Cinexcusas - Reseñas, premieres y lo que se acumule!

Bourne vs Bond o la antítesis del héroe americano

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Tue, 11 Sep 2007 07:21:00 +0000

El chico americano promedio, con una güereja ídem, convertido en asunto
de seguridad nacional. © Universal Pictures
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Aparentemente, la trilogía iniciada en 2002 basada en la novela de Robert Ludlum, llega a un buen final en pantalla, un lustro más tarde. Atando muchos cabos que eximen -casi- la necesidad de exponerse a las dos cintas que le preceden, Bourne: Ultimatum remata y no sólo se supera a sí misma, sino a las versiones más recientes de agentes secretos asalariados.
Dirigida nuevamente por Paul Greengrass, un experto en temas bélicos, de guerrillas y en convertir en dramones las historias de personajes equis (recuérdese el estrés recreado en pantalla logrado en United 93), la tercera cinta torna aún más vertiginosa, palpitante. Al grado que, me atrevo a decirlo literal: la historia de Jason Bourne, con menos presupuesto y más historia, creo que le ha arrebatado al James Bond de Ian Fleming, un lugar privilegiado.
Aquí mis 10 razones:

1. Jason Bourne (Matt Damon) es, por la naturaleza de "El Programa", un chico aún más malo. Entrenado para matar, aprende a contenerse y recurre a la estocada final sí y solo si es necesario. Además, se rebela a sus jefes. Los reta y encara.

2. Jason Bourne es muchísimo menos hi-tech que Bond, pero igualmente eficiente. Con un celular prepagado es capaz de poner en jaque a todo el sistema GPS de la CIA durante una memorable corretiza en una estación de tren... precisamente en Waterloo, Inglaterra.

3. Se acabó el agente gigoló, seductor, mátalas callando... Bourne ha tenido un sólo amor (Marie Kreutz, interpretada por Franka Potente, vista en The Bourne Supremacy) capaz de llevar en su recuerdo (dentro de las vaguedades del mismo, pues cabe recordar que no tiene memoria) y en los recuentos de sus venganzas. Bourne es un tipo promedio, sin poses de cualquier índole.

4. También sabe matar, pero a puñetazo limpio. No armas. 100% asalto físico (como Los Ángeles de Charlie, pues!)

5. Cero autos de lujo a su servicio (y de paso mayordomos ñoños-freaks). Lo mismo puede atracar y desplazarse con gran habilidad en una motoneta, que un Mini Cooper o mejor aún, una patrulla neoyorkina. Domina correr en reversa como pocos y tanto su cuello como integridad no tienen empacho en volar de un piso a otro con el acelerador de fondo. ¡Maestro!

6. ¡Es americano! (bueno, norteamericano). Cero arrogancia británica ni espacio para las modas. No es un chico trendy vestido para matar ni mucho menos, socializar.

7. Siente, ama: se duele. Si se preguntan por qué en Casino Royale (Campbell, 06) el actor Daniel Craig debió soportar tormento chino justo en la entrepierna, fue precisamente un intento por hacer más humano al personaje. Bourne ya lo era. Le había comido el mandado. El hecho de saber que no es quien dicen que es, lo atormenta. Si la trilogía despeja dudas sobre su origen ¿vendrá acaso la precuela?

8. Su mera existencia es un asunto de seguridad nacional (gringa). Jason Bourne se eleva al mismísimo rango de Osama Bin Laden o del Chapo Guzmán (si lo tropicalizamos). Con todo y que la CIA puede predecir su ubicación en cualquier punto del planeta, es inteligentemente escurridizo. Se da el lujo de aparecer a cuadro en circuitos cerrados de TV y desaparecer en nanosegundos.

9. No usa caretas. Jason Bourne es en realidad un tal David Webb que, en el mejor estilo del Capitán América se inscribe en un programa que pretende generar super agentes secretos, capaces de salvar a su pueblo de la escoria multiversal (oh sí!). Nada de nicknames ni códigos alfanuméricos para identificarlo.

10. Bourne es capaz de regresar a sus orígenes y meter en singular cintura a sus perseguidores, de uno en uno. Y ya con eso, pudo darle la vuelta a la moneda a cualquier historia de agentes secretos. Es entonces, la antítesis del héroe americano enfundado en asalariado de la CIA. Este señor sí amerita un "¡eres mi antihéroe, papá!"

Oscura torna la red; rubia es la discordia

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sat, 05 May 2007 02:59:00 +0000

Cuando más mejor iba la relación entre Mary Jane y el "Tigre", llega esta güerita
para meterle giribilla al asunto... © Columbia Pictures
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Spider-Man 3, la cinta con la que arrancan los esperados blockbusters de verano, ya está aquí. Disfrutarla con mis amigos en el primer minuto del 4 de mayo, día de su estreno mundial, en pantalla IMAX, no tuvo precio. Y, al igual que en los dos episodios anteriores, la emoción por ver los desfiguros que Sam Raimi haría de la historia, nos mantuvieron despiertos por más de dos horas y media apoltronados en el cine.
Como cada una de las cintas donde los efectos especiales se convierten en un protagonista más, cabe destacar que la pausa de tres años entre el segundo (2004) y tercer episodio logran madurar no sólo a los derroches tecnológicos (con un presupuesto superior al cuarto del billón de dólares no era para esperar menos), sino también a los actores y, por qué no, al director.
Apartando entonces mi lado puritano, el mismo que me hizo relinchar por los desvaríos de la trama, con respecto al cómic original, a estas alturas de la vida ya me valían fregaderas como que un tal Flint Marko (Thomas Haden Church) era en realidad el asesino del tío Ben... y que a la postre se convertiría en El Areneno. O mejor aún, la inclusión vaya-usted-a-saber-por-qué, de la peliteñida Bryce Dallas Howard en el rol de la súper ñoña Gwen Stacy, el único, verdadero y fallido amor de Peter Parker (cuando desde el inicio nos "hicieron" creer que nel, la chica next door fue Mary Jane Watson). Nótese el peso específico de las mujeres en la vida del fotoperiodista/superhéroe. ¿Acaso no hay un momento en la vida del hombre donde todo, absolutamente todo, se reduce a mujeres?
Si en la primera parte MJ no muere a manos de El Duende Verde (el único personaje constante, aunque sea en la memoria, durante las tres películas) en pleno puente de Brooklyn, como a Gwen le ocurrió, ¿qué se puede esperar de esta mescolanza de personajes/subtramas y largos etcéteras? Un alto grado de sorpresas. Y sí, muertes inesperadas.
En la segunda entrega a Parker le llovieron catorrazos y zapes de quien menos se lo esperaba y la vida parecía no componérsele, con la llegada de este ser simbiótico denominado Venom (ojo, muy al estilo del Terminator Schwarzeneggueriano) salido, literalmente, de la nada, imagine qué pasa a la hora de sacar su lado oscuro, el tan mentado plot point que venimos escuchando desde los primeros trailers de la cinta.
¡Agárrense viuditas! Puesto que Parker, en su alter ego de las mallas rojas-próximas a oscurecerse, se convierte en toda una celebridad cuya fama rebasa la marquesina donde Mary Jane empezaba a brillar en Broadway (¡tómela! a la peliroja también le toca morder el polvo, gacho) y para acabarla de amolar, deberá sacarse al mismísimo demonio de las entrañas. Rencor, venganza, humillación al enemigo. ¿Así o más tormento?
Peleas en el aire mejor logradas, más vertiginosas y completamente neoyorkinas; una dupla de súper villanos de quienes se agradece la caracterización (la mole de arena y granito capaz de cobrar vida, en mancuerna con la viscosa gelatina negra que es Venom, no tienen nombre), una embarradita de dilemas éticos en torno a la amistad, el amor de pareja, a la familia, el éxito a través de la popularidad, la necesidad de perdonar para salvar y ser salvado. La cinta con la que hasta ahora se conforma la trilogía de Spider-Man deber verse, sí, como el gran espectáculo que hace justicia a los fanáticos del arácnido, y que por muchos años esperamos verlo en pantalla.
Pero en el fondo (o más bien, cada vez más por encimita), sí también como una reflexión al fin de al cabo humana, gran diferenciador de las historietas de Marvel con respecto a cualquier otra en el mercado, en estos temas y que a cualquiera, humano mordido por arañas o picado por mosquitos, nos atañen. Ésta seguirá siendo la gran virtud de los personajes Marvelitas. Y mientras la estrella no encuentre su ocaso, ni los actores envejezcan como para no reconocerlos, seguro habrán más episodios cinematográficos en el futuro. Y muero de ganas por saber qué destrampe de guión fabricarán para la cuarta cinta.

Cañitas. Del metro Popotla al Óscar

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sat, 07 Apr 2007 16:43:00 +0000

Cuando los mostros revelan su cara, en pantalla, se pierde la magia detrás del terror en la literatura. © High Level Films
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Confieso haber llegado a una función de Cañitas. Presencia (¿alguien sabe el origen del título combinado?) sin haber sido antes "cliente" del fenómeno. Jamás toqué el libro de Carlos Trejo, toda la historia me llegó por gente que había ojeado sus páginas y que, a la postre, había tornado de escépticos a fervientes creyentes (y hasta especialistas) de la maldición maldita que rondaba en la vieja casona allá por el metro Popotla. A sabiendas que el género de terror no es precisamente el mejor consolidado en nuestro país, el morbo por ver y juzgar qué hay detrás de la cinta, me orilló al cine. A unas semanas de haber visto Kilómetro 31 (Castañeda, 07), una cinta de, sin duda, mejor manufactura. Bla.
No hay más vuelta de hoja. Si el cine nacional no avanza no es culpa de los actores que se desgañitan frente a la cámara. Mucho menos del director (Julio César Estrada, de quien, casualmente, no se trata de una ópera prima; tal vez si de una póstuma). Tampoco del equipo de producción y de F/X, que hacen su luchita por traducir los fantasmas que el guionista se puñeteó en la cabeza y que puestos en máscaras de látex o caras empanizadas de extras, son francamente risibles. Con todo el esfuerzo y la lana que implica levantar un proyecto en México, ¿por qué carambas apostarle a una película cuya premisa, en la historia, es un reverendo chiste? Cañitas llega con el background de ser un best seller de librerías como VIPS (versión "actualizada" incluida). Así que franquiciarlo a una comedia cinematográfico, seguramente, para quienes desembolsaron, fue como quitarles un pelo.
En la casona, habita una inverosímil muy joven familia conformada por el propio Trejo (encarnado en Armando Hernández, lejos de sus roles habituales de pandrosito; no me lo creí), su esposa Sofía (Mariana Ávila, acartonada cual muñequita de papel que se siente) y su maligna hermana Norma (Francesca Guillén, un poco más rescatable, ojipintada para que parezca dark). Es esta última quien, en su obsesión por comunicarse con el novio muerto (mientras en tierra le da vuelo a la hilacha hasta con el jefe del hermano), desata la hecatombe tras maljugar a la Ouija. Acto seguido: la "magia" de la producción. Añádase a la familia un par de morros, el obeso y el mudito, que apenas puja como gato y nadie le presta atención ("así nació", así ha de morir en el olvido el pobre).
Tras este plot point, lo que ansiaba ver era la tragedia posterior, traducida en la digna carnicería que la cinta/historia prometía ser. Pero si murieron dos, fue demasiado (¿no se supone que es la cinta donde se mueren todos al final, salvo el que la cuenta?). Vidrios que estallan sin razón, temblores cataclísmicos que ocurren sólo en la localidad en cuestión, trenes fantasma en las vías, presencias piteras de seudo monstruos protegidos por las sombras, encapotados en látex de mercado de Sonora. Vaivenes de la familia para comprender el fenómeno e intentar resolverlo con la misma "magia" que desató a los chocarreros. ¿Los productores pensaron huir por una puerta fácil pensando acaso en prolongar el churro a una secuela?
Por si alguien no se había enterado, hace un par de años, cuando los medios fueron convocados por Carlos Trejo para anunciar el rodaje de la cinta que ya se encuentra en pantallas, uno de los "muertos" en la historia se apareció ahí, de repente. Levantado de la tumba. Y llegó para despotricar que nel, que el "cazafantasmas" mexicano era un fraude, un impostor, que ni él estaba muerto pero que sí lo habían amenazado de ultimar. Y que Cañitas era, por mucho, el negocio de su vida. Así como llegó al set, lo sacaron en patas... Y la película entró ídem a la cartelera. Ojalá programaran aún aquellos programas que llevaron por nombre Y usted ?¿qué opina? donde Nino Canún confrontaba al público de la XEW con escépticos y creyentes del fenómeno. Ese escenario haría mejor justicia para linchar a-quien-resultara-responsable (una fórmula reciclada la realiza, de pronto, Alfredo Adame en su programa mañanero... con bastantes mediocres resultados).
A inicios de año, Carlos Trejo dijo que la cinta quedaría lista para este mes y la vería para analizar si estaba de acuerdo en los "límites" que decidió imponer. En una entrevista con La Crónica de Hoy (23 de enero de 2007) se atrevió a aventurar lo siguiente: "Ojalá [Cañitas] pueda competir en los Oscares, y se dé un marco importantísimo para que pueda hacer producción en el ámbito mundial". Por mi parte, ya hasta perdí las ganas de pedir prestado el libro. Veremos hasta dónde llega su historia aspiracional que no deja de ser tercermundista.

