que el amor es chido, vale la pena luchar por él así sean 25 años de matrimonio ininterrumpido o el primer día de convivencia juntos y sobre todo, que el color de la piel es lo de menos. Cual campaña antirracismo con todo y pulseritas de caucho.
Por si fuera poco, los intentos de originalidad se caen de bruces cuando resulta que allá por 1967, Katharine Hepburn y Spencer Tracy estelarizaron Guess who´s coming to dinner (Kramer), cinta de la que hoy se ofrece esta secuela a la inversa, pues antes los suegros eran los blancos (y el galán, negro), en una época donde el mero hecho, imaginado, era inconcebible. Y hoy lo sigue siendo, al menos en esta propuesta fílmica que, creáme, tiene prácticamente nada qué ofrecer.

Box ofis @ 15-17 de abril

2005-04-19T16:35:00.000-07:00



Después de una gran corrida alternativa de cine con la XLV Muestra Internacional de Cine, regresamos a la programación habitual, para comentar los ingresos de taquilla del fin de semana pasado.
Ninguna novedad resultó que el regreso de Miss Bullock apañara la cartelera nacional, en un símil a lo que pasó en Estados Unidos, con Miss Congeniality 2. En segundo lugar, la gente se dejó llevar por Dennis Quaid y El vuelo del Fénix (cinta de la que opté por no ir a la premiere, gracias a que tenía una mejor, la del El Mago) y así, hasta el quinto lugar del box office, la cartelera se encuentra plagada de producciones estadunidenses. Por ejemplo, Robots ha recaudado 112 millones... como para los chuchulucos de sus creadores.
A dos semanas de su estreno la mexicana Manos Libres... nadie te habla, ha logrado un nada despreciable ingreso de tres millones de pesos. Además, anda rolando por ahí otra ópera prima en pre estreno (una sala al costado del Laboratorio de Arte Alameda la exhibe bien a todo dar a las 22:30). Se trata de Club Eutanasia, de Agustín Tapia, egresado del CCC.
¿Mexicanas? Sí, a pesar de su extinción las sigue habiendo en el reporte semanal, claro que, sotaneras todas ellas. Temporada de Patos volvió a ser reestrenada por Artecinema (después de su avasallamiento en la entrega del Ariel) y aunque casi llega a 10 millones de pesos en recaudación, no ha sido vista ni por 300 mil personas. La más lograda hasta ahora sigue siendo Voces Inocentes de Luis Mandoki, con 56 millones de pesos y un millón 600 mil espectadores.
Sin más, a continuación las cifras. Vuelvo a recordar que por cuestiones de copyright los datos son aproximados. Cualquier cosa, reclámenle al "Epi" Arcos, que es quien provee -gentilmente- esta exclusiva.

Lugar Título [Ingreso1] (Asistentes2) Copias /Semanas
1 Miss Simpatía 2: armada y fabulosa casi 14 millones 335 mil 287/1
2 El vuelo del fénix 3 millones 600 mil 84 mil 141/1
5 Robots 112 millones 3 millones 350 mil 301/6
17 Manos Libres... nadie te habla 3 millones 200 mil 89 mil 128/2
30 Club Eutanasia (pre estreno) 154 mil pesitos 3 mil 600 43/1
36 Temporada de Patos 9 millones 400 mil 272 mil 29/26
67 Ver, oir y callar casi tres millones 94 mil individuos 3/7
90 Adán y Eva (todavía) 133 mil lucas ¡3 mil 300! 3/5
94 Voces Inocentes ¡56 millones! un millón 648 mil 1/12
95 Puños rosas 4 millones 800 mil 142 mil 2/10
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1,2 Acumulados