La Reforma de mi vida

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Fri, 17 Nov 2006 07:34:00 +0000

Desde hace casi dos años que quedé oficialmente desempleado, mi única y siguiente gran meta profesional era enrolarme en el peródico que pregona ser el "Corazón de México". Proveniente de un consorcio de medios regiomontano, el Reforma fue mi más grande aspiración y era como el paso natural en mi "carrera" después de haberle jugado al periodiquito y de reportero más orientado al cine y los espectáculos, cosa que en mi anterior chamba en el Tec les ardió por completo hasta que terminaron sacándome del equipo.
En 2005 una y otra vez pisé sus terrenos en la Santa Cruz Atoyac de este medio, sin éxito alguno. Uno, dos, tres exámenes de ortografía, conocimientos generals y demás, presenté como si estuviera en la feria. Quienes me conocen, supieron que mejor me dediqué a emprender por cuenta propia y desde hace poco más de un año como socio de Casa Naranja al lado de quien fuera un acérrimo colaborador del extintísimo Jaque del Tec. Quién lo iba a decir! Pero para como están las cosas en este país, no hay de otra sino buscar la manera de salir adelante.
Cuando ya había perdido la esperanza y mi currículum navegaba de mala gana pidiendo chamba a terceros, el horóscopo que publica el suplemento Top Magazzine me marcó la ruta a seguir, hace cosa de cuatro meses. Lo que ya era totalmente improbable, resultó como en el noviazgo perfecto: una vacante para el área de Gente! en el punto-com. Feliz de la vida como me encontraba estampando y vendiendo playeras, de pronto me entró el miedo y el nervio a encerrarme en otra chamba de tiempo completo, con horarios (y vestimenta) formales, que darían el color a mi trayectoria profesional. Eso inició en agosto y se acabó la semana pasada.
La película que ya me sabía: las odiosas y dueñas-de-la-situación-y-del-changarro mujeres de Recursos Humanos como el primer filtro. Baterías de exámenes: los mismos que ya había presentado una y otra vez. Entrevista con otra mujer de las que captan "talentos". Entrevista con el coordinador del área donde trabajaría. Entrevista con la coordinadora de Gente! Entrevista con un máster de Recursos Humanos. Entrevista con el director de todo internet. Lo subrayo: era el romance perfecto. Todo fluía. Serios los cuestionamientos del tipo "Casa Naranja? Qué haces ahí?" "¿Así que eres todo un empresario, ah?", como inspirando mala leche con tal de agarrar mis chivas y llegarle. Pero no fue así. Por espacio de casi tres meses, me salí con la mía y logré, después de mucho chillar, enrolarme en el mejor periódico de este país como Coeditor Asociado Internet Gente! ¡Hágame usted el favor!

Así lucío mi foto por espacio de un mes en el pizarrón de ¡Bienvenidos! (no por mucho, jaja!)
© Cinexcusas Press Photo
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Para hacerla más emocionante y evidenciar la carencia de fuentes de empleo de este país, un día antes de ingresar a la plantilla laboral, la premier: vas a estar a prueba por tres meses y además, en competencia con otra persona para ver quién de los dos cubre mejor el perfil y se queda con la plaza. ¡Todo un reality show! Mi mayor temor era haber perdido callo para la redacción, más tratándose de tiempo real. Este blogcito y la mínima carrera que había hecho en el extinto Libertas, me defendieron. Aún cuando a los dos los boté vilmente durante muuucho tiempo. ¿A qué me mostraba más intolerante? A la frustración.
Así, con las ventas viento en popa en Casa Naranja, me enrolé, a sabiendas que en tres meses podría ganar o perder todo. Y si pensaban que haría el negocio personal a un lado, señores, estaban que se revolcaban de equivocados. Con un horario de la fruta, un día de descanso a la semana (miércoles) y toda una temporada de conciertos y eventos nocturnos, que prolongaban mi estadía en la redacción hasta altas horas de la madrugada, aguanté vara. Ni siquiera para competir con alguien más. La prueba de resistencia fue conmigo mismo. ¡Caray, que orgullo! No sólo me aprendí las herramientas para publicación en internet, sino que recobré el gusto por la redacción y tuve la oportunidad de preparar los contenidos que a mi como lector de ese medio, siempre me habría gustado ver (como el test de la filmografía sobre el 9/11).
Fueron los dos meses y medio más intensos de mi vida, confieso haberme sentido pleno y echando además adelante la venta y diseño de playeras. Claro, del lado personal, como desde hace casi dos años, ya perdí contacto humano y si algo extrañaba y era precisamente lo que pedía a gritos, era trabajar con GEN-TE. Pero oh sorpresa. En un medio tan absorbente, donde la noticia se genera a cada segundo, fue toparme con que cada quien se encontraba inmerso en su chamba, unos pegados con otros, sin puertas ni paredes. Los jefes de la edición impresa, por un lado en una parte superior. Los reporteros, de aquí para allá. Los editores, histéricos gritoneándose con los diseñadores (Canseco, al día de hoy sigo admirando cómo es que superviviste tanto tiempo en el Tec)... Y yo ahí, queriendo hacer contacto humano, tratando de proponer mejoras a la página, al equipo, a los productos especiales. Y en eso se quedó.
Una de las primeras cosas que estoy seguro aborreció quien dijo llamarse mi "jefe" fue que, en vez de competir lo que se dice competir, con la otra persona por esa vacante, resultó que se convirtió en mi mejor aliada y compañera de trabajo durante el tiempo que la cosa duró. Tan ardido estaba el "jefe" que hasta se encargó de meter chismesito caliente sobre mi manera de llevarme con Elia, una pasante de LCC pero de la UIC. Nada que ver. Por el contrario, los dos con cara de what, no sabíamos a quién nos odiaba más. La comunicación de esta persona siempre fue nula y además, parecía que nos despreciaba. Pero no sabíamos si siquiera, era parejo o equitativo en eso. ¿Quién abusando de su cargo y nivel se encarga de meter ruido dentro del equipo?
Santiago: estás a años luz de siquiera aspirar a llamarte coordinador.

Elia jamás fue mi "rival". Por el contrario, se convirtió en mi único contacto humano durante los tres meses del reality. Lágrimas, risas, su cumpleaños... de todo pasamos. Gracias amiga!
© Cinexcusas Press Photo
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La fregadera se convirtió, entonces sí, en verdadera competencia. Pero con el inepto del coordinador. Me entero que el equipo viene parchado, pues de pronto todos los de esa sección, se salieron o los fueron. Para tapar el agujero, jalaron a este señor de otro suplemento y conformaron el equipo reclutando gente. Su brazo derecho: un niño modosito que jugaba a ser medio ingenuo y a la vez medio propositivo y sumiso con tal de estar apadrinado y ganarse el lugar. El brazo izquierdo, la mente creadora, súper explotada y súper negreado. Héctor, un gran cuate que después de mucho luchar, finalmente ya le dieron un mejor lugar. Es el claro ejemplo de cómo las empresas abusan de las personas cuando las catalogan como "practicantes".
Sin comunicación al interior, sin capacitación integral, sin juntas de equipo semanales para evitar canibalizar las propuestas; con un gran celo de que la gente nos conociera. Sin liderazgo. Sin un carajo mentor a quién seguir pero por sus buenas acciones, no por sus órdenes. A eso me enfrenté. Y en un trabajo por el que chillé a gritos conseguirlo, terminé frustrándome con los estúpidos filtros de un jefe a quien considera como máximo a Pedro Almodóvar pero es incapaz de darle un buen nivel de destacados a las notas del mexicano Guillermo del Toro. Un remedo de coordinador cuyo miedo de dejarme publicar las nalgas de Tara Reid (más bien, miedo a perder su chamba) a las once de la noche, se evidenció cuando el print arriesgó a meter la misma foto en la edición del día siguiente, con la consecuente per-ma-nen-cia del mismo hecho. Un fulano que no aceptó la crítica, que las fotos con encuadres diferentes las considera "bizarras" y que censuró una numeralia de los escándalos de Paulina Rubio cuando ¡sorpresa! los del impreso se agarraron las bolas y lo publicaron un día después.
Fin de la historia. El tercer capítulo era claro: en el equipo no iba a haber un editor pasivo metiendo las fotitas dinamiquitas que pregonaba la también estúpida de mi ex jefa en el Tec. Era mejor dar por terminado el reality a tener alguien que, tarde o temprano, le iba a quitar el puesto. Carajo, ni siquiera el puesto per sé. Era la convicción de hacer las cosas un poquito mejor, de jalar más gente con títulos más atractivos, con sondeos de opinión más concienzudos. Con productos especiales que exaltaran los valores del espectáculo mexicano, por encima de los extranjeros. Y pues así acabó la prueba.
Para ensalzar más la fregadera, alguien por favor que me explique cómo es que una empresa gasta lana en procesos de selección, en exámenes, en pruebas médicas, en seguro social, en pagar por dos la nómina cada quincena. Y al final del día, en pagar dos finiquitos, pues ni Elia ni yo, nos quedamos con la plaza. Conclusión? No hubo jamás una vacante. El jefe prefirió ascender (por tercera vez en el año, ¿es ello razonable?) a su mana derecha y consecuentemente, a Héctor. ¿Para qué nos tuvieron entonces ahí? Con todo el estrés y terror sicológico?
Mayor sorpresa: la jefa del jefe, no tenía ni putarraca idea de cómo estaban las cosas. ¡Hello! ¡Apestan! Una prueba más del desconocimiento de la situación interna en los equipos de trabajo. Gran lección la que me llevo! Y si alguien creía, afuera de esa redacción, que las dos áreas (impresa y por internet) estaban muy bien integradas, señores, están viendo la película equivocada. Por gente como con la que me tocó lidiar, los equipos de trabajo jalan cada quien por su lado, se forman grupitos de poder al interior, los chismes corren como la cafeína y lo que es peor: el ambiente de trabajo se vuelve tenso. Trabajar así todos los días, excepto Navidad. Está del tubo. Y aunque ya estaba comprometido y me creía el rollo de "estamos contribuyendo a que la gente mejor informada tome mejores decisiones" les digo: váyanse al carajo.
Lo que necesita este país es gente con conciencia de que su trabajo vale más que un triste sueldo conformista cada 15 días. Más sus vacaciones y su pavo a fin de año. El día que nos la creamos y con esa actitud cada quien trabaje y genere pequeños, luego grandes cambios en su entorno, ese día saldremos de la mentalidad perdedora a la que empresas como CICSA nos tienen acostumbrados.
Señores, mi finiquito se va directo a invertir en el negocio de Casa Naranja. Sólo eso les agradezco. Aunque claro, aprovecharon el puente del 20 de noviembre para que pueda ir hasta el 21 a cobrarlo al banco.

¿Estás pagando "uso de suelo" en Reforma.com? La próxima vez que veas una errata en Gente! puedes escupírsela a Santiago Mobarak (izq.) Efectivamente, se ve que está hasta su madre de trabajo. © Cinexcusas Press Photo
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¿Saben qué es lo que más aprecio haber recobrado al terminar este reality? Mi libertad. De hacer lo que me pega la gana, de decir y publicar lo que pienso y lo que creo. De, como dice mi ex suegro, estar en un país capitalista y poder ejercer el comercio electrónico sin que nadie me diga que no. Ni modo, se me derrumbó el ideal de la gente que yo esperaba encontrar en Reforma, de los mentores que allí pude haber encontrado para aprender de ellos. Hace falta una muy buena escuela donde te enseñen a ser patrón. Mientras tanto, yo seguiré en el autoaprendizaje pero feliz de poder ser mi propio jefe.
Queridos lectores, estoy de vuelta. Y lo que es mejor: he podido ir al cine de nuevo.

X3 vs la Saga de Fénix oscura

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sun, 04 Jun 2006 07:10:00 +0000

En el cómic, Jean Grey se convierte en Fénix tras salvar a sus colegas de una tormenta solar. © Marvel Entertainment Group Inc.

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Era evidente que Jean Grey no había muerto. No así en el cómic, menos en X2, secuela de la brillante adaptación fílmica que tanto habíamos demandado los fans. Tuvimos que esperar cuatro años para saber qué ofrecería X3 The last stand, que por el título, pareciera la "despedida" de los mutantes en pantalla grande. Fuera del relevo del director (Bryan Singer, quien en breve estrenará el "regreso" de Superman, en la compañía de cómics de enfrente, por Brett Ratner), había muy poco anunciado y, a mi manera de ver, el trailer era confuso. En el fondo, como diría mi mainta, aquí también hay una historia de amor. Y por amor también se mata ¡chin! ¡Uno menos!
En ese cada vez más lejano 1991, cuando la extinta Novedades Editores publicaba cómics de Marvel, tuve a bien adquirir la Saga de Fénix oscura. En la serie tramada por Chris Claremont, esa Jean Grey, alias Chica Marvel o Fénix, gran telépata "de potencial desconocido", deja ver su lado oscuro. El malo, pues. El que la obliga a consumir galaxias enteras para saciar (a la vez que demuestra) su sed de poder. El mismito por el que, ni modo, deberá rendir cuentas y morir.
Hoy, en esta libertad y hasta maniqueísmo al que tanto personaje de Marvel se ha sometido para salir en pantalla, en una cinta sí taquillera, pero que gracias a los adelantos tecnológicos actuales pueda hacerle por fin justicia, no es nara raro que los X-Men se sometan a tremendas alteraciones desapegadas de su historia y orígenes. Y no es que me empeñe en aguar la fiesta, ¡por el contrario! Ya había leído que esta tercera parte mantenía al espectador apañado del asiento. ¡Funciona! Pero quienes leimos de embarrada el cómic, podrán coincidir conmigo.
Así pues, veremos cómo el Dr. Hack McCoy (a.k.a La Bestia), tiene una chamba en el gobierno estadunidense, el cual ha desarrollado una "vacuna" para sanar a todos los mutantes que así lo deseen (ellos, al igual que los afganos después del 9/11, seguirán siendo enemigos públicos) y ¡quienes menos se lo esperen! Pues como si fuera espuma de aerosol en pleno 15 de septiembre se ha repartido como elemento de control. ¡Snif! La primera baja a causa de esta nueva arma sí que duele...
Pero a sabiendas de la reencarnación de Jean Grey, Charles Xavier y Magneto, del mismo modo que hace (supuestamente) dos décadas, la buscarán hasta su changarro para, como candidato en época de comicios, pedir que se les una a su causa. ¡Tómala! Esa pelea psíquica entre el aguerrido profe y la mutante "nivel 5" más poderosa que se haya visto (créanme, hasta el amo del magnetismo se queda corto a su lado) no sólo es sorprendente, sino que rompe la espina vertebral de la escuela. Vean cómo la dibujó John Byrne. Imagínenla si es que no han pagado su boleto (¡móndrigos!)

En el cine, esta pelea tiene otra resolución. X3 es una total tragedia para la historia escrita en papel. © Marvel Entertainment Group Inc.
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A esta trágica confrontación (hasta aquí van tres "decesos" considerables) ha de seguirle una más grande y es donde la cinta se pone aún más buena. Pero antes, en los cada vez más desmembrados pupilos de Westchester, dos personajes deberán retomar el liderazgo en vez de clausurar la escuela, meterle galleta a los entrenamientos en el cuarto del peligro (versión 3D) y hasta habrá tiempo para una semi-pedaleada en bicicleta ajena, para ponerle un poco de limoncito a la llaga. El joven reparto visto en la secuela ahora da un peso más específico a los "nuevos" mutantes como Bobby Drake (Shawn Ashmore), la intangible Kitty Pride (Ellen Page) y Peter Rasputin (Daniel Cudmore) como el fornido capaz de tornar su piel en acero orgánico. Del lado de los malos, Pyro (Aaron Stanford), el amo del fuego y un risible-cascote-incluido Caín Marko (Vinnie Jones) como el iracundo Juggernaut, otro de los imparables villanos que en las historietas, ni el mismo Thor pudo detener.
Y así hasta que Magneto se erige como líder de la hermandad mutante para librar la más grande de las peleas, escoltado por Fénix versión oscura, en un supuesto San Francisco que, para variar, resulta ser Canadá.
En su reciente visita a México, Hugh Jackman anunció que produciría, para el año entrante, una película basada exclusivamente en Wolverine, mutante que le ha dado fama como actor y hay que decirlo, tuvo a (muy) bien repre$entar. ¿Será ésta la cuarta película de los Hombres X? Por ahora se dice que no. Pero con tantos decesos, pérdidas de poderes, alteraciones y también tantas claves (quienes no han ido a ver X3 hagan caso cuando se les dice que al final de todos los créditos hay material inédito que debe verse) no hay nada seguro.
El final de la Saga de Fénix oscura es uno de los más emotivos que tuve oportunidad de leer en cómics. Enmedio, el dilema de una Jean enamorada de Scott Summers y que nunca dejó de ser acosada por Logan. El poder para salvar al universo o disponer de él a plenitud (toda una "diosa", bien reconoce Magneto). Por amor y a pesar de él, también se mata.
Grábense esta imagen para cuando tengan oportunidad de ver la adaptación fílmica. Luego me dicen en qué se pareció (o no) una con el otro.

María Magdalena, uncoded

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sun, 21 May 2006 00:59:00 +0000

¿Hay o no una tensión sexual entre estos dos monigotes? © Columbia Pictures

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Les guste o no, hayan leído, chismeado o enterádose apenas por la vecina (o su hijo) de qué carambas se trataba, todo mundo está abarrotando este fin de semana las salas donde se exhibe El Código Da Vinci.
De nada sirve que aún los gringos más conservadores hayan pedido rezar un rosario antes de ir a verla o que tanto prelados mexicanos como organizaciones que pecan en su manera de "salvaguardar" los valores, califiquen a la cinta como aburrida. ¡Qué diablos! ¡Es sólo una película! Es la película de moda.
En ese gran empuje mercadológico previo, a mis manos llegó un ladrillo pirata de menos de 100 pesos de Dan Brown, seguramente Made in Tepito. Chutarme las primeras de sus más de 800 páginas fue verdaderamente tedioso. Sin embargo, como a muchos, poco a poco las volteretas de la historia, lo rápido que ocurre y las corretizas en las que se topan los personajes, lo hizo menos pesado. Sin duda, el acto mágico de tomar un libro ocurre en nuestra capacidad de imaginar los escenarios que nos plantea así como delinear a cada personaje. Este best seller, así, casi tal cual, era, de entrada, un guión perfecto para el tipo de películas de Hollywood y que pésele a quien le pese, hasta abrió el Festival de Cannes de este año. ¡Es lo que hay!
Para no aguar la fiesta y reservar la emoción de quienes aún esperan ir a verla estos días, Ron Howard (Apollo 13, A beautiful mind) no pudo haber tenido mejor casting. Del lado americano, a uno de sus máximos representantes en todo el globo: Tom Hanks como el profesor Robert Langdon. Del lado parisino, nada más simbólico que Jean Reno como el capitán Fache y Audrey "Amelie" Tautou en el rol de Princess Sophie.
Enclavados en las galerías del Museo del Louvre (en el libro, Brown hace saber al lector que ni siquiera conoce París, que él es una piola ubicando cada centímetro cuadrado del recinto) a partir del asesinato del curardor local (tío de Sophie), la historia por todos sabidas cae en la posibilidad mítico-histórica de tambalear la fe cristiana, en tanto que Jesús pudo haber tenido una hija con María Magdalena y, luego entonces, el mito-chantaje-llámelo-como-quiera en el que nos hemos envuelto. ¡Una mujer es entonces el centro de la controversia!
Polémica por tratar este asunto y ubicar al Opus Dei como una organización extremista adinerada-acaudalada, la novela tenía que ser adaptada cinematográficamente, casi de manera natural, pues insisto que el texto asemeja mucho un guión, concentrado ahora en dos horas y media de cine. Y para lo cuadrados que resultan algunos diálogos (dice el profe Gerardo Salcedo, subdirector de programación de la Cineteca Nacional, que los personajes parecen "bibliotecas ambulantes") sólo había que hermosear un poco la trama con los paisajes naturales, un reparto representativo, flashbacks mejor estructurados y claro, un presupuesto exorbitante para el calibre de blockbuster que iba a darle la vuelta al mundo, como si el libro no lo hubiera hecho ya.
Debo reconocer que la película me pareció funcionar, aún cuando tanta voltereta escrita me fastidió. ¡Y es que de eso se trata! Engaño o no, verdad o netas a medias, polémica o complaciente, la conclusión con la que pude abandonar la sala giró en torno a mi propia fe y eventuales creencias, sea más por herencia que propia convicción. Más cuando justo estoy conciente que uno es responsable de su propio destino y toda fuerza extraterrestial, si es que la hay, hasta se ríe de nuestras desgracias en vez de echar la manita.
¿Qué tan fuerte anda su fe en estos días, querido lector?

Plancha Mandoki camino a AMLO

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Fri, 12 May 2006 08:55:00 +0000

¡No se quede sin el suyo! 49 pesitos en cualquier changarro de periódicos. © Astillero Films S.A. de C.V.

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Damita, caballero, en esta ocasión el cineasta Luis Mandoki le trae a la venta un video documental con la vida y obra del Señor López Obrador, popularmente conocido como Pg. Conozca la vida, obra y todos esos horripilantes crímenes de los que ha sido acusado nuestro ex jefe de gobierno capitalino y próximo prócer a ocupar la oficina de los Pinos...

A unos días del exterminio del foxiato e inmersos en una programación televisiva/guerra mediática (sin contar el cochinero que han hecho de esta ciudad con tanta propaganda) donde los presidenciables se avientan de todo, menos sus propuestas para sacar adelante el país, encuéntrese ya en circulación una serie documental de tres volúmenes dirigida ni más ni menos que por Luis Mandoki (el mismo de la multipremiada Voces Inocentes) cuyo título es ¿Quién es el Sr. López?
¡Que agarren confesados a los autores del complot contra López Obrador! Pues a partir de esta entrega recopilación-crónico-periodística, el primer round de 50 minutos expone ni más ni menos a todos los nombres y apellidos (incluido el “innombrable”) de los creadores intelectuales del “ridículo” complot en contra del ahora indestructible e imparable candidato a la silla máxima.
El primer volumen inicia pronto y no pretende armar un perfil del político tabasqueño (sin embargo aparecen pequeñas narraciones de sus difuntos padres y de su maestro más influyente en la secundaria): se va de lleno sobre el Sanjuangate, evidencia los dotes skerlockholmescos del ex jefe de gobierno para salir adelante en la farsa y, como si fuera pelea de campeonato, continúa un segundo round con el mismísimo Carlos Ahumada, luego de llevarse entre las patas a personajazos como Carlos Ponce y el “profe” Bejarano, ambos expuestos en los videoescándalos. Mandoki omite hablar de la carrera política de Andrés Manuel (no es un perfil, insisto) y apenas expone fotografías de cuando éste era el incipiente chamaco político que organizaba éxodos de Villahermosa a la hoy ciudad “de la esperanza” para denunciar fraudes. Pero nada más.
En la premiere de esta serie ocurrida a finales de abril, muy a la vieja usanza, los revoltosos que se quedaron afuera de la sala con la cortina metálica impidiéndoles el paso, se tuvieron que conformar con un DVD de a grapa para evitar algún incidente. Adentro, el propio López Obrador acompañado por Mandoki, vieron el resultado de la segunda entrega de este documental, pensado por el cineasta como un continuum que desembocara en las elecciones de julio próximo.
El resultado del segundo episodio, pareciera planchar aún más la alfombra roja con la que AMLO llegaría a Los Pinos, como al día de hoy, todas las encuestas parecen señalar (hay que reconocerlo: a menos que le ocurriera como a Colosio, nadie lo puede parar). Son verdaderos documentos donde el apodado PG es el más chido de los políticos, el más austero, leal, profesional, luchador y honesto.
En voz de sus ex secretarios (Raquel Sosa, Alejandro Encinas, hoy jefe de gobierno relevo), escritores (José María Pérez Gay) y hasta académicos (Lorenzo Meyer), estos videos legitiman el bienestar que sus políticas han producido y dejan ver que, al igual que en el 2000 con el provocado voto “del miedo” orquestado por el PRI en torno a una eventual desestabilización del país en caso de que ganara la oposición, seis años después los denunciantes son los mismos que ostentan el poder, pero del partido de enfrente. Y por si hubiera duda hasta algunos empresarios declaran a cuadro que con López Obrador, pensando primero en los pobres, ahora sí vamos para adelante.
Nuestra política ficción comprueba dar para el cinema verité en el ejercicio de Luis Mandoki. Sin ser una joya del video expóngase a ella con cautela y, en la víspera de las elecciones, procure reafirmar sus convicciones políticas por quien realice las maromas más acrobáticas.

¡Tsa huevo!

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sat, 22 Apr 2006 09:40:00 +0000

Así, viéndolos en vivo, ya están más huevones. ¿A poco no? © Cinexcusas Press Photo
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Mi primer contacto con los personajes de Huevocartoon.com fue a propósito de las risotadas que un par de ex compañeros de trabajo soltaban cuando, sin mucho que hacer en la oficina, se la pasaban descargando esas animaciones en Flash con las que se dieron a conocer.
Comunidad del Huevo S.A. de C.V., la empresa echada a andar por los hermanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio, orgullosos ex alumnos del Tec (lástima, del Campus Estado de México), pronto dio de qué hablar en aquel lejano 2002, donde el cortometraje animado "qué linda hueva" fue fugazmente pirateado y esparcido por toda la red, empujando a los espectadores a conocer a esos simpáticos huevos, cocidos en alcohol hasta más no poder, aprovechando el albur que nos caracteriza.
Relata Juan Manuel Aurrecoechea en El episodio perdido. Historia del cine mexicano de animación, que las pérdidas mensuales de la empresa gracias a la piratería de sus contenidos, ascendío a 240 mil pesos al mes. Pues ni contra ese mal de la sociedad moderna, los personajes de Huevocartoon padecieron frio alguno y pronto sus yemas y claras se incrustaron en sendas promociones de Sabritas, Telcel y Scribe. Era de esperarse, la serie de peluchitos conmemorativos y demás chucherías propias del merchandising. Los hermanos Riva Palacio la han hecho en grande y el fenómeno es tal, que había de darse el brinco a la pantalla grande (ni siquiera la chica, aunque sí se llegaron a hacer algunos planes), anunciado con bombo y platillo desde el año pasado.
Así, con una de las apuestas más grandes de la historia, ayer se estrenó en nuestro país Una película de huevos, con nada más ni nada menos que 430 copias en circulación (200 de las cuales las echaron el pasado miércoles-del-naco-feliz). El furor por Huevocartoon seguramente hará pedazos cualquier pronóstico del box office en este fin de semana. No sólo por la alta exposición que la cinta tendrá, sino porque a diferencia de los esfuerzos recientes más cercanos por reactivar el cada vez más escaso-arriesgado-improductivo cine de animación made in Mexico (léanse Magos y Gigantes e Imaginum, de Anima Estudios), muchos de nosotros hemos sido, directa o indirectamente, "tocados" por la hueva de los huevos.
Espérese una cinta para toda la familia, pues el negocio debe abarcar al mayor público posible. Expóngase al albur que caracteriza a los personajes dentro del nacimiento de Toto, un huevo aspiracionalmente urgido a convertirse en pollo, raptado insensiblemente para encajuelarlo en un estuche de supermercado y buscado incansablemente por su gallina madre (ups! ¿así o más Nemo?). Nótese la combinación de drama y terror que representa para los huevos morir licuados en el desayuno de los chamacos, fritos en aceite hirviendo en una sartén o hasta tragado vivos en el estómago de los humanos.
La historia que bien pudo haberse llamado Huevos en fuga se conduce sencilla, parece compararse un poco con secuencias vertiginosas ya probadas de las majors (los huevos y un pedazo de tocino sorteando las llantas de los carros muy a la Toy Story), de pronto hasta descansa y ofrece un poco de aire (la aventura donde intervienen Tlacua y Che en las coladeras) y reanuda con algunos momentos musicales videoclipescos, eso sí, combinando sagazmente los huevo-trazos 2D con escenarios y ambientes mejor logrados, a partir de un tercer un eje de movimiento/espacio más.
Redondea la cinta el doblaje a cargo de Bruno Bichir, Angélica Vale y Carlos Espejel, además de la lograda supervisión musical a cargo de Lynn Fainchtein, donde se brinca del Son de la Negra hasta un fragmento del Speed of Sound, de Coldplay. Y para finalizar... ¡exacto! ¡Los bloopers! Vale la pena soplarse toooodos los créditos con el obligado extra, de repasar los orígenes de los chistes basados en huevos.
¿Será éste el respiro que necesita el género mexicano de animación? En lo que revisamos las arcas, disfrútese acompañado. Dos huevos son mejor que uno, es ley.

Como tu hermano mayor

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Mon, 17 Apr 2006 04:47:00 +0000

Nada más frustrante que la barrera de "sólo amigos". © Just Friends Productions Inc.
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Después de mucho repatear en la cabeza algunas ideas de valor en torno a Sólo amigos (Just Friends), cinta que se estrenó en estos días santos, creo que por fin encontré el valor muy pero muy en el fondo de la trama.
He de confesar que, de inicio, no esperaba absolutamente nada. Llegué muy bien acompañado a la función, con una bola de prejuicios en torno a lo que temía ver. La tarugada de película convirtió el momento (o el "horror") en un ejercicio de introspección de lo más placentero. Mi nueva alegría de escribir y de compartir las reseñas en este espacio, ocurrieron casualmente (¿o causalmente? aún no lo descubro) a partir de haber ido a esta premiere con una ex-ex-ex-conocida de mis tiempos en secundaria (¡hace exactamente la mitad de mi vida!).
A diferencia de Aída, mi compañera de esa noche, me la pasé refunfuñando y ocasionalmente soltando una risita con ciertos momentos chistositos auto proyectantes de esa churrera ficción. (Nota del editor: ¡gracias por haber hecho significativa la tarde y por retornar a mi vida!)

Haciendo a un lado el momento de los violines, que levante la mano quien no se ha quedado en esa móndriga barrera que supera el término "mejor amigo" por "novio". Para recordar lo frustrante que es y peor aún, en esa etapa adolescente de la vida donde las mujeres dejan de ser francos extraterrestres y hasta se les toma cariñito, he aquí una cinta churrera, dirigida por Roger "Cruel Intentions" Krumble.
En pleno guateque de graduación de su high school, Chris Brander (Ryan Reynolds, ex pupilo de Blade en la trilogía Trinity), un regordete chamaco enfundado en traje con sobrepeso de 40 kilos, está decidido a confesarle su amor a la no-mala-asediada-por-todos Jamie Palamino (Amy Smart, recordable por The Butterfly Effect), quien para colmo, ha sido no sólo su confidente, sino mejor amiga de toda la vida. ¡Tómela! No sólo es inconcebiblemente bateado, sino expuesto de manera humillante ante casi todo el colegio por sus "insulsas" intenciones. Repito: ¿a quién no le ha pasado?
La vida y el tiempo se convierten en los mejores vengadores, así que una década más tarde, cuando Chris no sólo ha bajado de talla sino que se ha convertido en todo un galán prominente de la industria discográfica, una piedra en su camino (una seudo cantautora a su cargo) lo llevará de regreso a New Jersey para, adivine usted qué... reencontrarse con su viejo e idílico amor. ¿Parece gratuito el reencuentro? ¡Aquí las artimañas del director para llenar dos horas de película!
Llega a mi mente aquella viva imagen de uno de mis mejores excompañeros de trabajo (siento por usar la experiencia, mi querido Chava Mann), hombros caídos por su más reciente bateo, donde aclaraba que lo habían catalogado no sólo como "mejor amigo", sino como "hermano mayor". ¡Strike! Vaya, la frustración y coraje que se siente cuando ese alguien especial, esa chica next-door decide bloquear sus sentimientos (sea en defensa propia, porque de plano sus ojos ya son cubiertos por alguien más o simplemente por miedo a perder la amistad) y continuar sin mayor compromiso, a muchos nos ha llevado a la desolación.
Y en Sólo amigos hay buena parte de ello, pero claro está, para aderezarla y hacerla más chistosita no podía faltar un obligado clip musical (menos mal que lo dejaron al final) que más bien parece versión masculina del memorable solo de Bridget Jones (Maguire, 01), una trepidante secuencia donde se llevan entre las patas al protagonista en casa de y frente a su platónico (muy en el estilo de lo visto en Meet the Parents, Roach, 00), todo envuelto en la magia propia de la cercanía con la Navidad (la nieve y las temperaturas de menos 50 grados Celsius son reales, pero no en NJ, sino en Saskatchewan).
Se me ocurre en este momento que para hacer un argumento más perverso, para la próxima alguien podría ofrecer el otro punto de vista: el del maldito (a) que juega con los sentimientos del otro y se la pasa toreando gente, lo mismo dándoles entrada que bateando cualquier intento de relación. ¿Funcionaría?
Bla, no me hagan mucho caso. Mi mente está ocupada por ahora tratando de encontrar la explicación científico-positiva que orilla a los reencuentros. Y de paso en saber si el tiempo es un paliativo para los errores del pasado. Diviértanse más que yo si deciden ver la cinta.

Cinexcusas vs Cinexcusas ©

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Thu, 13 Apr 2006 21:05:00 +0000

No quito el dedo del renglón. Los colados sí. © Cinexcusas Press Photo.
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Estimados lectores, comunidad cinéfila que ronda por este espacio. Antes que nada, ofrezco una disculpa por mi abrupta salida. De este blog no esperen jamás un sitio sobre chismes de la farándula ni mucho menos sobre la vida del autor. Para ello hay miles más lo mismo exitosos que banales. Sé que no están para saberlo, probablemente ni debería hacerlo público, pero hace aproximadamente dos meses encaré el dilema de continuar publicando en este mini sitio que no tiene fines de lucro y por el contrario, trata de enriquecer los contenidos que sobre cine circulan en la red. Paralelo a mi nuevo trabajo (gracias, el desempleo en este país va de mal en peor) que ha requerido de emprender e invertir todas las ganas del mundo para salir adelante en Casa Naranja, empresa de la cual soy un orgullo socio, poco tiempo he tenido para continuar contribuyendo en contenidos. Mis charolas de prensa siguen activas, pero cada vez con menos tiempo para seguir ejerciendo. A pesar de los pesares, mi hoja dentro del interuniversitario Libertas, sigue constante, cada vez con más lágrimas y sudor para sacarla adelante. Hace un par de meses fui invitado, muy políticamente por Luis Tovar, a declinar el nombre de este blog, Cinexcusas, debido a que él había sido el creador original del nombre, del concepto, para una columna de cine, en conocido rotativo nacional. Argumentando que por escribir en ese diario, cuyos contenidos, todos, están amparados por Copyright y que su Cinexcusas había nacido hace ya seis años (siendo que este blog nació, como un proyecto académico, en octubre de 2004), no había manera de "compartir" el nombre, aún cuando éste, tuviera salida virtual. Si ya antes había generado tal desilusión en torno a los medios de comunicación y en cinexcusas.blogspot.com había encontrado la manera de hacerme valer, mediante mi propio espacio, esos correos vinieron a darle al traste con esta publicación. ¿Estaba por encarar, nuevamente, a un monstruo de disparadas dimensiones como para salir derrotado? Durante mucho tiempo le di vueltas al asunto, respondí, dejé pasar, decliné, continué. Al día de hoy, quien genere una búsqueda de este nombre en cualquier motor (Google, Yahoo!, el que gusten), los resultados arrojarán, contra todo pronóstico y pésele a quien le pese, este espacio.
La confianza de las distribuidoras con quienes tengo relación no ha cedido, todo lo contrario. Agradezco sus correos preguntando "¿qué pasa?". Hasta ahora contesto. Eso fue lo que sucedió a finales de enero de 2006 y hoy lo expongo aquí, por fin.
Y respondo hoy, a horas de una fecha importante para mi, de celebración, de gusto por la vida, de reconocer que no hay barreras ni limitantes para salir adelante. Respondo para decir que aquí sigo, que nada ha pasado y que aguantaré hasta el último momento. Quienes me conocen saben que declino en las peleas, más no en las batallas y menos cuando de ideas se trata. Recupero mi gusto y pasión por escribir. Se encuentra fortalecida al igual que muchos, muchísimos aspectos de mi vida.
Agradezco su confianza y reitero mi compromiso de continuar publicando. Hasta que el copyright me lo permita. ¡Y qué diablos! Como si no hubiera manera de seguir haciéndolo.
Salu2, felices vacaciones.

Cuba libre o aprenda cine echando a perder

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Tue, 14 Feb 2006 20:32:00 +0000

"Che" Keitel. Ser un amigo así, o tener un amigo así, para fondear tu ópera prima. © Arza-Gerard 2 films
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Tal parece que la realidad está alcanzando a la ficción que vemos en el cine, en cartelera. No hace mucho comentaba en este espacio la cinta de Tommy Lee Jones sobre la infame política migratoria en el sur de Estados Unidos cuando un caso verídico más, robaba las primeras planas de diarios y noticiarios. Ahora, con el escandalazo del mentado (añejo) hotel Sheraton en la capital de este país, ronda una pequeña película (si no es que ya la echaron como a los cubanos del citado búnker) que habla sobre la cuba cincuentera, oscura y reprimida. Aquí algo de lo que envié a mi entrega mensual para Libertas febrero.
La enseñanza que deja el director cubano Juan Gerard, no podría ser más clara. Cualquier persona, con suficiente garra y los contactos necesarios como para financiar unos tres millones de dólares, puede hacer cine. ¿Quién se apunta?
De oficio arquitecto, cinéfilo hasta el tuétano, a Gerard le pareció ocurrente llevar a la pantalla aquel momento histórico en su infancia, teniendo además como contexto la caída del régimen de Batista en Cuba y la posterior entrada de Fidel Castro. Es 1958 y los rebeldes se encargaron de apagar durante un año una Cuba hechiza, filmada en Santo Domingo. Pero eso no es lo que importa.
En Cuba Libre (Dreaming of Julia, es el título original), vemos a un chamaco influido por el cine que se exhibe a cuentagotas y rodeado de una jacarandosa familia: “Che” (Harvey Keitel) es el abuelo todopoderoso, dueño de un gran casino, a quien todo mundo recurre por su gran sabiduría y consejo. Beta, la abuela, el “amor de su vida” (Diana Bracho) se dedicó abnegadamente al hogar y a velar por el bienestar de sus hijas. El resto de la familia es un colorido caldo de cultivo con muchísimas personalidades y rasgos que apenas y alcanzan a conocerse en dos horas de historia (imagine usted, 14 personales diferentes yendo y viniendo, haciendo y deshaciendo).
¿Qué hay entonces de atractivo en la cinta de alguien que nos quiere compartir su vida? No se vaya con la finta. Estamos frente a una cinta de latinos, maniatada en cuanto a lana (en una gran parte) e idioma se refiere, por los estadunidenses. No es Gael García Bernal, cuya imagen se encargaron de usar para promocionar la cinta, pues apenas y tiene un mini rol dentro de todo el multicultural reparto (y de hecho, no es “la” actuación de su vida). No es tampoco el montaje de tantos monigotes tratando de exponerse a cuadro, incluidos los lugares comunes como la voluptuosa vecina (lidiando con las mojigatas mentes conservadoras); el indigente omnipresente que sale a cuadro en cada acontecimiento importante como si fuera refresco de cola; el hijo genio de apariencia bastarda y… la gringa del pueblo, ex productora hollywoodense (¿acaso el wannabe proyectado del director?) y que, como bruja del cuento, se la pasa recluida en su mansión. ¡Descubra usted mismo la manzana de la discordia!
Según Gerard, la gran mayoría de las situaciones (por muy inverosímiles que parezcan, aclaro), realmente le ocurrieron en su infancia, al grado tal que, como muchos otros, el final se convierte en otro lugar común, pues en la isla no había progreso sin brincar a Miami (vía Venezuela, p´al caso). ¿Estamos frente a una infancia de ensueño, aderezada de modo lacrimógeno para vender un poco? Juzgue usted el resultado. Y si aún tiene dudas de convertirse en el siguiente director latino pródigo, agarre la Hi8 y póngase a grabar. Editar es una cosa de chiste con las computadoras caseras actuales. Chance y su película se animen a exhibirla como Cuba Libre. Con más suerte y consigue grabar a Gael más de los 5 minutos que Gerard logró.

September joke

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Tue, 24 Jan 2006 10:56:00 +0000

A ver, sonrían para la foto. Como que parezca de a de veras... © Palisades Pictures
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Anticipo una disculpa por si lo siguiente pudiera parecer el peor de los chistes.
¿Qué es lo más absurdo que podría haber hecho un neoyorkino después del 9/11, con tal de "cobrar" venganza? Piénsese en el ciudadano promedio, totalmente cosmopolita, urbano, cuya vida cambió radicalmente cuando las torres gemelas se vinieron abajo. Por un momento olvide las imágenes de Michael Moore ridiculizando a George Bush desde su Fahrenheit 9/11 (por cierto, ya viene el 9/11 1/2, para el 2007). ¿Qué habría hecho usted, si fuera el caso?
A cuadro aparece un "x" que dice llamarse Don Carlson (George Calil) y se autodesigna cineasta. A seis meses del 9/11 se encuentra en el aeropuerto junto con un asistente, siempre cámara en mano, a punto de partir a Afganistán, con la loca idea no sólo de filmar lo que está pasando allá, donde la guerra (yo no la dejo de llamar invasión) cobra vidas y los noticiarios no se atreven a entrar. En ese lejano oriente donde, efectivamente, hay un conflicto armado de por medio, pero la naturaleza bélica de la región sorprende cuando aparecen las armas por cielo y tierra, tan fáciles de conseguir. Tan sencillas de usar.
Así empieza Septiembre Negro (September Tapes), cinta de Christian Johnston, que bien puede ser catalogada como un falso documental o mockumentary, sin caer necesariamente en la parodia o la farsa. A su llegada, apoyados por Wali Razaqi (único productor/actor afgano-estadounidense de habla farsi que trabaja en Hollywood), se dan a la tarea de retratar todo cuanto ocurre. Peor aún, la locura en pleno llega cuando es el deseo del director, "perseguir" a quienes desean ultimar a Osama Bin Laden, cuando en tierra de talibanes, todo aquel que tenga facha de americano es, literal, carne de cañón. Y es entonces cuando este falso documental, que prometía una mejor premisa, se viene parcialmente abajo.
Que un solo gringo -loco, loquísimo- sea capaz de meterse a la boca del lobo, cámara en mano, ser encarcelado por ponerse al brinco en los retenes militares (y salir bien librado), se atreva a caminar por las oscuras y solitarias calles durante el toque de queda; que su entrenamiento militar le proporcione habilidades para manejar las estupendas AK 47 y rifársela acribillando a algunos barbudos... todo, absolutamente todo encuadrado sin los menores rasguños, es de rayar en el absurdo. Que éste fulano Carlson se embravezca a la mera hora y quiera hacerse compadre de los que van a la caza de Bin Laden (de la Alianza del Norte), uniéndoseles en lo inhóspito del desierto, y esté a punto de lograrlo, es un peor chiste.
Pero cuál es la valía de las "cintas" de septiembre (porque las hay, son varias y así se narra la película)? Sí, el haberse arriesgado como cineastas estadunidenses cuando la recompensa estaba por colgar sus cabezas de un hilo. Sí, retratar un lado humano-bélico del territorio que se encontraba en los ojos del mundo (Kabul es la locación). Mejor: volver a poner en tela de juicio lo insulso que resultó la invasión (que yo sepa, al día de hoy Bin Laden y Al Qaeda siguen atemorizando a sus antiguos patrones).
Cintas del estilo me hacen recordar cuando muchos nos tragamos aquella piñota titulada The Blair Witch Project (Myrick & Sanchez, 99), donde también aparecen a la luz pública, cintas inéditas de acontecimientos inverosímiles, tiempito después de ocurridas las desgracias.
No es por aguar la fiesta, pero mucho ojo, hay que tener un poco de criterio para saber enfrentar este espectáculo, que en ratos entretiene, en otros se muestra verdaderamente crudo y sádico (hay gente de verdad muriendo a balazos y misilazos). Pero cuando el director confiesa las razones del por qué estuvo ahí, y dejó todo por ir, el final puede convertirse tan emotivo como cursi.

Entre chaquetas te veas

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Thu, 12 Jan 2006 19:56:00 +0000

Para elegir entre el Adrien Brody de cartelera en Regresiones, o el de King Kong. © Mandalay Pictures

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Durante la operación Tormenta del Desierto (1991), el sargento Jack Starks (Adrien Brody) pudo presumir haber muerto y regresado a la vida, tras recibir un disparo en la cabeza de parte de un aparentemente inocente escuincle. Ya que hablamos de múltiples entierros, Starks se salvó de uno, pero sobrevivir le costará padecer de amnesia temporal y que, para su mala suerte, sea acusado de asesinato y recluido en Alpine Grove, institución que atiende –y experimenta- con enfermos mentales. De eso trata Regresiones (The Jacket), cinta de John Maybury ya en cartelera.
Hasta ese punto, la historia ocurre sin mayor sorpresa. Pero es cuando aparece entonces un seudo médico deschavetado, el Dr. Becker (Kris Kristofferson) quien decide emplear al nuevo inquilino como ratón de laboratorio para su nuevo método de sanación: doparlo al extremo, enchaquetarlo (de ahí el título original) y encerrarlo por horas en las planchas de la morgue. ¡Vaya escenas de claustrofobia! Es entonces cuando por acto de magia –y de los barbitúricos administrados-, Starks no sólo ve su suerte y empieza a recordar todo aquello que parece haber olvidado: es capaz de ver hasta su futuro y ¡transportarse a él! Por lo que sacará ventaja para sobrevivir, a sabiendas que va a morir.
Si la resolución y tremendos viajezotes suenan como al título de esta reseña, el espectador promedio optará por ver mejor al mismo Brody, pero en el remake de King Kong. Quienes decidan quedarse, encontrarán a una oscura Kiera Knightley acompañando al protagonista, tras reconocer haber dejado los papeles de niña inglesa “bonita y engreída” (¿quién la manda?) de sus películas anteriores (Jugando con el destino, Piratas del Caribe) para adentrarse en un intrigante personaje, que explota sus habilidades camaleónicas.
Para el público sabedor, esta extraña mezcla de contenidos ha sido antes vista en fórmulas como la de El efecto mariposa (Bress y Gruber, 04 donde se explota este tema de las realidades y mundos paralelos, a partir de mínimos cambios en la entropía universal -¡he dicho!-) y Amnesia (Nolan, 00), donde el personaje central posee sólo memoria de corto plazo.
Con Regresiones, cada vez es más evidente la influencia que poseen ciertas figuras de peso completo en las temáticas salidas de la maquinaria hollywoodense. Tan sólo basta mencionar que detrás de la producción se encuentran las mentes de George Clooney (próximo a mostrar sus dotes como director en Good night, good luck) así como su compadre Steven Soderbergh (Erin Brokovich), que colaboran para la compañía Section Eight, perteneciente a la major Warner Bros. Ni más ni menos

En lo que regresan los mutantes

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Thu, 05 Jan 2006 12:09:00 +0000

Las alas de la vida. De lo mejor en el 2005. Ni p´a qué poner a la pareja cursilona Cruise-Holmes como el churro del mismo periodo. © Memfis Film Right AB
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Con más gloria que pena, finalizó mi 2005. Un año de verdadero aprendizaje, de encarar las adversidades como venían y de pujarle duro para salir adelante y demostrar que sí se puede. Antes de un obligadísimo receso decembrino en el que valoré aún más a mi familia, tal como lo dijera en el post pasado, tuve a bien meterme a disfrutar de mi última cinta del 2005. Quienes me conocen, saben que no es novedad que haya dejado de acudir tanto al cine. Y así fue, aún alcancé a ver-imagínense cuán tarde!- El cadaver de la novia (Burton, 05), espléndida animación que no doy cómo le hicieron y que con todo y que la doblaron al español, me sorprendió. Y así de rápido voló el 2005. Hace un año y tres meses que inicié esta aventura, no hacía otra cosa sino acumular mis boletitos del cine y después contabilizarlos para resumir la "gran" cantidad de películas que me reventé. A mediados del 2005, cuando mi bolsillo se mermó y encontré mi feliz ocupación, no hubo ya tiempo para el cine. Al menos no tanto como antes, pues no dejé de ir a las funciones de prensa donde me encuentro -felizmente, también-, acreditado. Con tal de no abandonar mis numeralias no podré no contar las películas que ví, las cuales, si bien me fue, apenas habrán rebasado las 100 proyecciones en 365 días. Lo mejor de todo, un 80% de las mismas seguro fueron funciones de prensa. Ya les daré el dato cuando recuerde cuándo/dónde/película/con quien fui a todas esas premieres. Gracias a quienes me conocen y acreditan mis tarugadas experimentales arrojadas en comentarios en este blog (Marcel Gaitán de 20th Century Fox; Mariana Padilla, de la Cineteca Nacional; Carlos Jiménez, de Videocine) y en Libertas, el periódico interuniversitario de México, que es su edición impresa mensual, sigue apartándome una hoja a color para otro tanto de burradas.
Y con tal de no dejar un pequeño comentario-resumen de la inmensa actividad cinematográfica del 2005, y a partir de una pregunta que me hicieron algunos primos a la luz de la no-luna en las playas de Oaxaca hace unos días, no me queda otra más que confirmar que, para mi, la mejor película del año fue, sin duda, Las tortugas pueden volar (Ghobadi, 04). Y la peor, en términos de lo que se esperaba y de la enorme producción que le invirtieron: La guerra de los mundos (Spielberg, 05). Ello, sin acotar la insulsa publicidad del amorío entre Tom Cruise y la protagonista -secundona- de otra mugre acomodada narrativamente a conveniencia mercadológica: Katie Holmes en Batman Begins (Nolan, 05). Bueno, ahora que lo recuerdo, mi segunda película favorita del año, también se dejó ver durante la XLV Muestra de la Cineteca Nacional: Las alas de la vida, del sueco Lukas Moodysson, y que llegó a nuestro país tres años después de realizada. La desolación, diría yo, fue el eje tematico de muchas películas que vimos en el año que recién concluyó.
Y bueno, en lo que regresan los mutantes, los hijos del átomo a la pantalla (X3, con Brett Ratner en la dirección, relevando a Bryan Singer, quien optó por irse a la comiquera del patio trasero y revivir a Superman), también muero ya por ver Memorias de una geisha, del mismísimo Rob Marshall que me incrustó en la memoria visual y auditiva el espléndido montaje de Chicago (02) en adaptación cinematográfica. Y lo que esté por venir, más lo que se acumule, aquí encontrará un espacio para el comentario. Si no el más atinado, totalmente desenfadado. Por lo menos en lo que consigo irme a Nueva York y presiono al Erico para que su ópera prima sea Ghostbusters III. Luego les adelanto lo que llevamos del guión.

Feliz y muy cinéfilo 2006.

Meet the Family Stone

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Mon, 26 Dec 2005 09:09:00 +0000

A esto sí se le puede llamar embarrassment. © Michael London Productions
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Diciembre se presta para una gran variedad de películas de temporada, aquellas donde se explota a la Navidad de manera mágina, cursilona, trágica o cómica. Vaya, hace apenas 365 días andaba estrenando este espacio a la vez que reseñaba The Polar Express (Zemeckis, 04), con la magia propia de la víspera navideña.
En este caso, no esperaba mucho de La joya de la familia (cuyo título en inglés, después de haber conocido a gente como los Fockers, dice muchísimo más: The Family Stone), segundo largometraje de Thomas Bezucha. Terminé riendo a carcajada limpia y lo reconozco, también logró conmoverme en sus calculadas secuencias lacrimógenas.
En la víspera de Navidad, como es lugar común en todos lados y más en los guiones de temporada, la familia Stone del título reúne a sus hijos pródigos: la madre casera, el incomprendido artista que se dedica a fumar hierba, el sordomudo gay con su inseparable pareja (de color, chale), la rebelde en plena flor de su juventud y, en el centro de los reflectores, el candidato a alcalde. Acompañado de su mojigata-egocéntrica (sensacional) candidata a señora Stone, Meredith (Sarah Jessica “desperate” Parker). Como jauría, los Stone, comandados por Sybil, la mamá de los pollitos (Diane Keaton) se le van a la yugular a la chocosa nueva aspirante, de quien le saben sus mañas y pronto se da a conocer por meter la pata con sus desafortunados comentarios y críticas sobre la mesa.
Recurriendo a su odioso carraspeo para afinar la voz y a su hermana menor (Claire Danes), los propósitos y regalos de Navidad no serán lo que el espectador predice en el inicio.
Si bien el director conduce la cinta por la comedia y el drama romántico, no cabe duda que también expone y recuerda la importancia de celebrar la Navidad en familia. Para muchos éste es el momento de gastar y despilfarrar. Para otros, el de la reflexión y la soledad. Pero la base y probablemente el valor del cual se agarra la propia industria en este momento del año es, ante todo el atesoramiento de la vida y de la familia. Y ojalá así se lea el mensaje, mientras los Stone se encargan de divertirnos en pantalla.
Por cierto, este es el momento idóneo para desear feliz Navidad y un mejor 2006 para todos los y las lectores (as) de Cinexcusas.

El umbral entre mundos paralelos

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sun, 11 Dec 2005 21:47:00 +0000

Me llamo Henry y no sólo veo gente muerta: me voy a suicidar en cuatro días. © Epsilon Motion Pictures
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En pleno puente de Brooklyn ocurre un fatal accidente automovilístico. La cámara transita del rin al asfalto donde yace Henry Letham (Ryan Gosling), atónito testigo de la tragedia. Al consultorio del desaliñado -y zancón de sus pantalones- psiquiatra Sam Foster (Ewan McGregor) llega este insolente estudiante de artes, quien a punto de cumplir 21 años de edad le declara que, tal como lo hiciera Tristan Rêveur, su artista favorito, se suicidará apenas llegue su aniversario, que es el próximo fin de semana. Si antes Foster logró salvar a su novia Lila (Naomi Watts) de atentar nuevamente contra su vida (ya antes se había tasajeado las venas), ahora tiene sólo cuatro días para rescatar a Henry.
La premisa de El Umbral (Stay), cinta del alemán Marc Foster, se antoja para un thriller enmedio de Manhattan. Pero cuando el espectador descubra personajes urbanos vestidos de la misma manera caminando en parejas por las calles, escenas y diálogos que se repiten una y otra vez, escaleras que suben y bajan al grado de no terminar ni llevar a algún lado y encuentre que, todo lo que pronostica Henry se cumple como profecía, la duda entra entonces. ¿Qué carambas es real y qué no?
Foster, quien con Finding Neverland (04) nos transportó a la imaginería de J. M. Barrie, esta vez se encarga de confundir y jugar con esa delgada línea que divide a la realidad de lo etéreo. De los mundos y universos paralelos. De los vivos y de los muertos. Imposible no caer ni dejarse atrapar por esta vertiginosa historia cíclica, donde nada es lo que parece y la solución es apenas el inicio de todo.
Notable juego entre realidades, admirable edición de secuencias repetitivas y mejor estética oscura, sombría, donde los roles no podían caer en mejores jóvenes actores contemporáneos.

¿Y qué si...? La clonación en el humano

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Sat, 26 Nov 2005 22:36:00 +0000

¡Hija de su pintita... madre! © Europacorp

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Quién que se ha atrevido a imaginar el resultado del producto de la clonación de un ser humano, ya puede encontrar la respuesta. Por lo menos en la imaginería cinematográfica de Aruna Villiers, directora francesa que con su ópera prima El Clon (A ton image), ofrece su punto de vista inspirado en la obra literaria homónima de Louise L. Lambrichs, quien en 1998, cuando su lanzamiento, estaba considerada aún como ciencia ficción.

A punto de finalizar el 2005, con el anuncio de haber concluido exitosamente la clonación de Snuppy, un perro de caza afgano (que se suma al de Dolly, aquel famoso borrego y el primer gato clonado con fines comerciales, a cargo de Genetic Savings and Clone Incorporated), la cinta de Villiers no es nada esperanzadora.
Si la premisa de la clonación es hacer una copia fiel a un original ¿cuáles son las implicaciones en el caso del ser humano? ¿Hasta dónde el clon posee los mismos sentimientos, gustos, preferencias y memoria de su progenitor?
El romance entre la oscura-aventurera Matilde (Natassja Kinski) y el prestigiado doctor Thomas (Christopher Lambert), nace a partir de la mera casualidad y torna rápido en el reencuentro afectivo que ambos necesitan. Sobre todo para ella, cuya anterior relación devino en divorcio y la fatídica muerte de su vástago. Ya bastante crecidita, Matilde no puede superar el trauma de procrear más familia, pero es aquí donde Thomas se valdrá de sus contactos (y un mentor tipo Dr. Evil) para lograr lo increíble: convertirla nuevamente en madre pero escondiendo el método de procreación: la clonación.
A la escritora, el acto de clonar le merece la calificación de "criminal", dado que realizar esta tarea en un ser humano representa una forma de experimentación consigo mismo. No pretendo armar aquí un debate que raya en lo moral-científico, pero si la clonación pudiese representar una mejor esperanza de vida, sus fines serían positivos. P´al caso, la cineasta se encarga de hacer más terrorífica la exposición del "¿qué pasaría si...?"
Hermosa y cada vez más maligna conforme pasa el tiempo, Manon (la hermosa Audrey de Wilder), hija-producto de la pareja en cuestión, saca toda la fuerza reprimida de su madre y torna aún más oscura. Es de las que no se anda con rodeos y tira a matar, si es necesario. Sí, Matilde prácticamente volvió a nacer, pero con un odio criminal hacia la vida y sus orígenes mismos, que no puede encarar un final más atroz (aquí es cuando pienso que la cinta se debió llamar "El pozo"). ¿Copia al carbón? Más bien, una nueva versión del original superada, tanto en fortaleza como en coraje. Que el espectador descubra cuánto más.
Si esta libre interpretación de la clonación en el ser humano es casi nada alentadora, qué bueno que se trata nada más de una apuesta cinematográfica. ¿Quién sí tiene la capacidad suficiente para explicar las consecuencias que ello traería? ¿Debemos esperar a que el tiempo pase y al tecnología nos rebase para constatarlo con ojos propios?

XLVI Muestra. Los tres entierros de Melquiades Estrada

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Thu, 24 Nov 2005 08:10:00 +0000

En su momento, cuando Amores Perros (González Iñárritu, 2000) competía por el Oscar a la mejor película extranjera, Guillermo Arriaga me escupía, impávido, frente a sus alumnos de "producción cinematográfica" en un salón de clases del Tec de Monterrey, que no le importaba si ganaba o no la presea que otorga la academia americana.
"¿Para qué?" -insistía, cuando ya se había ganado con la misma película en el Japón de Kurosawa, el Canadá de Cronenberg y en la Francia de Godard y cuna de muchos otros maestros del cine mundial. El Oscar, por tanto, era un reconocimiento más. Pero no el más importante.
Saberlo ganador nuevamente en el país galo, durante el pasado Festival de Cine de Cannes por el guión de Los tres entierros de Melquiades Estrada, cinta que abre la XLVI Muestra Internacional de Cine, seguro no lo tomó por sorpresa. Con él, van apenas tres mexicanos que se alzan con la Palma de Oro en este certamen (los otros dos, el Indio Fernández y Carlos Carrera),
Pero a este cinéfilo le causó intriga conocer por qué demonios un mismo personaje tendría tres tristes entierros. De antemano, sabía que su mancuerna con Tommy Lee Jones iba más allá de que el texano le pidiera un guión para dirigir y actuar su ópera prima (aunque ya en 1995 dirigió The good old boys, pero para television). El mundo entero los vio alzarse con premios a mejor actor y mejor guión. ¿Por qué habríamos de esperar entonces hasta diciembre el estreno comercial de la siguiente obra entripada de Arriaga?
Basada en uno de los incontables casos verídicos de mexicanos caídos en frontera por injusticias de la patrulla fronteriza, la de Melquiades Estrada es, sí, una cinta que evidencia lazos fraternales entre dos poderosos personajes de industrias cinematográficas vecinas. Pero es también un grito a los oídos sordos del país vecino, cuya economía tiene a bien moverse con el trabajo y sudor de tantos connacionales que cruzan allende en busca del sueño de vida.
¿Qué puede esperar el espectador promedio de la cinta? Rendición de cuentas. Justicia por mano propia. Muchísimo humor negro voluntario. ¿Qué puede encontrar el cinéfilo seguidor de Arriaga?
1. Recurrencia a la pareja disfuncional. Ella rubia. Él... un machín de clóset. De la modelo de product shot para espectacular (Goya Toledo, en Amores Perros), a la madre desahuciada encarnada por Naomi Watts en 21 Gramos. Toca el turno a Lou Ann (January Jones), abnegada esposa del malencarado-nuevo-en-el-barrio Mike Norton (Barry Pepper, espléndido), oficial de la patrulla fronteriza cuya vida y oficio es tirar a matar a lo que se mueva. Mejor si se trata de los fockin´ brownies. Y fornicar cuando le plazca (ojo a la secuencia donde la realidad transita entre un programa de televisión y la vida conyugal en el trailer park) o usar su justiciera mano con revista XXX a bordo en horas hábiles. Más imperfecta la vida de ambos no puede ser. Ojo también a la sutileza con la que Lou Ann permea en su aburrida vida, a la prostitución como forma de eliminar el aburrimiento.
2. División del guión en tres o más actos/episodios. Fiel a sus orígenes, el guionista no podía no dividir su siguiente trabajo en partes iguales. En el intermedio, el espectador tendrá una suerte de road movie en el mero ambiente western. Valiendo de esa fuerte presencia que posee Tommy Lee Jones, se trepará al caballo como Pete Perkins, un ranchero texano cuya afinidad hacia los mexicanos (y la habilidad para hablarles en español: "you are bueno?") concibió su amistad con el Melquiades del título (Julio Cedillo) como algo inquebrantable. Y es de ahí donde echará mano para, no vengar su desafortunado homicidio, sino hacer pagar al culpable, un respetable sepelio.
3. Pasión por los animales. Sean el "cofi" una mascota de vecindad (y eventual rottweiler de peleas clandestinas) o los venados como un deporte cuando se trata de salir a cazarlos, Arriaga nos tiene acostumbrados a ver el sufrimiento de los animales -y del ser humano-, a destriparlos, escupirle sangre a la cámara y movernos esa fibra sensible cuando lo atestiguamos. P´a su suerte, Lee Jones comparte gusto por la cacería, entonces trabajar y convivir juntos se volvió un momento de compadres.
Seguro que el gran talento de este escritor mexicano dará muchas cosas de qué hablar en lo sucesivo, sea por iniciativa propia de historias que le ha tocado ver y que le pueden pasar a cualquiera (ese es el secreto, creo yo, del éxito en estos momentos hablando del cine mexicano) o mediante el trabajo mancuerna con personajes igual de talentosos, como ha sido hasta ahora.
Bien hecho maestro Arriaga. Gracias por poner de nuevo en alto el talento de los escritores de nuestro país y por encarar sin tapujos ni mordazas temas tan agudos como el de la migración al norte. Aún cuando te cueste un año parir el próximo guión, ya nos dejas con la inquietud de cuántas tripas en él invertirás.

La Muestra cinematográfica que dejará huella

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Fri, 18 Nov 2005 05:55:00 +0000

Da gusto ver que la cuasi industria mexicana dio para incluir cuatro largometrajes en el platillo fílmico del otoño. © Cineteca Nacional

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Para los cinéfilos capitalinos y cada vez más los del interior de la república, la llegada del otoño, y específicamente de este mes, es decisiva. Consolidada como un espacio que ha dejado huella en la cultura de nuestro país y que dos veces al año ofrece la cartelera alternativa para ofertar visiones de todas partes del mundo, la Muestra Internacional de la Cineteca, en su edición XLVI, tiene como premisa mostrar al espectador un “cine que deja huella”.
Si la pasada edición de primavera trajo un selectísimo grupo de películas y directores que dejaron en todos un grato sabor de boca, su sucesora está abanderada por la cada vez más creciente producción cinematográfica nacional. Magdalena Acosta, directora del recinto anfitrión en Coyoacán, asegura que tan sólo en este año se han apoyado un total de 46 proyectos de largometraje, cifras que ya pueden compararse con la producción de países como Brasil y Argentina en nuestro continente, pero distantes aún con las majors del país vecino.
Del modo que sea, con apoyos oficiales, sin ellos, a la aventura o en la búsqueda de nuevos formatos tecnológicos y de fórmulas narrativas, esta muestra tendrá la nada mala presencia de cuatro películas mexicanas, y evidenciará el creciente papel que los creadores y artistas nacionales tienen en co producciones alrededor del globo, aún cuando sus nombres no se encuentren estampados detrás de la silla del director.
Para abrir boca, Los tres entierros de Melquíades Estrada, premiadísima cinta de Tommy Lee Jones en mancuerna con el mexicano-maestro del guión Guillermo Arriaga, será el título premiere de las marquesinas. Reconocida en el pasado festival de Cannes, es un ejemplo de la brillantez del talento nacional puesta en marcha con apoyo del socio comercial más grande, en un claro ejemplo que los crews no deben estar necesariamente peleados.
Le siguen, en orden no menos descendente, Las vueltas del citrillo, de Felipe Cazals, todo un consagrado de nuestro cine, quien dice emplear a la misma gente de Canoa, Las Poquianchis o Los motivos de luz en una historia cuya locación es ahora una pulquería, como un centro social en la metrópoli más grande del mundo. Quién más si no Arturo Ripstein como otro emblema del cine mexicano. Esta vez, con La Virgen de la Lujuria, usa una cafetería de los años 40 como el espacio claustrofóbico donde un mesero y una prostituta encarnarán memorable relación sadomasoquista.
Las nuevas generaciones de cineastas como Ricardo Benet también tendrán voz en esta Muestra. Noticias Lejanas, reconocida con el Mayahuel al mejor director y fotografía en el pasado Festival de de cine en Guadalajara, es un claro ejemplo de la pujante actividad que los cineastas universitarios (en este caso, egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica) ejercen, al emplear personajes e historias salidas de nuestra propia realidad: la marginación familiar que obliga a buscar en la capital el modo de salir adelante a pesar de los choques generacionales.
Radicado en Francia más no por ello lejano a problemáticas de nuestro continente, como es el caso del narcotráfico, Rosario Tijeras, de Emilio Maillé, recurre al tema del sicarismo (ya antes abordado por directores como Barbet Schroeder) pero focalizado en una mujer (la del título) y ubicado en la década de los ochenta, en Medellín. Basada en la novela Marcelo Figueras de Jorge Franco, el director opta por dar un tratamiento documental en momentos específicos de la trama, proporcionando aún más realismo a la ficción.
La selección mexicana remata con Mezcal, del profundamente oaxaqueño Nacho Ortiz, en una libre adaptación de la novela Bajo el volcán, de Malcolm Lowry. A cuatro años de sus Cuentos de hadas para dormir cocodrilos, Ortiz regresa para no hablar del alcoholismo en celuloide: “simplemente el mezcal para cuando duele el alma”.
El resto de los 18 largometrajes participantes, provenientes principalmente de Europa, destacan títulos como 5x2 de Francois Ozon, la claustrofóbica Control del estadunidense radicado en Hungría Nimród Antal; Gente de Roma, de Ettore Scola; Querida Wendy, de Thomas Vintenberg bajo un guion del dogmatico Lars Von Trier y Buenos Aires 100km, de Pablo José Meza.
En su circuito metropolitano hasta mediados de diciembre, y en la red nacional que comprende 21 salas en el interior de la república hasta marzo de 2006, la Muestra se erige como la selección más viva y renovada que nos permite a muchos, acceder a los productos y visiones más recientes de la filmografía global.

La cuñada y el hermano incómodo

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Fri, 11 Nov 2005 10:44:00 +0000

Son ya 10 años del matrimonio entre Zoe (Bárbara Mori), hermosa señora mal tupida e infértil, e Ignacio (Christian Meier), arrogante pero impotente empresario cuya vida sexual ha decidido poner en marcha sólo una vez a la semana (los sábados). Esta es la historia que rápidamente hay que reconocer cuando inicia La mujer de mi hermano, cinta del reconocido videoasta Ricardo de Montreuil. No hace falta imaginar que ante esa monotonía, la eventual presencia de Gonzalo (Manolo Cardona), cuñado de Zoe y carnal incómodo de su señor cuya vida la lleva leve entre la pintura y las mujeres, proporcionará el desfogue que aquella necesita para darle vuelo a la hilacha, mientras disputa el respeto a la moral, a las buenas costumbres, a la religión misma pero sobre todo, a la fidelidad que debió obedecer ante las leyes del matrimonio. Ambos nunca fueron equis entre sí, y la delgada línea que los separaba ha sido quebrantada. Durante la rueda de prensa de esta cinta recuerdo una y otra vez la insistencia sobre los desnudos que la uruguaya nacionalizada mexicana tuvo que realizar para la cinta, cuyo talento y producción revela que en nuestro continente hay una fórmula vigente para llevar a cabo películas con temáticas regionales. Hay que reconocer que Bárbara Mori impone con su mera presencia, más aún cuando su rostro y cuerpo llena la pantalla. Pero para quienes aún tengan la comezón, mejor cómprense una Maxim u cualquier otra revista de cueros. La mujer de mi hermano es una estupenda adaptación de la novela del periodista Jaime Bayly. Ante la premisa inicial el espectador calcula las posibilidades de llevar a mal término las condiciones de sus personajes. Y puedo asegurar que lo hará erróneamente. Para estampar mayor dilema y salpicar con humor la “crisis”, Bayly participó además como guionista, incrustando dos personajes a la trama que no fueron desarrollados originalmente en la novela. Así, tenemos a Boris (Bruno Bichir), el amigo (gay) fiel de Zoe, quien no sólo la aconseja y orienta cuando decide enrutar su vida de libertina, sino le ofrecerá el punto de vista decisivo y los argumentos en contra, sobre su poco desarrollo en la cama. Del mismo modo, Bayly dio oportunidad a Beto Cuevas, vocalista de La Ley, de incursionar más en terreno cinematográfico, al anexarlo como el cura local que orienta y no peca, pero cómo incomoda. Hacia el final la cosa se pone de locos. Las resoluciones no resultan tan afortunadas como el cinéfilo promedio habrá apostado y la sorpresa es aún mayor. De Montreuil, con apenas 31 años y su productor Stan Jakubowicz,de apenas 27, dan la cara por el nuevo cine latinoamericano cuyas posibilidades van más allá cuando se piensa y trabaja con repartos, locaciones y financiamiento de toda la región. A una semana de su estreno la cinta recaudo poco más de 8 millones de pesos y fue vista por casi 200 mil espectadores, lo que habla no sólo de una publicidad sugerente y atractiva (sin duda, el poster con Bárbara Mori deja muchas cosas a la imaginación), sino de un creciente interés por buenas temáticas universales, mejor dirigidas y estupendamente interpretadas.

Don de Dios les come el mandado

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Mon, 07 Nov 2005 09:25:00 +0000

Si no aparecía Luis Felipe Tovar como perjudicial o maloso, ni chiste tendría una cinta como Don de Dios ©
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Meses antes de su estreno en cartelera, ya se sabía que la película Don de Dios se había "estrenado" en los puestos piratas de Tepito y anexas. Para ese entonces, quienes vimos el trailer, apenas nos enteramos de una próxima y arriesgada (como todas las nuestras) producción nacional que empleaba al barrio bravo como escenario natural de una historia no muy clara (insisto, con tan sólo ver los avances).
Así, un par de días antes de la función de prensa, llegó a mis manos una copia apócrifa de la cinta dirigida por Fermín Gómez, misma que me negué a ver (y al día de hoy, confieso no haberlo hecho) con tal de esperar una mejor sorpresa en celuloide. Todo lo contrario.
Antes de comentar un poco sobre los enormes clichés en los que Don de Dios incurre, hay que contar la que, a mi gusto, se prestaba para un mejor guión cinematográfico.
Érase una vez la sección 49 del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (S.T.I.C.). Preocupada por ofertarle un mejor beneficio a sus agremiados a punto de pensionarse, decidieron echar a volar la imaginación y producir una lluvia de ideas para llevarlas a la realidad en cine, pus a eso justamente se dedican.
La idea no es nada mala: autofinanciar una producción (ni más ni menos que con la cantidad de ocho millones de pesos) y emplear las ganancias no sólo para el retorno de la lana invertida, sino para acrecentar el fondo de pensiones de los futuros jubilados. Lo que les vino mal es que : 1. En este país se puede tomar justicia por mano propia pero no hacer cine por ídem. Es decir: tanta lana que cuesta hacer una película, está cañón que alguien per se la financie y asuma el riesgo que implica (generalmente, hay que recurrir a los apoyitos del gobierno, vía Fidecine o anexas). 2. Si de por sí las cintas de manufactura nacional son las más menospreciadas no tanto por su calidad sino por las precarias condiciones de exhibición/promoción con las que se estrenan, pasa que: 3. Una película que usa a Tepito como telón de fondo, sin nada qué proponer y recurriendo una-y-otra-vez a los lugares comunes que lo califican como mugrero, nido de ratas, narcos y demás (eso cí, con el debido respeto que me merece a la gente chambeadora que se gana la vida quemando películas en VDC o "clones"), está condenada a encasillarse y morir en el intento.

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Presentada por un seudo narrador que más bien parece copia chafa extraida de los Amores Perros de González Iñárritu, Don de Dios inicia con la tortuosa relación de dos brothers del barrio: "El diablo" (Luis Felipe Tovar, ¡faltaba más!) y "El Chepo" (Mauricio Islas), quienes ya están hartos de trabajar para el narco, bajo la batuta de Reyes (Tomás Gorós). El intento de rebelión deviene en el clásico tiro por la culata (los carnales son separados: uno va al bote y el otro regresa a la "normalidad" atendiendo su puesto de pantalones) y lo único que logra es acrecentar el odio por la gente que, sin ser del barrio explota a la gente que vive en él a la par que el deseo por convertirse en el nuevo cacique de la localidad.
Hasta ahí llegó el chiste. El resto de la cinta son balaceras a toma y daca, secuestros, revanchas y actos de venganza con familiares, corretizas por los callejones y tendajones con gente volteando a la cámara y exagerados recursos para dar movimiento a la cámara (que confiese aquel que no se mareó en la secuencia final donde los ex big brothers se encuentran).
Estimado lector. Si usted fue uno de los poco más de 9 mil espectadores que vio Don de Dios durante su fin de semana de estreno (lo cual implicó preferir esta opción contra verdaderos trancazos como La Leyenda del Zorro 2, también estrenada por esas fechas), le doy las gracias por haber apoyado con centavitos, al cine mexicano. Seguramente las ínfimas entradas en taquilla (367 mil pesitos) no harán ni más ricos a los pensionados del S.T.I.C. ni servirán para recuperar la inversión original.
Si no ha visto la película aún, no desespere. Don de Dios apenas circula en cartelera con 40 copias.
Y si como a mi, le llegó a sus manos una copia en VCD más pirata que la de "Moteles de Tlalpan", tenga en cuenta que no se trata del corte final. Y como Fermín Gómez asegura, vale más la pena verla en cine completa, que esos horribles retazos en discos compactos de a peso.

La workaholic y el maestrito

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Tue, 25 Oct 2005 06:55:00 +0000

Sí, cómo caen pésimo este tipo de personas que se llevan la chamba a los momentos que la vida misma nos marca como de disfrute. © ELC Productions Inc.
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Mi primer strike para ver la última cinta de los hermanos Peter y Bobby Farrelly ocurrió hace casi 15 días, cuando aquella fatídica lluvia paralizó la ciudad por doquier y los sindicalizados del IMSS bloquearon la Calzada de Tlalpan, desquiciando aún más el tráfico. Así que justo hoy, en uno de esos días maravillosos donde acudí a dos premieres, mi intermedio fue, por propia convicción, elegir Amor en juego (Fever Pitch) para despejarme un rato.
La sorpresa que me llevé, fue toparme con la cinta más pulcra, menos escatológica y por tanto, más higiénica de los hermanos Farrelly, luego de que nos acostumbraron a todo tipo de diarreas, eyaculaciones y vómitos en sus cintas anteriores (cómo olvidar la ya clásica There´s something about Mary).
Para no variar, estamos frente a la cuasi imposible consumación del amor/entendimiento de dos personajes aparentemente opuestos: en esta esquina, Lindsay (la también productora de la cinta -como no!- Drew Barrymore) toda una calculadora humana con una súper chamba, envidia de sus amigas pero solterona en sus veinti-dieci-tantos años. En esta otra, Ben (Jimmy Fallon), el no menos tonto -como defendiera Montiel a sus vástagos- cuya chamba como profesor de geometría no lo hace palidecer ante tal figurón (y eso que Drew ya no es aquella regordeta güera), pero su aguzada pasión y sabiduría en torno a los Red Sox que ha desarrollado desde infante, se vuelve la crisis a la hora de compartir tiempos en pareja.
Así, la cinta transcurre del invierno totalmente romántico a la pretemporada primaveral, al verano volcado en los juegos de la temporada y de nuevo al invierno, donde la relación entre ambos "disímbolos" se prende, se enfría y se prolonga tanto-cuanto o más como los partidos de béisbol (y que a mi gusto, pueden ser a-bu-rri-dí-si-mos). Con chistes políticamente más correctos (sí, hay un vómito tempranero, pero no es nada explícito), los Farrelly apostaron a una relación más estrecha, íntima entre sus personajes, con todo y dilemas en torno a un embarazo imprevisto y el anhelo (de ella) de formar una familia... ¿se antoja trillado el cliché?
De tal modo que vemos a Lindsay echando el bofe en sus clases de spinning o la cámara nos introduce al cuarto de Ben, forrado por completo de chucherías alegóricas a su equipo de béisbol predilecto, inducido y heredado por el tío que murió de cáncer.
¿El resultado? Si bien la pareja posee carisma a cuadro, como que le hace falta cuajar un poco más. Y no tanto por ella, sino por Fallon, quien está lejos de la presencia que otros comediantes como Ben Stiller, Adam Sandler o hasta Jack Black sí tienen (claro que todos ellos son de una generación muuuy anterior a la de Jimmy "Taxi" Fallon, el fiasco del año pasado). Sin embargo, para las necesidades y chistes del papel, cubre apenas las expectativas tan altas que podrían demandárseles a unos genios de la comedia como los Farrelly.
De este modo, los seguidores de estos directores que para el 2007 ya tienen anunciado revivir a "Los tres chiflados" (The Three Stooges) en cine, juzgarán si con Amor en juego lograron llegar en safe a base o de plano se sacaron un strike.

Ni tan perfectos pero sí los más opuestos

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Fri, 21 Oct 2005 18:41:00 +0000

Queda demostrado que hasta las parejas más bonitas, no siempre serán las más efectivas. © The Vault Inc.
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Tras el inicio de esta cinta creí que me iba a topar con una fórmula más donde Julia (Piper "Coyote ugly" Perabo) y Drew (Martin Henderson), un par de chicos guapos, universitarios y en la flor de su juventud, vivirían un romance fugaz posterior a su graduación, donde repentinamente un punto de quiebra los haría valer el boleto de la película y el nombre de la misma (¿cómo pudieran ser opuestos dos chicos del tipo que, a leguas se ve que tienen todo para armarla?)
He de admitir que me equivoqué y en su lugar, encontré en Perfectos Opuestos (Perfect Opposites), una cinta honesta, sincera, del novato director Matt Cooper, sobre las causas que pueden originar el quiebre de la relación de pareja soñada.
Empleando una narración y a modo de flashback, Perfectos Opuestos inicia rápido: chico guapo pasante de abogado, se lanza con todo para conquistar a la soñada estudiante de la facultad de enfrente, cuyo sueño es ingresar a prestigiosa agencia de Leo Burnett. El flirteo dura poco y apenas se visten de toga y birrete en la graduación, se echan el clavado de sus vidas: moverse a Los Angeles para iniciar vida en pareja, en la búsqueda de su realización personal y profesional.
Hasta aquí las caras bonitas parecen congeniar, pero es cuando el director escupe a escena la realidad y las crisis eventuales que las parejas suelen sufrir en sus inicios, cuando recién se construyen y se la juegan antes de firmar el acta que las erige como matrimonio ante la ley (es lo que me han dicho, aclaro).
Mientras Drew consigue chamba gracias a su hermana en pródiga firma que despacha a estrellas de Hollywood, Julia se encuentra desempleada y sumida en la decepción de vivir al lado de la carretera, sin poder demostrar (se) sus habilidades ni para lo que fue hecha (cosa rara en un recién graduado desempleado; insisto, eso me han contado).
Poco a poco, la vida de pareja que en el romance era miel sobre hot cakes, se torna cada vez más difícil. El trabajo y las presiones cotidianas dejan poco tiempo para el convivio y sacar adelante la relación. Más en una pareja prácticamente desconocida, conocerse por la fuerza y en tiempo récord, resulta caótico (por cierto, queda también demostrado que las mujeres tienen una memoria inviolable hasta del más mínimo detalle).
Los detalles romáticos se convierten en cosas del pasado, el cariño y la atención se concentran en otras minucias (como adoptar a una mascota), la falta de asertividad para tratar ciertos temas (como el "ahora sí vamos a casarnos" o "creo que estoy embarazada"), el sexo espontáneo es cosa de la prehistoria, las inevitables comparaciones con matrimonios de la casa de enfrente se vuelven el día a día y así ad infinitum, hasta que ambos terminan por voltear al escritorio de al lado para mirarle las piernas a la secretaria o al compañero de trabajo, producto del fastidio, la aburrición y la insatisfacción.
Lo que el director Matt Cooper hace en su ópera prima, es profundizar en esos pequeños detalles que, producto del desconocimiento mutuo o de lo terrible que se vuelve la monotonía, terminan por darle en la torre a la que pareciera la relación de pareja más maravillosa. ¿Quién no ha experimentado cambios de ánimo? ¿Quién no ha padecido la pérdida de atención, cuidado e interés de su pareja? Peor aún ¿quién no ha volteado a la puerta de al lado para encontrar la atención que ya se perdió en el hogar?
Y así, del flechazo y romance inicial, al momento de la verdad, a la tentación de experimentar nuevas sensaciones con otras personas, a la desatención y finalmente, la ruptura. Sin grandes artilugios y con el peso de la trama en estos dos jóvenes actores, Perfectos Opuestos es una película para considerarse y hasta reflexionar un poco si es que se padecen las mismas condiciones que en la ficción mostrada en pantalla.

Gracias a tod@s. Gracias blog. Gracias internet.

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Mon, 17 Oct 2005 20:26:00 +0000

Más azul que extremo

noreply@blogger.com (Juan José Galván V.) — Fri, 14 Oct 2005 05:55:00 +0000

Por a´i nos pidieron que no nos vayamos con la finta, en referencia al título de Azul extremo (Into the blue), sin duda una cinta que le dará un gran y refrescante atractivo visual a la cartelera de esta semana.
El punto es que al director John Stockwell le dio por zambullirse en el mar desde su película anterior (Olas salvajes, sobre unas surfers wannabe) y con el poster de Azul extremo, podría pensarse que por ahí continúan sus trabajos. No.
Aquí la historia es sobre un par de buzos mendigos pobretones que habitan en un barcucho a punto de hundirse en las Bahamas: Jared (Paul "Fast and the Furious" Walker) acaba de perder su chamba como buzo de turistas y se niega a trabajar para el malo-ricachón de la comunidad, mientras que Sam (Jessica Alba, con poquita ropa y quien cierra un estupendo año fílmico después de Fantastic Four y Sin City) chambea en el acuario del lugar alimentando a los pececitos.
Por azares del destino encuentran un avión hundido con 800 kilos de cocaína. Más tarde que temprano se meterán en problemas con los narcos en un intento por autofinanciar con el cargamento perdido, el rescate de una vieja embarcación que los podría sacar de la miseria y catapultarlos a la fama.
Aquí es cuando la trama se enreda un poco y aunque hay bajas en el reparto (ojo a la secuencia del ataque de los tiburones, tan terrorífica como Jaws de Spielberg), la cinta no deja su lado aspiracional del triunfo del bien sobre el mal (los narcos quedan ridiculizados, como en los corridos de los Tigres del Norte), aún cuando los buenos ni son los más, y ni portan armas de alto calibre.
Si bien Azul extremo no sorprende en términos de la historia que recurre a los tesoros perdidos (gran novedad, tan así que después del epílogo dan ganas de irse a meter a buscar oro debajo del océano), sí ofrece una gran estética marina, con espléndidos y cuidadísimos paisajes subacuáticos y no se diga de las terrenales féminas que se regodean con diminutos bikinis en las playas.
Una cinta para acomodarse plenamente en la butaca y dejar que las imágenes llenen los ojos sin grandes complicaciones.